Conoce el arte de Guido Cacciapuoti

Hola:

En este Post conoceremos a Guido Cacciapuoti, un talentoso ceramista italiano, cuyo estilo muy propio, me encanta.  Guido nació en Nápoles en el siglo XIX (el 11 de agosto de 1892) y llegó a la cúspide de su carrera durante las décadas de 1920 y 1930.  Este artista desciende de una antigua familia italiana de excelentes ceramistas, de quienes Guido aprendió todos los secretos del arte de esculpir, pintar a mano y trabajar la cerámica.

En 1915 Cacciapuoti participó con éxito en la Exposición de Arte de Treviso y más adelante en 1920 presentó  algunas obras en la XII Bienal de Venecia.  Al año siguiente participó en la Exposición Regional de Arte de Treviso.  Entre las fábricas de cerámica donde desplegó su arte se encuentran G.J. Elcod, Lazzar y Marcon en Treviso.  Tras la nueva popularidad que estaba gozando, famosos de la época empezaron a comprar sus obras como el príncipe  Jorge de Inglaterra, Benito Mussolini, Achille Starace y el mismísimo rey de Italia.

En 1927, Guido junto con su hermano Mario y con Angelo Bignami, que se desempeñó como  director administrativo y comercial de la empresa, fundó la fábrica “Porcelana Arte Cacciapuoti Bignami & C.” en Milán, Italia, que alcanzó un éxito inmediato,  gracias a sus esculturas de animales y sus bustos de estilo Art Déco.  Luego de la muerte de su hermano Mario en 1930, se convirtió en el único propietario de la empresa.  Guido Cacciapuoti murió en 1953.

Te dejo con algunas obras de Guido Cacciapuoti que te mostrarán todo el talento, estilo y habilidad de este artista italiano.

Fabulosos bustos de estilo Art Déco

Guido Cacciapuoti gran busto Art Déco fabricado por la Cía. G J Elcod y disenado por Cacciapuoti, 1920

Escultura estilo Art Déco en porcelana pintada a mano, de 30 cm. de alto, creada por Guido Cacciapuoti para la fábrica Cía. G J Elcod, 1920s.  Observa el gran detalle del estampado de flores.

Guido Cacciapuoti gran busto de geisha de 30 cm de alto, fabricado por la Cía. G J Elcod y disenado por Cacciapuoti, 1930s

Gran busto de geisha de 30 cm de alto,en porcelana pintada a mano, escultura de Guido Cacciapuoti para la fábrica Cía. G J Elcod, 1930s.

Guido Cacciapuoti busto en terracota de 19 cm. de alto, 1930s

Escultura de busto femenino en terracota de 19 cm. de alto, creado por Guido Cacciapuoti, 1930s.

 

Esculturas de animales

Guido Cacciapuoti gato de porcelana de 26 cm. de largo, 1930s

Gato de porcelana de 26 cm. de largo, escultura de Guido Cacciapuoti, 1930s.

Guido Cacciapuoti caballos en terracota de 26 cm. de largo, 1930s

Caballos en terracota de 26 cm. de largo, escultura de Guido Cacciapuoti, 1930s.

 

Esculturas de porcelana biscuit pintadas a mano de mujeres utilizando las faldas Victorianas llamadas “crinolinas”.  Estas figuras muestran el particular estilo de Cacciapuoti que difiere de las clásicas figuras de porcelana francesa, alemana, inglesa y de otros países europeos.

Guido Cacciapuoti crinolina de 25 cm. de alto en porcelana biscuit, 1930s

Dama usando crinolina y mirándose al espejo, mide 25 cm. de alto, esculpida y pintada a mano por Guido Cacciapuoti en porcelana biscuit, 1930s.

Guido Cacciapuoti crinolina de 20 cm. de alto en porcelana biscuit, 1930s

Dama usando crinolina y mirándose al espejo, mide 20 cm. de alto, esculpida y pintada a mano por Guido Cacciapuoti en porcelana biscuit, 1930s.

Guido Cacciapuoti crinolina con flores de 20 cm. de alto en porcelana biscuit, 1930s

Dama con crinolina y canastas de flores, de 20 cm. de alto, en porcelana biscuit, esculpida y pintada a mano por Guido Cacciapuoti, 1930s.

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Patricia

 

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Los Medallones Art Nouveau

Hola:

Los medallones que crearon los joyeros para las mujeres más elegantes de fines del siglo XIX y de inicios del siglo XX, fueron fieles exponentes del estilo que caracterizó el movimiento Art Nouveau que imperó durante la llamada Bélle Epoque.  Los diseñadores crearon estas joyas utilizando diferentes metales como oro (de 10, 12, 14, 18 y 24 kilates), plata y bronce bañado en oro o plata.  Algunos se decoraron con porcelana, con camafeos de coral, marfil y otros materiales y con piedras preciosas como diamantes, rubíes y esmeraldas.

