Exhibición de orquídeas en el Jockey Plaza de Lima

Hola:

Hoy día amanecí con el deseo de relajarme y engreirme, así que pensé en la terapia perfecta:  irme de shopping.  Me puse mis zapatos más cómodos, de esos que no los sientes en el pie, y enrumbé hacia el centro comercial Jockey Plaza, que se ubica en la Av. Javier Prado, una de las más importantes arterias de Lima, Perú.  Luego de dejar el auto en el parqueo, pasé caminando por el nuevo hall del Jockey Plaza y me topé ahí con una exhibición de orquídeas, era mi día de suerte porque estas flores me encantan.  No se trataba de una extensa exhibición de orquídeas, sin embargo, todas las que pude observar fueron suficientes para que mis ojos se sientan agradecidos.  Fue un excelente inicio de terapia de relajación, que no estaba incluído y en mis planes, pero que disfruté mucho.

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La exhibición de orquídeas se titula “Mírala” y se ha puesto en marcha en homenaje a la mujer.  Reúne sólo algunas de las más de tres mil especies de orquídeas de diferente tipo con las que estas tierras ha sido bendecida.  En mi visita pude tomar estas fotos que ahora comparto contigo.

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El ingreso a esta exhibición es libre y puedes tomar todas las fotos que desees.  El evento estaba programado para que dure todo el mes de marzo pero al parecer lo han extendido un poco más.  De seguro ya quedan pocos días, no te la pierdas si eres fanática de las orquídeas.  Sólo debes dirigirte al primer nivel del Nuevo Hall del Centro Comercial Jockey Plaza.

Espero que hayas disfrutado el  Post.  No te olvides que puedes calificar o comentar su contenido.  Hasta el próximo Post.

Patricia

 

Fuente: JC Magazine.

 

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Ya se vive Easter en “La Tiendecita Blanca”

Hola:

Desde que tengo uso de razón, cada vez que iba de paseo por el óvalo de Miraflores, “La Tiendecita Blanca” siempre estaba ahí, como parte de la historia de ese turístico distrito de Lima.  Y cómo no va a ser así  si desde 1936 es uno de los restaurantes más entrañables y tradicionales de la capital de Perú.  Cuando niña mis padres solían llevarme a La Tiendecita Blanca para saborear riquísimos chocolates mientras que ellos tomaban el café de rigor.

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Alberto Bachmann llegó por estas tierras en los años ‘20s no para inaugurar su famoso restaurante, sino para encargarse de la panadería del Hotel Country Club de  San Isidro.  Bachmann trajo a Lima sus secretos y técnicas para preparar variedad de panes suizos ganando un tiempo después mucha fama entre los comensales del Hotel.  Ahorró y ahorró porque ya tenía en mente abrir su propio local, sueño que hizo realidad hace 81 años.  En su aventura contó con la colaboración de un primo experto en pastelería  que convenció de venir a América.  A partir de los 80s, Alberto, el único hijo de Bachmann, administra el  negocio y está al frente de 50 trabajadores.

Desde que entras a “La Tiendecita Blanca” te desconectas de nuestro ambiente limeño para sentirte por un momento como si estuvieras en uno de esos cafés de la lejana Suiza.  Pisos de marmol, puertas talladas y pintadas en distintos colores, paneles y molduras en el techo, mesas con manteles de lino blanco, una surtida barra de licores, cuadros con fotografías en blanco y negro que nos transportan a la historia del restaurante, todo bajo una iluminación tenue.    La cereza del pastel es el piano cuyas melodías resultan el fondo perfecto que no nos altera la tertulia.   Además un atento personal impecablemente vestido nos atiende como si fuésemos monarcas.

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Esa mañana cuando decidí desayunar en La Tiendecita Blanca entré atraída por esta gran maceta en la terraza.  Estaba decorada con rostro y orejas de conejo y  llena de huevos de chocolate.

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Ni bien ingresé al restaurante de primera entrada me recibió esta mesa ricamente decorada con una gallina de paja rodeada de una inmensa variedad de huevos de chocolate fabricados por la Tiendecita Blanca bajo técnicas suizas.

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Acercarse a las vitrinas que muestran los postres más variados y los chocolates por doquier y no probarlos resulta una tentación casi irresistible.  La mayoría de los huevos de chocolate llevan unos coloridos lazos de lana de tejido incaico.  Así los turistas pueden llevarse a casa estos deliciosos souvenirs  peruano –suizos.

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La Tiendecita Blanca ofrece también almuerzos y cenas.  Para el almuerzo, el restaurante brinda dos opciones de menú que incluye entrada, segundo y postre, además de platillos a la carta y piqueos para compartir como el “antipasto suizo” que consiste en una surtida fuente de quesos, aceitunas, prosciutto y mortadela, acompañada por una canasta con panecillos diversos con sabor a queso, aceitunas y finas hierbas.  A mí me encanta la delicia de salmón que incluye cortes de ese delicioso pescado ahumado sobre hojas frescas, todo servido con ensalada waldorf, crema agria y cebolla blanca finamente picada.  También encontramos en La Tiendecita Blanca los cocteles más populares de nuestro medio  como pisco sour, mojitos y chilcanos, así como sofisticados tragos como el delicioso “purple hase” preparado con fresas, albahaca, grand manier, licor de mora, zumo de cranberry y pizca de pimienta negra.

Si visitas Lima, no dejes de engreirte y saborear las delicias de La Tiendecita Blanca, no te vas a arrepentir.  El restaurante atiende los 365 días del año desde las 7 de la mañana hasta la media noche.

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Patricia

 

 

 

 

 

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Los rostros de las damas Art Decó

Hola:

Durante el movimiento Art Decó que tuvo lugar desde 1920 hasta 1939, se pusieron de moda unos rostros de mujer fabricados en cerámica, terracota y porcelana que se colgaban en la pared para decorar el living, los dormitorios y otros ambientes.  Las compañías austriacas, checoslovacas, alemanas, italianas e inglesas que fabricaban estas piezas solían tener hábiles artistas que se encargaban de dar forma, expresión y color a cada rostro.

Estas decorativas piezas reflejaban las tendencias de la moda Art Decó en cuanto a peinados, sombreros, collares, pañuelos y maquillaje.  Aún hoy en día se venden en anticuarios y mercados de pulgas estos singulares rostros que son muy apreciados y buscados por los coleccionistas.  Los precios se elevan en función al estado de conservación de la pieza y si ésta está firmada o numerada.  Las más buscadas son aquellas que se consideran raras o difíciles de encontrar, que son únicas o de edición limitada.

Primero veremos algunos rostros Art Decó para colgar en la pared que han sido fabricados en terracota:

Rostro Art Decó de terracota fabricado por Wiener Werkstatte Austria 1930

Rostro de terracota fabricado por Wiener Werkstalte. Austria, 1930s.

Rostro Art Decó de terracota fabricado por Bordscorf Checoslovaquia 1930

Rostro de terracota fabricado por Bordscorf. Checoslovaquia, 1930s..

Rostro Art Decó de terracota fabricado por Keramia Checoslovaquia 1930

Rostro de terracota fabricado por Keramia. Checoslovaquia, 1930s.

Rostro Art Decó de cerámica posiblemente alemana o austriaca 1930

Rostro de cerámica posiblemente austriaca o alemana. 1930s.

Rostro Art Decó de cerámica fabricada por Goldscheider Austria 1930

Rostro de cerámica fabricada por Goldscheider. Austria, 1930.

 

Las siguientes son piezas fabricadas en cerámica con acabado vidriado:

Rostro Art Decó de cerámica Ars Pulchra Torino Italia 1938

Rostro de cerámica Ars Pulchra. Torino, Italia, 1938.

Rostro Art Decó de cerámica italiana firmada 20s

Rostro de cerámica italiana firmada. 1920.

 

Y ahora veremos una selección de rostros Art Decó en porcelana fabricada en distintos países:

Rostro perfil con sombrero Art Decó de porcelana Royal Dux Checoslovaquia 1930

Rostro de porcelana fabricado por Royal Dux . Checoslovaquia, 1930s.

Rostro Art Decó con sombrero de porcelana Royal Dux Checoslovaquia 1930

Rostro de porcelana fabricada por Royal Dux. Checoslovaquia, 1930s.

Rostro Art Decó de porcelana Goebel Germany 1930

Rostro de porcelana fabricada por Goebel . Alemania, 1930s.

Rostro Art Decó de porcelana Royal Belvedere Vienna Austria 1930

Rostro de porcelana fabricado por Royal Belvedere. Viena, Austria, 1930s.

Rostro Art Decó de porcelana Royal Doulton Inglaterra 1920

Rostro de porcelana fabricado por Royal Doulton. Inglaterra, 1920.

Rostro Art Decó de porcelana Royal Dux Checoslovaquia 1930

Rostro de porcelana fabricada por Royal Dux. Checoslovaquia, 1930s.

Rostro Art Decó estilo Marlene Dietrich fabricado por Beswick Ware Inglaterra 1934

Rostro inspirado en la actriz alemana Marlene Dietrich fabricado por Beswick Ware. Inglaterra, 1934.

Rostro Art Decó Eva fabricada por Goldscheider creada por Rudolf Knorlein Austria 1933

Rostro de porcelana Goldscheider firmada por Rudolf Knorlein. Austria, 1933.

Rostro Art Decó gritando de porcelana Royal Dux Checoslovaquia 1930

Rostro de porcelana fabricada por Royal Dux . Checoslovaquia, 1930s.

Rostro perfil Art Decó de porcelana Royal Dux Checoslovaquia 1930

Rostro de porcelana fabricado por Royal Dux . Checoslovaquia, 1930s.

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Patricia

 

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Los Fabulosos cofres de porcelana Capodimonte

Hola:

Éste es el primer Post en mi Blog acerca de la porcelana italiana Capodimonte, así que empezaré por el principio, es decir, por sus orígenes.

En 1743, Carlos III. Rey de España, Nápoles y Sicilia, fundó unos talleres de porcelana en los terrenos de su palacio Napolitano de Capodimonte.  Estos talleres funcionaron y fabricaron piezas hasta 1759, año en que Carlos III se llevó los moldes, los modelos y hasta los mejores obreros a Madrid, donde inauguró una factoría en los jardines del Buen Retiro.

En 1771, el rey Fernando II de Nápoles volvió a establecer los talleres napolitanos.  Inicialmente, los talleres de Villa Reale, en Portico, se pusieron bajo la dirección de Nápoles, aunque dos años más tarde volvieron a esta ciudad.  Es en 1821 que la fábrica Capodimonte deja de producir porcelana y cierra sus puertas.

Las piezas Capodimonte se identifican por tener relieves figurativos pintados a mano y porque el decorado abarca una gran variedad de temas.  Al principio la porcelana Capodimonte era de estilo Rococó, aunque después su estilo se tornó Clásico.

A continuación unos tips a tomar en cuenta para saber si una pieza es auténtica o se trata de las muchas reproducciones que circulan en el mercado de antigüedades:

  • Las piezas de Capodimonte de Gionori-Doccia van marcadas con una “N” que lleva una corona.
  • La producción propia de Capodimonte va marcada con un lirio estampado o en azul bajo el barniz.
  • Sus figuritas y otros productos esculpidos, generalmente, no van marcados.
  • La producción Española del Buen Retiro lleva además una doble “C”, que después pasó a ser una N”, normalmente debajo de una corona en azul bajo el barniz. Las piezas de la época del Portico van marcadas “RF” o “FRF”.

En este Post veremos fabulosas piezas que Capodimonte creó para guardar en ellas alhajas, cosméticos y cigarillos. Aquí algunas fotografías:

Cofre de porcelana Capodimonte decorado con escenas campestres y los tradicionales querubines que marcan el estilo de las piezas de esta porcelana italiana. El cofre ha sido pintado con líneas sencillas y ondulantes que parecen un bosquejo.

 

Cofre de porcelana Capodimonte del siglo XIX.  Puedes hacer click en cada foto para verlas ampliadas y apreciar los detalles.

 

Hermoso cofre de porcelana Capodimonte del siglo XIX.  Ha sido pintado a mano con imágenes en alto relieve de jóvenes doncellas y criaturas mitológicas.

 

Artístico cofre de porcelana Capodimonte del siglo XIX  Está pintado a mano con imágenes en alto relieve de escenas mitológicas y querubines.  Además en cada esquina lleva un busto.  El interior también está decorado, en este caso con flores.

 

Cofre ovalado de porcelana Capodimonte del siglo XIX decorado con múltiples personajes y los tradicionales querubines.

 

Cofre de porcelana Capodimonte del siglo XIX pintado a mano con escena de personajes a caballo, querubines, flores y hojas.

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Cofre de porcelana Capodimonte de 1920.  El interior está forrado de terciopelo.

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Patricia

Fuente:  “La Enciclopedia de las Antigüedades” , Ed. LIBSA, Madrid, 2005.

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Original caja Victoriana para tabaco

Hola:

En este Post quiero mostrarte una interesante caja para tabaco que es una pieza única por su originalidad y por su notable trabajo de talla.   Se trata de una caja de madera cilíndrica cuyo cuerpo está hábilmente tallado con seis máscaras de diablo que simbolizan el ansia y la tentación por la droga.  Cada máscara representa diferentes gestos, desde el relax hasta el estrés total.  Como puedes apreciar en las siguientes fotografías, la caja tiene una tapa también de madera y que lleva tallada la Máscara de Jarra de Martin Brother.  Además la caja cuenta en su interior con un recipiente de estaño y plomo para guardar y conservar el tabaco en buen estado.

Esta inusual pieza fue fabricada en el Reino Unido en la era Victoriana y se calcula que fue creada entre 1850 y 1899.  La caja mide 23 cm de alto x 13.5 cm de diámetro.  Ahora vamos a conocer esta original pieza.

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Patricia

 

 

Fotos: Ebay

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Coleccionando “EL Padrino”

Hola:

Soy fanática de las películas dramáticas y si además éstas tratan sobre gansteres , me atraen mucho más.   “El Padrino”  es una de esas películas que  ya perdí  la cuenta cuántas veces la he visto y disfrutado , es que “El Padrino” no es cualquier película, está dentro de las mejores cintas que ha producido Hollywood en toda su historia.

Fue tal el éxito de “El Padrino”, dirigida por Francis Ford Coppola  y protagonizada por el actor Marlon Brando, que después de su estreno  en 1972 se convirtió en una trilogía, siendo las dos primeras películas laureadas con varios premios Oscar.  “ El Padrino” ganó la estatuilla a mejor película en 1972, mejor actor (Marlon Brando) y mejor guión adaptado (Mario Puzo, autor de la novela que dio origen al filme, y Francis Ford Coppola).  Sin embargo, fue superada por “El Padrino II” que en 1974 se llevó seis estatuillas de las once en las que competía:  mejor película, mejor director, mejor guión (Puzo y Coppola), mejor actor de reparto (Robert de Niro), mejor banda sonora (Nino Rota y Carmine Coppola) y mejor dirección artística. No ocurrió lo mismo con “El Padrino III” que no logró ninguna estatuilla, a pesar de que fue nominada en siete categorías.

A principios de los 90s cayó en mis manos el libro “La Mamma” escrito por Mario Puzo que trata sobre una familia de inmigrantes italianos que llega a Nueva York en los años 30.  La novela es triste, gris y deprimente.  Me causó sorpresa enterarme después que la famosa trilogía “El Padrino” se basó en el libro escrito también por Mario Puzo y que llevaba el mismo nombre, así que decidí comprarme la novela.  La historia me absorvió y la disfruté en cada página.  Inmediatamente  me interesé por ver la trilogía, ya que cuando las dos primeras películas fueron estrenadas no pude verlas en  el cine porque estaba muy pequeña.  Desde ese momento “El Padrino” y “El Padrino II” se convirtieron en mis películas favoritas.  Por supuesto que muchos pasajes del libro no se plasmaron en las películas.  Hay uno en particular que me parece interesante.   Corleone (el padrino) tenía un ahijado preferido que era un cantante llamado Johnny Fontane  (que se rumoreaba era Frank Sinatra, famoso por sus conexiones con la mafia).  Según el libro, el padrino movió sus injerencias  mafiosas para hacer que la Academia de Cine le otorgue un Oscar a Fontane y lo logró, lo que fue omitió en la trilogía por expreso pedido de Sinatra.  Pienso que si este pasaje del libro se hubiese incluído en las cintas, quizás  la Academia no hubiese otorgado las estatuillas que se merecía “El Padrino” y “El Padrino II”.

Sucede que no soy la única admiradora de las cintas “El Padrino”, sino que la trilogía ha ido acumulando seguidores en todo el mundo desde su estreno a principios de los 70s.  Muchos de sus fanáticos no sólo se han conformado con tener las películas de la trilogía en casa, sino que se han convertido en coleccionistas de una serie de objetos relacionados con el “El Padrino”.  Y es en este Post que quiero compartir contigo algunos de ellos:

Colección de DVDs por el 40 aniversario.

Colección de DVDs por el 40 aniversario de la película.

Poster original de 1972.

Poster oficial de la película.

Poster firmado y numerado.

Poster numerado y firmado.

Poster de edición limitada.

Poster de edición limitada.

Disco long play firmado por Al Pacino que contiene la música original de la película.

Disco long play con la música de la película El Padrino II firmado por Al Pacino.

Cantimplora metálica para licor.

Cantimplora metálica para licor.

Colección de naipes y revistas.

Colección de naipes y revistas.

Diario de 2004 que anuncia muerte de Marlon Brando.

Diario anunciando la muerte de marlon Brando.

Fotos de edición limitada.

Fotos de edición limitada.

Llavero oficial de la película.

Llavero oficial de la película.

Muneco de colección Don Vito Corleone.

Muneco de Don Vito Corleone.

Pines de los actores de El Padrino.

Pines de los protagonistas.

Placa para auto.

Placa para vehículo.

Postal blanco y negro de Marlon Brando.

Postal blanco y negro de Marlon Brando.

Gracias a la magia de internet podemos adquirir estos objetos de colección y muchos otros más en portales como Ebay, E-offer y Amazon.

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Patricia

 

Te puede interesar:

Protagonistas de ‘El Padrino’ se reunirán para el 45 aniversario del estreno

http://www.vanguardia.com.mx/articulo/protagonistas-de-el-padrino-se-reuniran-para-el-45-aniversario-del-estreno

El actor Marlon Brando rechaza el Oscar

https://mx.tuhistory.com/hoy-en-la-historia/el-actor-marlon-brando-rechaza-el-oscar-por-su-interpretacion-en-la-pelicula-el

Los actores de la película El Padrino en la actualidad

http://cinicosdesinope.com/cine-y-series/el-padrino-asi-estan-ahora-los-actores-de-la-pelicula/

 

 

 

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Los artísticos micromosaicos italianos

Hola:

En primer lugar tenemos que tener claro qué es un “micromosaico” para entender en qué consiste este maravilloso arte.  Los micromosaicos son imágenes figurativas que se elaboran manualmente uniendo pequeñísimas piezas oblongas  de vidrio, marmol, onix y piedras preciosas  o semipreciosas.    A estas diminutas piezas de distintos materiales se les denomina “teselas”.   Los mejores micromosaicos eran una verdadera obra de arte porque podían alcanzar de 3.000 a 5.000 teselas por pulgada cuadrada.   El impacto y perfeccionismo del micromosaico dependía exclusivamente de la habilidad artística de su creador.