Abundaron los medallones de rostros y bustos femeninos y de diosas mitológicas con cabellera ondulante,  así como de motivos relacionados con la naturaleza como flores, hojas y pájaros característicos del Art Nouveau.   Estuvieron de moda durante la Bélle Epoque los medallones para llevar dentro una o varias fotografías, así como un mechón o rizo de cabello de la pareja o de un ser querido.  Se crearon también medallones calados, en ellos se colocaba una fotografía o una pequeñísima almohadilla para empaparla de perfume, el cual podía expandir su aroma a través del calado.  Esto debido a la escasez de agua en Europa durante la Bélle Epoque y de esa manera compensar la falta de higiene.  Te invito a ver algunas piezas que he seleccionado para tí.

Medallones con rostros y bustos femeninos

Medallón Art Nouveau de oro de 18 k. y 70 diamantes. Francia principios de 1900

Medallón Art Nouveau de oro de 18 k. y 70 diamantes. Francia, principios de 1900.

Medallón Art Nouveau de oro amarillo de 14K decorado con un rostro de mujer aporcelanado, fabricado por Alling Co, Estados Unidos 1910

Medallón Art Nouveau de oro amarillo de 14K decorado con un rostro de mujer aporcelanado, fabricado por Alling Co, Estados Unidos,1910

Medallón Art Nouveau de oro amarillo de 18k con incrustaciones de diamantes, disenado por el joyero L. Janvier. Francia 1878

Medallón Art Nouveau de oro amarillo de 18k con incrustaciones de diamantes, disenado por el joyero L. Janvier. Francia, 1878.

Medallón Art Nouveau de oro amarillo de 18K decorado con un perfil clásico del estilo Art Nouveau con diamantes incrustados. Francia 1890s

Medallón Art Nouveau de oro amarillo de 18K, decorado con un perfil clásico del estilo Art Nouveau, tiene diamantes incrustados. Francia, 1890s.

Medallón Art Nouveau de oro de 14 k. y un diamante, lleva una mujer en porcelana. Estados Unidos principios de 1900

Medallón Art Nouveau de oro de 14 k. y un diamante, lleva una mujer en porcelana. Estados Unidos, principios de 1900.

Medallones para llevar en ellos fotos o mechón de cabello

 Puedes hacer click en las fotos para ampliarla o leer la descripción.

Medallón Art Nouveau de bronce enchapado en plata 925. Francia principios de 1900

Medallón Art Nouveau de bronce enchapado en plata 925. Francia, principios de 1900.

Medallón calados para llevar una foto o una pequeñísima almohadilla empapada de perfume.

Medallón Art Nouveau calado en plata 925 con figura de dama de cabello largo. Francia principios 1900

Medallón Art Nouveau calado en plata 925 con figura de dama de cabello largo y flores y hojas. Francia, principios 1900.

Medallón con camafeo

 

Medallón Art Nouveau de oro de 12 k. y camafeo con el busto de Diana en coral. Estados Unidos 1890

Medallón Art Nouveau de oro de 12 k. y camafeo con el busto de Diana (diosa mitológica de la caza) en coral. Estados Unidos, 1890.

Te invito a leer este Post que se publicó hace un tiempo y en el que se trató el tema de los camafeos:

https://bigbenantiguedades.wordpress.com/2014/11/17/escogiendo-un-camafeo-antiguo/

Seguro que después de ver estos medallones Art Nouveau, tendrás algún preferido.

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Patricia

Galería

Tocando el cielo en el Restobar La Basílica 640

Hola:

Hace unos días se realizó el partido de fútbol en el que se disputó la final de la Champions League.  Por la diferencia de horario entre Perú y Europa, en Lima se vería el partido a la 1.30 de la tarde, hora propicia para almorzar disfrutando el  partido.  En este Post no hablaré de fútbol , aunque me gusta mucho, sino que les mostraré un peculiar lugar donde tuve la idea de comer un rico almuerzo, mientras veía la final de la Champions.