Los pioneros de este maravilloso arte fueron los griegos y los italianos y éstos últimos  comenzaron a crear micromosaicos desde el Renacimiento, alcanzando gran popularidad a mediados del siglo XIX, cuando el centro de producción era Roma.

Los micromosaicos se aplicaron a muebles,  cajas de tabaco, cofres y otros objetos, así como a piezas de joyería.  Las escenas más usuales de los micromosaicos fueron paisajes romanos, temas religiosos, flores, pájaros, personajes mitológicos e imágenes que se copiaron de pinturas.  Las piezas de mosaico más pequeñas provienen de obras del período comprendido entre finales del siglo XVIII y finales del XIX.

En las siguientes fotos verás una  selección de piezas italianas antiguas que han sido decoradas con hermosos micromosaicos.

micromosaico pulsera con micromosaicos de flores 1840

Pulsera con micromosaicos de flores 1840.

micromosaico aretes de oro con micromosaico de aves 1800s

Aretes de oro con micromosaico de aves y flores, 1800s.

micromosaico broche camafeo con micromosaico 1800s

Broche camafeo con micromosaico, 1800s.

micromosaico broche de bronce con micromosaico de tres corazones 1800s

Broche de bronce con micromosaico de tres corazones, 1800s.

micromosaico broche de oro de 14k con micromosaicos de flores y pájaro 1800s

Broche de oro de 14k con micromosaicos de flores y pájaro, 1800s.

micromosaico broche de oro de 18 k con micromosaico de la imagen de María y el Nino 1800s

Broche de oro de 18 k con micromosaico de la imagen de María y el Nino, 1800s.

micromosaico cadena y pendiente de oro de 18 K adornado con micromosaico de tema pastoral

Cadena y pendiente de oro de 18 K adornados con micromosaico de tema pastoral, 1800s.

micromosaico pastillero de oro adornado con micromosaico de flores 1920

Pastillero de oro adornado con micromosaico de flores, 1920.

micromosaico portaretrato de madera decorado de micromosaicos de flores y con la imagen del Vaticano 1850

Portaretrato de madera decorado con micromosaicos de flores y la imagen del Vaticano, 1850.

micromosaico portaretrato de madera en forma de mandolina con decoración de micromosaico de flores 1800s

Portaretrato de madera en forma de mandolina con decoración de micromosaico de flores, 1800s.

Micromosaico portaretrato de mediados de 1800.

Portaretrato de madera para dos fotos decorado con micromosaicos de flores, mediados de 1800.

Si te gustaron estos antiguos y artísticos micromosaicos, te aconsejo visitar el Museo Hermitage y la colección Gilbert en Londres donde encontrarás interesantes piezas de este maravilloso arte.

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Patricia

 

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Lentejuelas: brillo con historia

Hola:

¿Sabías que las “lentejuelas”, esas pequeñas láminas redondas de plástico con acabado metálico que hoy adornan los vestidos fueron usadas por primera vez hace siglos por los antiguos egipcios?

El Imperio Nuevo fue el  periodo histórico que comienza con la reunificación de Egipto bajo Amosis I (c. 1550 a. C.) y que termina hacia el 1070 a. C. con la llegada al trono de los soberanos de origen libio.  La vestimenta cambió significativamente en Egipto durante este periodo en el que reinaron las dinastías XVIII, XIX y XX.  Quedaron atrás las simples túnicas de lino, pues los egipcios inventaron nuevos tintes para las telas, haciendo que éstas sean más coloridas.  Al vestido simple entubado añadieron una túnica plisada que se usaba sobre éste.  Las egipcias ricas decoraban sus vestidos con plumas, lentejuelas y diferentes tipos de rosetas.  Las lentejuelas estaban hechas de diversos metales como plata, oro y bronce con un agujerito para cocerlas al vestido.  Como ves, el nacimiento de las lentejuelas para decorar las vestimentas es mucho más antiguo de lo que te imaginas.

Desde ese punto tan remoto del tiempo,  las lentejuelas han ido cambiando de estilo, ya no sólo son redondas sino que han adoptado otras formas geométricas y de otro tipo como flores, estrellas, lágrimas, etc.  Las hay en colores metálicos, doradas, plateadas, cobrizas, escarchadas, así como transparentes y de diversos colores.  Las lentejuelas plásticas son las más comunes pero también las hay de metal para las prendas sofisticadas de alta costura.

Las lentejuelas han tenido varios picos de popularidad en la historia de la moda.  El primero fue durante el Movimiento Art Decó, es decir, durante los años 20s y parte de los 30s.  La moda se inundó de brillo y ese brillo lo dió las lentejuelas que sirvieron para adornar vestidos, sombreros, pines de sombreros, guantes, chales, vanités y mucho más  como puedes ver en estas fotografías.

lentejuelas de 1930

Lentejuelas de metal de 1930.

lentejuelas vestido de chifón negro con bordado de flores con lentejuelas

Vestido Flipper de chifón negro y bordado de flores con lentejuelas.

lentejuelas vestido flapper de chifón blanco bordado con lentejuelas aurora boreal y mostacillas

Vestido Flipper de chifón blanco con lentejuelas aurora boreal y mostacillas.

lentejuelas vestido estilo flapper con lentejuelas plateadas

Vestido Flipper de seda negra con lentejuelas plateadas.

lentejuelas mitones de terciopelo negro bordados con lentejuelas plateadas y piedras falsas

Mitones de terciopelo negro bordados con lentejuelas plateadas y piedras falsas.

lentejuelas chal de tul negro bordado en lentejuelas doradas

Chal de tul negro bordado con lentejuelas doradas.

lentejuelas sombrero bordado en seda y lentejuelas

Sombrero bordado en seda y lentejuelas.

lentejuelas sombrero decorado con plumas lentejuelas y cordones de seda

Sombrero decorado con plumas, lentejuelas y cordones de seda.

lentejuelas pin de sombrero revestido con lentejuelas cremas

Pin de sombrero revestido con lentejuelas cremas y doradas.

lentejuelas pin de sombrero revestido de lentejuelas y mostacillas de colores

Pin de sombrero revestido con lentejuelas y mostacillas multicolores.

lentejuelas vanité bordado de mostacillas verdes y flores blancas de lentejuelas

Vanité bordado con mostacillas verdes y flores blancas de lentejuelas

lentejuelas vanité de seda bordado de perlitas y lentejuelas blancas

Vanité de seda bordado de perlitas y lentejuelas blancas.

 

En los 70s también se usaron muchísimo las lentejuelas, era la época de la onda disco y se adornaron con lentejuelas vestidos, blusas, cinturones y bolsos.

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Vestido disco de los 70s totalmente bordado de lentejuelas color fucsia.

lentejuelas cinturón strech bordado con lentejuelas de los 70s

Cinturón strech de los 70s bordado con lentejuelas doradas.

Más adelante en los ‘80s se volvieron a usar, las puso de moda nuevamente Michael Jackson, ¿te acuerdas del famoso saco de lentejuelas negras con el que bailó Billy Jean por primera vez, así como sus guantes blancos con lentejuelas  y los famosos sacos cortos estilo militar decorados con brillos de lentejuelas?  … detalles que marcaron toda una época.

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Espero que hayas disfrutado el  Post de las eternas lentejuelas que se resisten a morir y que hoy se encuentran vigentes en las grandes pasarelas del mundo.  A nivel local,  Ani Alvarez-Calderón incluyó en su última colección muchas prendas adornadas con lentejuelas hechas con láminas de bronce de diferentes formas geométricas, para lo que se inspiró en la vestimenta del Señor de Sipán.

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Patricia

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Frase del gran Woody Allen

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Estatua de la Libertad, Nueva York, Estados Unidos, Postal de 1907.

 

“La última vez que estuve dentro de una mujer fue visitando la Estatua de la libertad.”

 

De la película “Delitos y faltas”,  que en 1989 llevó a la pantalla al gran Woody Allen, Mía Farrow, Alan Alda, Martin Landau y Anjelica Huston.  Además este drama-comedia fue escrito y dirigido por Allen.

Puedes leer la crítica de esta película en la web:

http://cinemaesencial.com/peliculas/delitos-y-faltas

 

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Patricia

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Coleccionando a Jackie Kennedy Onasis

Hola:

Jackeline Bouvier o simplemente “Jackie” se convirtió en Primera Dama de los Estados Unidos en 1961 y su estadía en la Casa Blanca sólo duró hasta el 22 de noviembre de 1963, fecha en la que su esposo, el  Presidente John F. Kennedy,  fue asesinado en Dallas, Texas.  A sus 31 años , fue notable su valentía durante y después de ese lamentable incidente.  Ese hecho así como su posterior matrimonio con el hombre más rico del mundo, el griego Aristóteles Onasis, la convirtió en un mito y en una figura famosa en todo el mundo.   Lo que Jackie significa para los norteamericanos y esa admiración que también despierta en otras latitudes aún después de su muerte (en 1994), ha llevado a muchas personas a coleccionar todo lo concerniente a ella.

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La excitante vida de lujos y glamur de la Exprimera Dama norteamericana ha hecho correr ríos de tinta en revistas y diarios en todo el mundo durante décadas.  Jackie ha sido admirada por sus aciertos pero también muy criticada por sus excesos.

Desde la década de 1960 hasta la fecha se siguen publicando libros acerca de Jackie pero sólo el titulado “One Special Summer” (o un Verano Especial) es autobiográfico y lo escribió Jackie conjuntamente con su hermana Lee.  La obra trata del viaje que ambas hicieron a Europa en 1951, tras graduarse Jackie de bachiller en Literatura Francesa en la Universidad de Washington y que coincidió con la graduación de secundaria de su hermana Lee. (Puedes hacer click para agrandar las fotos). Aquí sólo algunos libros acerca de esta legendaria mujer.

Jack y Jackie se casaron el 12 de septiembre de 1953 en una boda católica que fue considerada “el evento social”  de la temporada.  El vestido de novia de Jackie diseñado por Ann Lowe de Nueva York aún se conserva en la Biblioteca y Museo Presidencial de John F. Kennedy.  Por internet se pueden adquirir muñecas que llevan su famoso vestido de novia.

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Jackie fue un símbolo de estilo, elegancia y exquisito gusto tanto en el vestir como en la decoración que dejó en la Casa Blanca.  Tenía preferencia por los diseñadores franceses y por ello le llovieron críticas por parte de los diseñadores estadounidenses.  Como te imaginarás, todo lo que vestía Jackie marcaba tendencia, las mujeres en todo el mundo seguían sus preferencias en sombreros, carteras, zapatos y joyas.  Aún hoy en día se pueden adquirir réplicas de sus famosas joyas y relojes.

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Cuarto de vestir de Jackie en la Casa Blanca.

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Muneca de 21 pulgadas de alto. Lleva el clásico vestido y sombrero color rosa que identificaba a Jackie.

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Muneca de una Jackie cuando era nina.

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Réplica certificada de los broches de Jackie.

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Réplica certificada del famoso collar de perlas de tres vueltas que solía usar Jackie.

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Réplica certificada de uno de los relojes de la colección de Jackie.

 

Cuando su esposo Jack llegó a la Presidencia de los Estados Unidos, se lanzaron al mercado diversos objetos y recuerdos con la imagen de Jackie.

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También se puede adquirir por internet monedas, fotos, postales y estampillas con el famoso rostro de la más querida y admirada Primera Dama que ha tenido los Estados Unidos.

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Postal de retrato de Jackie pintado por Charles J. Mccartlhy.

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Estampilladas de Jackie en distintas épocas de su vida.

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Estampilla de Jackie cuando tenía 5 anos montando a caballlo.

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Moneda de oro con el rostro de Jackie, 2015.

 

Espero que hayas disfrutado el  Post.  No te olvides que puedes calificarlo o comentar su contenido.  Hasta el próximo Post.

 

Patricia

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Los floreros “cabeza de dama” que marcaron toda una época

Hola:

Debo disculparme por mi ausencia en WordPress en  los últimos días.  La verdad es que el calor en Lima se ha intensificado muchísimo a causa del Fenómeno del Niño, lo que me ha alejado de mi ordenador  y, en consecuencia, de mi querido Blog.

Esta vez vamos a conocer los “floreros cabeza de dama” que fueron populares en la década de los ‘40s y ‘50s, con mayor énfasis en esta última década.    Los floreros consistían en una cabeza o busto de mujer  con cavidad hueca para colocar las flores o plantas.  En un inicio, las compañías norteamericanas de flores encargaron la fabricación de estos floreros, con el fin de vender sus arreglos de flores luciéndonos en ellos.  Más adelante surgieron nuevos fabricantes de floreros cabeza de dama en Japón cuya producción se vendía en ese país y además se exportaba a otros mercados.

En este Post vamos a ver los simpáticos floreros cabeza de dama fabricados por diversas compañías japonesas como Lefton, Nepco, Rubens, Replo y otras.  Estas piezas normalmente medían entre 5 ó 7 pulgadas de alto y representaban mujeres elegantes que vestían sombreros y vestidos de moda y algunas incluso llevaban pestañas postizas y aretes.  También algunas piezas estaban decoradas con piedras falsas, plumas, flores de seda y encajes.  Todos los floreros eran pintados a mano y en ello radicaba principalmente la diferencia entre una fábrica y otra, es decir, en la habilidad de sus artistas.

Los floreros cabeza de dama son un excelente testimonio de cómo evolucionó la moda de la mujer en cuanto a peinado, maquillaje, vestido y accesorios que estuvieron de última en las décadas de 1940 y 1950.  Además se fabricaron piezas en honor a famosas estrellas de cine y TV que fueron muy populares en esas décadas.  Veamos ahora algunos ejemplos:

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Florero de cerámica japonesa pintado a mano y con decoraciones de pan de oro. ’50s.

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Florero de cerámica japonesa de los ’50s.

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Florero pintado a mano y decoraciones en pan de oro. Lleva pestanas postizas. Fabricado por Rubens, Japón ’50s.

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Florero de dama de negro con collar de perlas. Fabricado por Rubens, Japón ’50s.

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Florero decorado con plumas. La dama lleva aretes y collar de perlas. Fabricado por Napco, Japón, en los ’50s.

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Florero fabricado por Napco, Japón, en los ’50s. La dama lleva collar y aretes de piedras.

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Florero fabricado en Japón por Napco en los ’50s. La dama lleva pestanas postizas.

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Florero fabricado por Napco, Japón, en los ’50s.

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Florero japonés fabricado en los ’40s por Royal Sealy.

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Florero fabricado en Japón por Lefton en los ’50s. Esta pintado a mano y lleva pan de oro.

 

Floreros decorados con piedras falsas, plumas y flores y lazos de seda:

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Florero decorado con piedras falsas, flores de seda y plumas. El rostro lleva pestanas postizas. Pieza fabricada por Felton, Japón 1950.

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Florero fabricado en Japón por Lefton en los ’50s. Lleva decoraciones de piedras falsas, listones de seda y plumas.

 

Floreros fabricados en honor a estrellas de cine y TV famosas en las décadas de los ’40s y ’50s.

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Florero en honor a la estrella de TV norteamericana Lucille Ball, ’50s.

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Florero fabricado por Replo, Japón, en los ’50s en honor a la actriz norteamericana Rita Heyworth.

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Florero japonés fabricado en honor a la estrella de cine Scarlet O’Hara en los ’40s.

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Florero de cerámica japonesa en honor a Carmen Miranda y que se fabricó en los ’40s.

 

Espero que hayas disfrutado el  Post.  No te olvides que puedes calificarlo o comentar su contenido.  Hasta el próximo Post.

 

Patricia

 

 

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Un paseo por el Mercado Artesanal de Monsefú

Hola:

Aprovechando la temporada de verano, un grupo de amigas y yo nos animamos a viajar a la ciudad de Chiclayo, capital del departamento de Lambayeque,  ubicada al norte de Perú.  El vuelo tardó sólo una hora que parecieron cinco minutos porque no paramos de  hablar en todo el viaje, supongo que es así cuando siete mujeres se juntan.  No fue la primera vez que viajaba a Chiclayo, es más, suelo hacerlo con cierta frecuencia,  mi madre nació por esas tierras y es un lugar que le tengo un especial cariño.

Como parte de nuestro circuito, después de pasar la mañana dándonos chapuzones en el mar y tostándonos bajo el brillante y caluroso sol de Eten, decidimos visitar por la tarde Monsefú, ciudad  que se encuentra a 15 km al sur este de Chiclayo.   Ahí  llegamos atraídas por recorrer el mercado artesanal de Monsefú, lugar famoso no sólo por sus rica gastronomía,  sino también por sus artesanías, destacan los fabulosos  tejidos de paja como sombreros, cestas, carteras y alforjas,  así como prendas de algodón bordadas a mano y juguetes y otros artículos de madera, todo elaborado bajo técnicas artesanales que han pasado de generación en generación.  Disfrutamos mucho nuestro shopping y cada una no dejó de llevarse varios souvenirs a casa.

Ahora te invito a que conozcas los trabajos que puedes encontrar en el Mercado Artesanal de Monsefú.

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También pudimos comprarnos los dulces tradicionales como tejas, manjarblancos, cuñas de maní, alfajores  y mucho más.

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Ya sabes, si caes por Chiclayo, no dejes de visitar Monsefú y su Feria Artesanal…  Espero que hayas disfrutado el  Post.  No te olvides que puedes calificarlo o comentar su contenido.  Hasta el próximo Post.

 

 

Patricia

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Los artísticos botones Art Nouveau

Hola:

Ya hemos hablado del arte de esmaltar metal en el Post  https://bigbenantiguedades.wordpress.com/2016/07/12/el-antiguo-arte-de-esmaltar-metal/

que publiqué hace un tiempo en mi Blog.  Este maravilloso arte se plasmó en diversos objetos como lámparas, cofres, espejos, relojes, floreros, platos, carteles publicitarios y hasta en piezas que parecerían insignificantes, como los botones para prendas de vestir de hombres y mujeres .   Quiero mostrarte en este Post algunos de esos botones porque considero que a los artistas de seguro no les fue nada fácil volcar su talento en un espacio tan reducido.  Los botones por lo general eran de bronce y plata que se labraban y calaban manualmente.  Se hicieron botones redondos, cuadrados y ovalados  y los artistas solían esmaltarlos con bellos diseños de flores, animales, retratos y paisajes.  Los antiguos botones esmaltados que más destacan son los de estilo Art Nouveau que se crearon en Francia (capital de la moda), en Checoslovaquia y en Inglaterra durante el siglo XIX.  Veamos algunos:

Botones decorados con retratos

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Botón de bronce esmaltado Victoriano. Lleva retrato de dama. Inglaterra.

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Botón de plata esmaltada. Lleva retrato estilo Art Nouveau. Francia.

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Botón de bronce esmaltado. Lleva retrato de un joven escudero. Francia, 1860.

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Botón de bronce esmaltado. Retrato de mujer de Checoslovaquia, siglo XIX.

Botones decorados con flores y hojas

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Botón de bronce labrado y esmaltado. Victoriano. Francia.

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Botón de plata esmaltada decorada con flores y mariposa. Victoriano., Inglaterra.

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Botón de plata esmaltada y decorada con una bella flor. Victoriano.

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Botón Victoriano en plata esmaltada y decorada con flores. República Checa.

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Set de botones de bronce labrado y esmaltado con flores. Francia, 1880.

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Diversos botones de bronce y plata esmaltada , estilo Art Nouveau. Siglo XIX.

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Botón de bronce labrado y calado., esmaltado y con piedras falsas incrustadas. Estilo Art Nouveau, Francia.

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Botón de bronce esmaltado, labrado y calado. Esmaltado con flores y hojas estilo Art Nouveau.

Botón decorado con querubín

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Botón de bronce esmaltado, querubín. 1890.

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Patricia

 

 

 

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El teléfono “skeletal” Torre de Eiffel

Hola:

Espero que hayas tenido un reparador y relajante fin de semana hacienda lo que más te guste.   Para variar, aquí en el Blog vamos a hablar de antigüedades, esta vez acerca de una que la he considerado en  la categoría “antigüedades y objetos de colección poco comunes”.  Te presento este fabuloso y original teléfono esquelético modelo “torre de Eiffel” de L.M. Ericsson, quien lo introdujo  al mercado sueco en 1890.  L.M. Ericsson fue  el predecesor de la empresa Ericsson que en 1990 se convirtió en la líder en la fabricación de teléfonos celulares.  El “Skeletal” (término de colección nunca utilizado por Ericsson) se caracterizó por tener todo su mecanismo al descubierto y además por contar con manivela. Al realizar una llamada con este tipo de teléfono a manivela, primero contestaba una central y luego ésta nos comunicaba con el número requerido.   Este modelo fue el primer teléfono de escritorio que se produjo en Suecia y que luego fue adoptado por otras empresas telefónicas en todo el mundo.   Esta pieza está numerada con el No # 2111877. Vamos a ver ahora varias fotografías de este original teléfono que es muy codiciado por los coleccionistas.

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Puedes obtener más información sobre L.M. Ericsson y la historia de la compañía que lleva su apellido visitando el link:

https://es.wikipedia.org/wiki/Ericsson

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Patricia

 

Fotos:  Ebay

 

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Las tradicionales muñecas Kokeshi

Hola:

Debo pedirte disculpas porque desde que ha empezado la temporada de verano en mi ciudad (Lima – Perú) no he producido Posts con la continuidad de antes.   Además te confieso que en estos días sólo deseo estar en la playa lo más posible y disfrutar del verano que aquí dura sólo tres meses.  De todos modos, mi Blog es ya parte de mi vida y por eso no quiero hacerlo a un lado totalmente ni tampoco a tí, mi querido lector.

De seguro que debes haber escuchado o visto alguna vez unas muñequitas japonesa de madera que son conocidas con el nombre de Kokeshi (pequeño fruto de amapola en japonés).  Estas tradicionales muñecas japonesas nacieron en la región Tohuko, en Japón, a finales del período Edo (1600 a 1868). En un principio artesanos japoneses trabajaron manualmente  la madera de cerezo para crear estas muñecas, con el fin de venderlas a quienes visitaban los baños de aguas termales de Tohuko durante la primavera.  De esta manera los artesanos podían mantenerse ocupados y a la vez ganar dinero  durante los meses de crudo invierno que les impedía explotar sus campos.

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Kokeshi de 24.2cm de alto, del artista Kobayashi-Seijiro(1918-2015). Japón, 1920.

Desde un inicio las muñecas Kokeshi se crearon para ser más que un souvenir para las niñas.  Las opiniones acerca del significado espiritual de estas muñecas varía.  Muchos coinciden que las Kokeshis representan el deseo de un niño sano, otros opinan que son una forma de acercar a los niños a los espíritus de la montaña.   Hay versiones que afirman que las Kokeshis se solían intercambiar como un detalle de amistad porque llevaban  un mensajes oculto en su interior.

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Kokeshi de un nino símbolo de la juventud y la prosperidad. Japón, 1930.

 

 

Las primeras muñecas Kokeshi se caracterizaron por tener un cuerpo recto hecho con un simple pedazo de madera de cerezo  pintada a mano con trazos sencillos.  Además tenían una cabeza significativamente más grande que el cuerpo.  Desde estas primeras muñecas, las Kokeshis han pasado por una gran transformación en cuanto al diseño que fue tornándose cada vez más detallista, diverso y más fiel a la figura humana hasta llegar a lo que son las nuevas Kokeshis que puedes encontrar en tiendas de Japón y de diversos países del mundo.  Sin embargo, no han perdido su esencia, es decir, siguen siendo hechas a mano usando métodos y materiales tradicionales y no tienen brazos ni piernas, como las pioneras.  Puedes encontrar incluso Kokeshis temáticas para celebrar diversas ocasiones , Kokeshis que representan diversas actividades y profesiones y Kokeshis convertidas en algún personaje de ficción.  En definitiva, las Kokeshis actuales son el regalo perfecto para toda ocasión,

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Kokeshi del artista japonés Ogura Shogo (1934-1992). Japón 1930.

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Kokeshi que representa a un nino. Japón, 1930.

Selección de Kokeshis fabricadas entre 1960 a 1990:

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Kokeshi ballerina y caballero.

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Grupo de Kokeshis de variados modelos.

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Miniaturas Kokeshi de 4 cm. de alto.

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Miniaturas Kokeshi de sólo 2 cm. de alto.

Aunque desde un inicio la Kokeshi fue creada para las niñas, es reconocida hoy en dia en la pieza de arte folclórico más popular de Japón y es sumamente apreciada por los coleccionistas.  Cada septiembre, se lleva a cabo en Naruko, Japón, un festival de la muñeca Kokeshi.  Como parte de esta festividad se quema la  Kokeshi no deseada  en una pira.

Te invito a ver este interesante video:

Espero que hayas disfrutado el  Post.  No te olvides que puedes calificarlo o comentar su contenido.  Aprovecho para desearte un año 2017 positivo en todo sentido y en el que veas cristalizados todos tus proyectos.

Patricia

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Te puede interesar esta feria de anticuarios

Si lo tuyo son los objetos con historia, libros usados y todo tipo de antigüedades, no te puedes perder la Feria de Antucuarios de Providencia. En esta ocasión se instalarán 33 locatarios provenientes de la calle Caupolicán (Barrio Italia), cuatro libreros de la Av. Providencia, un distribuidor de vinilos, y por primera vez estarán […]

a través de En enero los anticuarios se toman Providencia —

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Porcelanas que nos muestran el folclore de los pueblos

Hola:

Después de haber abandonado una semana mi Blog por la playa y las fiestas de fin de año, regreso a él para mostrarte una de las facetas de las porcelanas antiguas.  En este Blog ya hemos visto algunas de ellas, como la sensualidad de las porcelanas Art Decó, o las que nos enseñan la historia del vestido o aquellas que nos muestran el estilo de vida de otras épocas.  Esta vez veremos piezas  que fueron hábilmente creadas en distintas décadas y que representan bailes y danzas folclóricas de diversos pueblos.  Estas interesantes piezas se distinguen por su gran movimiento, gracia y colorido.  Vamos a conocerlas.

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Porcelana iridiscente que representa la danza húngara Csardas. Fábrica de porcelana húngara Zsolnay, 1930.

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Porcelana que representa una danza búlgara fabricada en Bulgaria en 1940.

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Danza húngara. Pieza creada por el artista Lux Elek para la fábrica húngara Herend  en 1940.

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Bailarina de danza clásica. Nota el encaje de porcelana del vestido. Fabricada por la Cía. alemana Dresden Volckstedt y creada por el artista Ackermann Fritze entre 1900 y 1940.

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Danza victoriana. Pieza de porcelana alemana Dresden Volkstedt de 1940.

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Danza china Uigur. Pieza de porcelana china de 1950.

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Danza de Indonesia. Pieza de porcelana soviética creada por el artista Kiselev en 1950.

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Danza mejicana creada por la escultora rusa Bogdanova O.M. para la fábrica soviética Dulevo en 1950.

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Danza ucraniana fabricada por la Cía. soviética Kiev en 1950.

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Danza húngara. Pieza de la fábrica húngara Hollohaza en 1960.

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Danza rusa. Pieza de la fábrica soviética Pzhk en 1970.

 

Espero que hayas disfrutado el  Post.  No te olvides que puedes calificarlo o comentar su contenido.  Aprovecho para desearte un año 2017 positivo en todo sentido y en el que veas cristalizados todos tus proyectos.

Patricia

 

 

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Cascanueces: de herramienta utilitaria a personaje navideño

Hola:

Los cascanueces se crearon, como muchos otros inventos, para satisfacer una necesidad del hombre.  En este caso, contar con una herramienta que le facilite abrir las duras cáscaras de las nueces y avellanas y así alimentarse de su contenido.  Esta búsqueda del instrumento adecuado para este fín, hizo que el hombre desde tiempos muy remotos utilizara piedras con formas que le permitan abrir los frutos secos.  Los antropólogos han encontrado en Estados Unidos y Europa piezas de piedra de 8,000 años de antigüedad que, según parece, se usaron para abrir nueces.

Poco a poco se perfeccionaron los cascanueces y se fueron creando piezas con distintas formas y materiales como madera, bronce y otros metales, y se les dió forma de pinzas y tenazas.  El cascanueces de metal más antiguo lo encuentras en  el Museo de Cascanueces de Taranto, Italia, que data del 200 aC y que fue encontrado en Roma.

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Cascanueces de bronce en forma de lagarto. USA, 1800.

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Cascanueces de bronce en forma de dragón Naga, China 1850.

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Cascanueces de bronce en forma de dragón Naga, China 1850.

 

Durante el periodo 1700 y 1800, artesanos austriacos, suizos y del norte de Italia empezaron a tallar la madera para crear cascanueces en forma de personajes y animales.

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Cascanueces de madera y hierro. Francia, 1850.

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Cascanueces de madera tallada . Austria, 1930.

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Cascanueces de madera tallada. Suiza, 1930.

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Cascanueces de madera tallada. Suiza, 19330.

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Cascanueces Art Decó en forma de elefante, material ,madera tallada. USA, 1930.

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Cascanueces Art Decó en forma de elefante, material ,madera tallada. USA, 1930.

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Cascanueces de madera en forma de mujer. Polinesia, 1950.

Alrededor de 1800 se lanzaron al mercado en Alemania los cascanueces en forma de soldados y reyes como los conocemos hoy en día y que tienen una función más que nada decorativa para tiempo de Navidad.  No se sabe a ciencia cierta cuál es la relación que vincula a los cascanueces con esta importante fiesta de la cristiandad.

Para ponernos a tono con la Navidad, te dejo con este video que muestra una fabulosa colección privada de 500 cascanueces.

 

Espero que te haya gustado el Post.  Puedes calificarlo, compartirlo con tus amigos y hacer comentarios. Que tengas una Noche Buena con mucha salud, en paz y en armonía y unidad familiar.

 

Patricia

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Los Floreros Abanico

Hola:

A mediados del siglo XIX surge un nuevo estilo de floreros de porcelana inspirados en los abanicos y que se fabricaron en Europa , principalmente en Francia, Alemania, Inglaterra y Austria.  Algunos llevaban flores y hojas en alto relieve, otros estaban decorados a mano con diversos diseños y llevaban además adornos de pan de oro, como estos floreros:

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Floreros abanico de porcelana con flores y hojas en alto relieve. Francia, 1850.

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Duo de floreros abanico en porcelana Vieux Paris con decoraciones en pan de oro. Francia, 1850.

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Florero abanico Victoriano de porcelana pintada a mano y bordes en pan de oro.

Durante el movimiento Art Nouveau (1890-1910) se lanzaron al mercado floreros abanico fabricados en plata 925 finamente labrada y calada.

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Florero abanico estilo Art Nouveau en plata labrada y calada..

Más adelante los artistas del  movimiento Art Decó (’20-’30) empezaron a crear floreros abanico de vidrio transparente, lechoso e iridiscente.  En los ’50s estos floreros de vidrio alcanzaron gran popularidad en Estados Unidos, gracias a las piezas fabricadas por la compañía Fenton Glass Co.

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Florero abanico de vidrio vaselina soplado. Estados Unidos, 1850.

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Florero abanico estilo Art Decó en vidrio celeste. Francia, 1920.

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Florero abanico estilo Art Decó en vidrio lechoso decorado con bailarina de ballet.

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Florero abanico en vidrio rosado iridiscente fabricado por Fenton Glass Co. Estados Unidos, 1928.

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Florero abanico estilo Victoriano en vidrio color ámbar. Estados Unidos, 1930.

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Lote de floreros abanico en vidrio Fenton Glass Co. Estados Unidos, 1950.

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Floreros abanico en vidrio lechoso de Fenton Glass Co. Estados Unidos, 1950.

 

Hasta hoy se siguen fabricando floreros abanico principalmente de vidrio y no es difícil encontrarlos en las tiendas de decoración.  Mientras que podrías toparte con algún florero abanico antiguo en los  mercados de pulgas y casas de antiguedades.

Espero que hayas disfrutado el  Post.  No te olvides que puedes calificarlo o comentar su contenido.  Hasta el próximo Post.

 

Patricia

 

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Bazarte – Lima Contemporánea

Hola:

Estos son días muy agitados atendiendo reuniones por doquier, comprando regalos y hacienda los últimos arreglos para nuestra reunión y cena navideña.  Sin embargo, para los que nos gusta el arte, siempre encontraremos un huequito en medio de tanto ajetreo para asistir a alguna exposición interesante, como es el caso de “Bazarte Lima Contemporánea – XII edición”, que me sirvió de terapia para relajarme un poco contemplando las piezas en exhibición.  Debo decir que valió la pena atravesar la ciudad para llegar al distrito de Miraflores, donde se lleva a cabo Bazarte, aunque tuve que lidiar contra el caos vehicular del mes de diciembre.

Esta muestra colectiva reúne a más de 60 artistas peruanos, algunos de larga y reconocida trayectoria y otros, jóvenes talentos que se están dando a conocer.  Todos ellos vuelcan su creatividad e inspiración para regalarnos diversas propuestas visuales en pintura, fotografía, grabado, escultura o cerámica.  Además de que los precios son accesibles, el artista y el comprador donan un porcentaje sobre la pieza vendida que será destinado a los proyectos de responsabilidad social emprendidos por la Fundación Euroidiomas.

Como en algunas otras ocasiones, acudí a esta muestra colectiva por invitación de mi amiga Cecile Grecca, artista plástica, que está participando con cinco cuadros de su autoría, aquí algunos de ellos:

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Ahora te invito a acompáñame y repasar el resto de Bazarte:

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Tienes oportunidad de visitar la muestra hasta el 17 de diciembre de 2016 en la Calle Libertad 130, Miraflores.  El ingreso es libre.

Espero que hayas disfrutado el Post. Nos vemos en el próximo!!

Patricia

 

 

 

 

 

 

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Antigua y sensual lámpara francesa

Hola:

Como parte de la sección de este Blog “antigüedades y objetos de colección poco comunes”, te presento esta hermosa lámpara de mesa creada en 1866 por el reconocido artista francés Aimé Jules Dalou (1838-1902).  Como puedes observar en las siguientes fotografías, la lámpara consiste en una concha que lleva en su interior una mujer desnuda en pose sensual, bellamente esculpida en mármol.  La concha se abre y se cierra, lo que le impregna una gran originalidad a la pieza. Las dimensiones de la lámpara son  53 cm de alto por 48 cm de ancho y 33 cm de fondo. Ahora démosle una mirada:

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Espero que hayas disfrutado el Post. Nos vemos en el próximo!!

Patricia

Más información sobre Aimé Jules Dalou en:

http://trianarts.com/grandes-escultores-jules-dalou/#sthash.lRw48kDN.dpbs

 

 

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“Promesa” – Microcuento

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Fotograbado de H. Richardson Cremer. Estados Unidos, 1928. Dimensiones, 18 cm. x  21 cm.

PROMESA

A los dos les gustaba visitar las capillas, iglesias y catedrales.

En varias oportunidades se encontraron con misas, bautizos, casamientos y funerales.  Él siempre le decía:  “si yo muero antes, no quiero que uses luto el día de mi funeral, quiero que te vean realmente como eres”.

Pasaron los años.  Él contrajo una enfermedad que terminó rápidamente con su vida.  El día había llegado, era el momento para cumplir lo que tantas veces prometió.  Detrás del ataúd ella avanza, lentamente por el campo santo completamente desnuda.
Autora:  Ximena Cancino Cifuentes (Chile)

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El guante: accesorio de toda mujer elegante

Hola:

¿Sabías que en 1922 los arqueólogos descubrieron en la tumba de Tutankamón restos de guantes que estaban decorados con un diseño trenzado?  Este hallazgo nos muestra que  la historia de los guantes se inició hace muchísimos años.  Desde ese entonces y a través de los siglos, los guantes de moda habían formado parte del traje usado por los reyes, los obispos y los hombres y mujeres de rango superior.  Sin embargo,  desde el siglo XIV los guantes pasaron a ser usados por personas de todas las clases sociales.

En este Post te mostraré guantes del siglo XIX y de inicios del siglo XX que fueron creados para proteger las manos de las mujeres y como accesorio imprescindible de toda mujer elegante.  Además repasaremos una serie de artículos que en su momento estuvieron relacionados con este accesorio tan usado por generaciones.

Ahora mira un ejemplo de guantes usados por mujeres del siglo XIX y de principios del XX.

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Guantes de novia tejidos a crochet. Inglaterra, 1800.

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Guantes de cuero estilo ópera. Inglaterra, 1890.

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Guantes de piel de cordero y bordados con seda. Francia, 1890.

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Guantes tejidos a crochet con hilo de algodón azul.Francia, 1890.

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Guantes de gamuza color blanca. Bulgaria, 1920.

Para hacer los guantes se utilizaron moldes como éstos de porcelana inglesa de 1920.

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Las mujeres solían guardar sus guantes, cuando no los estaban usando, en estas cajas fabricadas en diferentes materiales como madera, celuloide, papel marché y plata.

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Caja de madera para guantes, enchapada y marqueteada. Interior con capitoné acolchado. Francia, periodo Napoleón III (1850)

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Caja de guantes en celuloide. Inglaterra, 1920.

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Interior de seda.

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Caja de guantes en papel maché y pintada a mano con flores y mariposas, interior de terciopelo. Inglaterra, 1900.

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Caja de guantes en plata repujada. Inglaterra, 1850.

Antes de colocarse los guantes las mujeres solían valerse de un instrumento especial con el cual estiraban los dedos de los guantes para ponérselos con más facilidad.  Este estirador de guantes se fabricó mayormente en madera, plata y marfil.  Aquí algunos ejemplos.

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Estirador de guantes en madera. Inglaterra, 1850.

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Estirador de guantes en plata labrada. Estados Unidos, 1909.

Este soporte para lucir guantes se utilizaba en las vitrinas de las tiendas en 1920.

 

Te dejo con esta fotografía que tomé a la escultura de cera de la inolvidable Audrey Hepburn en el Museo de Cera de Londres.  Puedes verla en una clásica escena del famoso film “Desayuno en Tiffany” (1961), donde Audrey hace un despliegue de su encanto y elegancia, luciendo unos largos guantes de seda negros.

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Espero que hayas disfrutado el Post.  Nos vemos en el próximo !!!

Patricia

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Feria de Antigüedades San Miguel Arcángel

Hola:

Feliz, feliz, feliz !!!  porque hoy es el cumpleaños de mi querido Blog.  Éste, que nació con mucho entusiasmo de mi parte pero también rodeado de varias dudas, hoy cumple su segundo año en el ciberespacio.  En un principio me asaltó la duda de si un Blog sobre antigüedades y  coleccionismo podría ser capaz de capturar el interés de los cibernautas y mantenerse a lo largo del tiempo.  Esto constituyó un gran reto para mí pero el esfuerzo creo que valió la pena, ya que hasta el momento este Blog tiene 1119 seguidores.  Me queda decir gracias a tí, mi devoto lector(a) que ha hecho todo esto posible.

Cambiando de tema, el domingo pasado me dí una vuelta por la feria de antigüedades de Miraflores, distrito turístico de Lima.  Me dirigí a la calle Alfonso Ugarte que cada domingo se convierte en una via peatonal  para albergar la Feria San Miguel Arcángel , que reúne vendedores de muebles, porcelanas, cristales, lámparas, candelabros, objetos coloniales y demás piezas antiguas y de coleccionismo que ponen a disposición de los visitantes locales y de los turistas extranjeros .  Negociar el precio con los vendedores es un paso común antes de llevarse el objeto deseado a casa.

Si te gustan los objetos del pasado, puede que en tu visita a la Feria San Miguel Arcángel encuentres ese objeto especial que estuviste buscando hace tiempo y que deseas añadirlo a tu colección.

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Como esta Feria se ha iniciado recientemente (el 2 de octubre de este año), aún no cuenta con muchos participantes pero de seguro los vendedores se irán incrementando poco a poco en los próximos meses.  Además se suman a la Feria San Miguel Arcángel  las tiendas de antigüedades que funcionan permanentemente en la misma calle.  En mi recorrido pude encontrar varias piezas interesantes que llamaron mi atención y cuyas fotografías incluyo en este Blog.  Las siguientes imágenes te darán una idea de lo que podrías encontrar en esta Feria Miraflorina.

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La Feria San Miguel Arcángel se suspendió hace 10 años y,  gracias a la decidida iniciativa de la Municipalidad de Miraflores, ahora está nuevamente a disposición del  público en general  todos los domingos, de 10.30 am a 6.00 pm.

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Patricia

 

 

 

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Frase del gran Woody Allen

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Postal “A Word of Consolation”.  Estados Unidos, 1909.

 

“¿Sabes cuál es mi filosofía? Que es importante pasarlo bien, pero también hay que sufrir un poco, porque, de lo contrario, no captas el sentido de la vida.”

 

De la comedia “Broadway Danny Rose”  (1984), película protagonizada y dirigida por Woody Allen.

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Antiguas casas de muñecas: un mundo de fantasía

Hola:

De todos los juguetes que formaron parte de mi mundo infantil, el que más recuerdo con cariño y nostalgia es mi Casa de Muñecas.  Este juguete llegó a ser mi gran tesoro y podía pasar interminables horas imaginando situaciones e historias de sus ocupantes.  También disfrutaba muchísimo cada vez que añadía nuevos objetos en su interior. Hasta ahora me pregunto, ¿qué fue de ella y en qué momento desapareció de mi vida?

Las Casas de Muñecas, como casi todo en la vida, tuvieron también su historia.  Nacieron en Europa en el siglo XVII e inicialmente se fabricaron en Alemania, Holanda e Inglaterra. Estas casas pioneras fueron creadas con gran perfeccionismo, en cuanto a sus muebles, utensilios domésticos y demás elementos de decoración que guardaban una gran similitud con los muebles y demás objetos que se encontraban en las casas y palacios de la época.  Las Casas de Muñecas encargadas por nobles y burgueses se caracterizaron por tener la misma opulencia con que vivían sus dueños, es decir, se decoraron con objetos de oro, plata, porcelana, marmol, marfil, cristal y pinturas al óleo.  Para muestra un botón, mira estas fotografías:

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Comedor de la Casa de Munecas de la Reina Mary y la Reina Elizabeth de Inglaterra.

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Biblioteca de la Casa de Munecas de la Reina Mary y la Reina Elizabeth de Inglaterra.

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Bano de Casa de Munecas, Inglaterra

En un principio estas casas se fabricaron para los adultos, los alemanes las denominaban “casas en miniatura” y los holandeses las fabricaron como vitrinas similares a las utilizadas para lucir la porcelana, es decir, llevaban puertas con vidrio para mostrar el interior y se cerraban con llave.  El dueño de este mueble solía exhibir en él su costosa colección de objetos en miniatura.

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Casa de Petronila Oortman, 1686 – 1710, Holanda.

Los alemanes le daban una utilidad didáctica a las Casas en Miniatura porque  las utilizaban como modelo para entrenar a sus hijas con todo lo que necesitaban saber para llevar una casa.

El Castillo de las Hadas fue la Casa de Muñecas más famosa en los Estados Unidos ideada por Colleen Moore, estrella de cine mudo de los años veinte.  Las paredes de sus 2.75 mt2 las decoró Walt Disney .  Su costo de fabricación fue de $500,000, pues en su interior llevaba objetos de plata, diamantes, tapices y otros elementos suntuosos .  Actualmente se exhibe en el Museo de la Ciencia y la Industria de Chicago, Estados Unidos.

Las Casas de Muñecas antiguas se fabricaron en madera  y latón para luego pasar a materiales como el celuloide, la baquelita y el plástico.  Éste último hizo que se abaraten sus precios, haciéndolas más accesibles.

Si visitas el Museo del Juguete ubicado en la ciudad de Trujillo, Perú, podrás ver estas Casas de Muñecas.

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Mira esta exhibición de la Casa de Muñecas más cara del mundo.

En este interesante enlace puedes conocer los  famosos fabricantes de Casas de Muñecas de distintas épocas  http://www.mckendry.net/DOLLHOUSES/1890s.htm#1890s

Los esposos Kevin Mulvany y Susie Rogers entienden que sigue habiendo un exigente mercado de Casas de Muñecas para coleccionistas.  Para atender dicho mercado, ellos reproducen a pequeña escala los lujosos ambientes en los que vivió María Antonieta.  En este enlace puedes ver su excelente trabajo.

http://www.dailymail.co.uk/news/article-1238590/A-miniature-homage-palace-Versailles-make-Marie-Antoinette-proud.html

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Patricia

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El restaurante temático “Estadio Fútbol Club”

Hola:

Hace poco les hablé de mi visita a la exhibición de decoración CasaCor 2016.  Bueno, antes de iniciar mi periplo por las dos casas de CasaCor, decidí hacer una parada para almorzar en el restaurante “Estadio Fútbol Club” que se ubica en la cuadra 10 del Jr. de La Unión (principal arteria del centro de Lima), justo frente a una de las casas donde se realizó CasaCor.

Si te gusta el fútbol, la buena comida y buscas un lugar diferente donde almorzar, cenar o quizás tomarte unos tragos con piqueos, “Estadio Fútbol Club” es el restaurante que estás buscando.  Este lugar, que conjuga la buena comida con un ambiente netamente futbolístico, abrió sus puertas hace 16 años para quedarse, gracias a la calidad en la preparación de sus platos criollos (comida peruana) que lo ha llevado a ganar tres veces el “Tenedor de Oro”.

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El restaurante funciona en una amplia casona de la Lima antigua y sus dos pisos ofrecen grandes ambientes decorados con mucha madera donde abundan los souvenirs que evocan a los grandes equipos y selecciones de diferentes países.  Se dice que varios de ellos han sido donados por simpatizantes de este restaurante y por visitantes peruanos y extranjeros aficionados al fútbol que se dieron un tiempo en sus tours para degustar su riquísima comida criolla.

Ordené para almorzar un tiradito que consiste en pescado cortado en láminas y cocido en limón con salsa de ají rocoto….delicioso!!!. Pedí además una cerveza Cuzqueña, la cerveza peruana más famoso en todo el mundo.  Todo estuvo a la altura de lo esperado.

“Estadio Fútbol Club” cuenta con un nutrido bar donde encontrarás los tragos y cocteles más variados.  La especialidad de la casa son los Pisco Sours y los Chilcanos macerados, presentados en envases exclusivos de la marca.

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Ya sabes, si vives en Lima o recalas por esta capital no dejes de visitar el “Estadio Fútbol Club”, si lo tuyo es la buena comida y te gusta vibrar viendo algún partido de fútbol en pantalla de alta definición y con sonido envolvente.

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Patricia

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Mini vitrina para reloj de bolsillo

Hola:

Inaugurando una nueva sección en este Blog llamada “antiguedades y objetos de colección poco comunes”, quiero presentarte esta antigua vitrina en miniatura para guardar relojes de bolsillo.

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Esta curiosa pieza se fabricó en Francia entre 1850 y 1899. Es una caja de madera cubierta con una capa de metal finamente laqueada y pintada con escenas pastorales (en este caso querubines)  características del estilo Vernis Martin.

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La pieza mide sólo 15 cm. de alto y fue concebida para guardar en ella un reloj de oro de bolsillo.  Tiene ventanitas de vidrio biselado, el interior está forrado de terciopelo y la puerta lleva un pequeño tirador de metal esmaltado.

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Además se servir para guardar un reloj de bolsillo, esta pieza también cumple la función de cajita de música y tiene una cuerda para tal fin.

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Patricia

 

Más sobre los muebles lacados en este link

http://ge-iic.com/files/Publicaciones/El_mueble_lacado.pdf

 

 

 

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Los hermosos vanités vintage de celuloide y baquelita

Hola:

En anteriores Posts hemos hablado del origen y usos de dos materiales precursores del plástico, me refiero al celuloide (creado en 1856) y la baquelita (creada en 1907).  Ambos materiales se utilizaron en la fabricación de una diversidad de objetos como juguetes, artículos de tocador,  teléfonos, radios, autopartes y  artículos para la casa. En el caso del celuloide, también se usó  en la industria del cine y la fotografía.

El celuloide y la baquelita fueron materiales que incursionaron además en la moda, principalmente en la fabricación de los accesorios que acompañaban las prendas de vestir,  como por ejemplo aretes, collares, anillos, anteojos de sol, hebillas, botones y otros.  Los modistos de Europa y Estados Unidos de fines del siglo XIX y hasta la primera mitad del siglo XX, nos regalaron a las mujeres lindas creaciones fabricadas con estos materiales.  Entre ellas destacaron  las  “clutch purses” o más conocidas en latinoamérica como vanités o carteras de mano que se fabricaron en celuloide y baquelita.  También hubo versiones de “clutch purses”  que combinaban el celuloide y la baquelita con tela, mimbre, bronce, plata, madera y otros materiales .

Los modistos hoy en día siguen lanzando al mercado sus “clutch purses”muchas veces inspiradas en los vanités vintage pero experimentando con nuevos materiales.  Por lo que las “clutch purses” se resisten a morir y aún son accesorios imprescindibles cuando queremos complementar un vestido de noche o de cóctel.

Hay quienes prefieren adquirir una “clutch purse” originalmente vintage en tiendas de artículos retro para complementar un look o simplemente por el placer de coleccionarlas.  En este Post  veremos varios diseños que se lanzaron al mercado durante la Belle Epoque (periodo que duró desde fines del siglo XIX hasta 1914, en que se inició la Primera Guerra Mundial)  y que fue la época de esplandor del uso de las “clutch purses”.  También veremos modelos de décadas posteriores hasta los ’50.

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Clutch con cierre de celuloide marmoleado y cuerpo de cuentas multicolores que forman flores. Francia, 1920.

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Clutch estilo Art Decó de celuloide con decorado de brillantes falsos a los lados..USA, 1920.

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Clutch estilo Art Decó de celuloide color negro. Lleva espejo en su interior. Francia, 1920.

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Clutch de baquelita que imita madre perla. Estados Unidos, 1930.

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Clutch con cierre de baquelita y cuerpo de tela. Estados Unidos, 1940.

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Clutch con cadena y cierre de baquelita calada y cuerpo tejido a crochet. USA 1940.

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Clutch con cierre de baquelita tallada y cuerpo tejido a crochet. Estados Unidos, 1940.

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Clutch con cierre de bronce y baquelita verde, el cuerpo es de bouclé. Estados Unidos, 1940.

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Clutch con cadena y cierre de baquelita y cuerpo de pequenas cuentas. Estados Unidos, 1940.

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Clutch con asa y cuerpo de baquelita, el seguro es de bronce. Estados Unidos, 1940.

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Clutch totalmente de baquelita. La tapa es labrada. Estados Unidos, 1950.

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Clutch de baquelita marmoleada con cierre de metal. Estados Unidos ’40 ’50.

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Clutch con asa y cuerpo de baquelita y cierre metalico. Estados Unidos ’40 ’50.

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Clutch con asa de baquelita transparente y cuerpo de baquelita que simula caramelo. Estados Unidos, 1950.

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Clutch de cuerpo de baquelita y cuero. El asa también es de cuero. Estados Unidos, 1950.

Luego de ver estos ejemplos de “clutch purses” , ¿tienes alguna preferida?

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Patricia

 

 

 

 

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Recorre la exhibición de decoración Casa Cor Perú 2016

Hola:

Mi gusto por la estética, el diseño y la decoración me llevó, como todos los años,  a visitar nuevamente la exhibición Casa Cor Perú 2016.  Después de cuatro años la exhibición regresó al Centro de Lima y ni siquiera la distancia y el intenso tráfico me impidieron desplazarme desde el distrito de La Molina, donde vivo, hasta el centro de la capital.  Todo esfuerzo valió la pena porque disfruté muchísimo recorriendo la Casa Mujica y la Casa Paz Soldán, bellas casonas del siglo XVII que Casa Cor se encargó de rescatar y remodelar para la versión de este año.

Luego de un trabajo arduo y minucioso la Casa Mujica y la Casa Paz Soldán, ambas ubicadas en la cuadra 10 del Jirón dela Unión, han recuperado su antiguo esplendor.  La versión 2016 de Casa Cor ha acogido a los mejores profesionales peruanos del Diseño, Arquitectura, Interiorismo y Paisajismo quienes vuelcan toda su creatividad en los 32 ambientes que reunen ambos inmuebles.

Como Casa Cor es una “fiesta del diseño”, estarás deacuerdo de que las imágenes explican mejor que las palabras.  Por ello, quiero compartir contigo algunas de las fotografías que pude tomar durante mi recorrido por la Casa Mujica y la Casa Paz Soldan porque me gustaría que las disfrutes tanto como yo, te inspires y te dejes sorprender.

Algunos ambientes de la Casa Mujica:

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Iniciando mi recorrido en la Casa Mujica

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El elemento de la pared está inspirado en los tradicionales milagros de plata que los fieles dejan a los Santos de su devoción tras haber conseguido un milagro.  Destaca también la original escultura de madera de la izquierda.

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Esta decoración forma parte de la misma habitación de la foto anterior.  Sobre la pared varios cuadros de artistas peruanos y sobre la cómoda antigua enchapada una vasija estilo incaico. Los muebles y demás elementos forman un ambiente ecléctico.

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Sillón antiguo que está flanqueado por dos leones hermosamente tallados.

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Destaca el elemento modernista de la pared hecho con fierro pintado de color plateado que sostiene espejos y vidrios de distintos colores.  Es importante el contraste con la fotografía del David, la famosa escultura renacentista de Miguel Ángel.

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Cuarto de tocador estilo Art Decó. Se ha optado por el color negro en la pared para que destaquen los demás elementos de la decoración.

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Se ha conservado la ventana original pero dándole un acabado wash a la madera y conservando el lindo decorado en fierro.  Observa los mates burilados que sostienen plantas en su interior.

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Pared decorada con escaleras de madera comunes y sobre ellas cojines y otros alementos que evocan nuestra cultura incaica.

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Cuarto de bano que tiene una pintura mural en una paredde la habitacion y la otra pared esta revestida de vidrio espejo gris donde se reflejan otros elementos de la decoración.

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Al fondo puedes ver una fotografía mural con marcos que semejan una ventana y debajo la chimenea.

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Mueble con dos camas para ninos. Se le ha dado altura para aprovechar el espacio con muebles debajo de las camas.

Y ahora veamos algunos ambientes de la Casa Paz Soldán:

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Mesa rústica que armoniza perfectamente con las sillas, las lámparas de mimbre, las plantas y los cuadros que sugieren naturaleza.

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Un rinconcito del ambiente anterior. Puedes ver una mesa cuzquena con acabado natural, un telar incaico encima, espejos circulares y más naturaleza.

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Oratorio de la Casa Paz Soldán.

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Sala de colores terrestres.

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Sala íntima que enfatiza elementos de la naturaleza.

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Otro lado del ambiente anterior. Se observa un escritorio que además sirve de mesa para un pequeno bar.

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Pasadizo ecológico

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Café restaurant de la Casa Paz Soldán.

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Algunos productos que puedes encontrar en la tienda de Ann Sullivan.

Todavía estás a tiempo de visitar la exhibición Casa Cor hasta el 1 de noviembre de 2016.  El horario de atención es 11 am a 7 pm, de martes a domingos y feriados.  El costo de la entrada es S/.30 y los niños menores de 12 años no pagan.  Los estudiantes pagan S/.15 de martes a jueves.

Puedes compartir este Post con tus amigos y/o dejar tu comentario. Hasta el próximo Post.

 

Patricia

 

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