El Restobar La Basílica 640 fue el elegido, se trata de un restaurante que está abierto desde el medio día y que también funciona en la noche, hasta las 3 de la madrugada.  La decoración de este Restobar es temática e inspirada en la famosa novela de Dante “La Divina Comedia”, la idea es que quien lo visite pueda estar en contacto con tres ambientes:  el cielo, el infierno y el purgatorio en el mismo lugar.  Desde la fachada, La Basílica 640 tiene un aire de iglesia, con vitrales, techo alto y una cúpula en la parte más alta.

la basilica frontis

Ni bien ingresas, te sientes en un lugar especial que te atrapa inmediantamente gracias a los diversos elementos que conforman la decoración, que han sido escogidos y pensados en detalle para lograr el efecto de cielo, infierno y purgatorio pero sin saturar mucho el ambiente, con el fin de que el visitante tenga una nueva experiencia sin dejar de sentirse a gusto.  El ambiente de ingreso es el “Purgatorio”, encuentras sillas y sillones cómodos de estilo clásico, mucha madera que aporta calidez al lugar, mármol, una imponente barra, paredes de ladrillos rústicos, un órgano como de iglesia suspendido en una esquina que es donde se coloca el DJ, una rockola, una escultura de ángel como saliendo de la pared cerca del techo, grandes vitrales, y otros detalles más que podemos ver en las siguientes fotos.

Grandes vitrales.  En ellos se aprecian los ángeles luchando con el demonio.  Purgatorio.

Vitral con la imagen de ángeles luchando con el demonio.

Rockola con la imagen del logo de La Basílica 640. Purgatorio.

Rockola con el logo e imagen de La Basílica.

Escultura del angel bueno y el malo (con cachitos).  Estos ágeles tienen luz en los ojos que se aprecia en la oscuridad.  Detalle del bar del Purgatorio.

Detalle del bar. Escultura del ángel bueno y el malo (con cachitos).

Bar de madera tallado con las flamas del infierno. No se aprecia en la foto la escultura del demonio.  Este bar está en el Purgatorio.

Bar de madera tallada con las flamas del infierno.

En la foto se aprecia en una esquina el órgano al estilo iglesia en el que se ubica el DJ.  Purgatorio.

Órgano de iglesia suspendido en una esquina donde se ubicael DJ.

Escultura de angel y vitrales en la parte superior.  Purgatorio.

Ángel saliendo de la pared y vitrales en la parte superior.

Cabeza de buey cromada.

Cabeza de buey cromada.

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El “Cielo” se ubica en el mezzanine.  Los techos han sido cubiertos con gigantografías de las famosas pinturas de Miguel  Ángel en la Capilla Sixtina y al centro se ha colocado una imponente lámpara de cúpula.   Además en medio de este ambiente también hay un especie de árbol que evoca el paraíso. Decoran el lugar un portón antiguo que se supone es la puerta de ingreso al cielo y unos ángeles plateados cerca de ella.  También hay una barra en este ambiente.

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En el techo gigantografías de las pinturas de Miguel Ángel de la Capilla Sixtina.

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En la parte posterior del primer piso se encuentra el “Infierno”.  El techo alto ha facilitado la colocación de una gran lámpara de vidrio color fuego encendido.  Se lucen grandes ventanales con vitrales donde Lucifer es el gran protagonista.  Un cuadro de la última cena llama la atención porque las caras de los apóstoles han sido cambiadas por diversos personajes que son tristemente célebres por no haber sido precisamente unos angelitos como Hitler, Fidel Castro, Sadam Husein y otros.

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Quedé satisfecha con la comida, ordené fideos a la huancaína con lomo, pedí la carne con cocimiento medio y me la trajeron como la había pedido.  Lo acompañé con una copa de vino tinto. No pude terminármelo todo porque estaba pensando que debía tener espacio en mi estómago para disfrutar del Volcán de Chocolate (que viene con dos bolas de helado) que había ordenado.  Disfruté mi almuerzo mientras seguía lo que ocurría en la final de la Champions en los televisores donde normalmente se ponen vídeos de música.   En Perú tenemos nuestras preferencias, algunos apoyábamos al Real Madrid y otros, a la Juventus.  Así que los comensales que estábamos en La Basílica 640 en esos momentos nos emocionamos con los goles como si hubiésemos estado en Gales.

Por la noche se sirve cena y demás piqueos para acompañar los tragos.  Puedes elegir, por ejemplo, entre  más de doce diferentes Chilcanos de pisco macerados y muchos otros tragos con nombres relacionados con la temática del Restobar.

Te recomiendo  pasar un buen momento en pareja o con amigos en La Basílica 640 por varias razones,  este Restobar ofrece una carta variada así como tragos para todos los gustos, los precios son razonables, el  lugar es diferente y acogedor y la atención suele ser esmerada.  En los fines de semana en ocasiones se ofrece música en vivo.  La Basílica 640 se ubica en la Avenida Primavera 640, Chacarilla, Santiago de Surco, Lima- Perú.  Te dejo ahora con un vídeo para que te hagas una idea de lo que te trae este Restobar.

 

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Patricia

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Audrey Hepburn: ícono del cine y de la moda

Hola:

El pasado 4 de mayo Audrey Hepburn hubiese cumplido 88 años, a pesar del tiempo transcurrido, nadie la olvida.  Y es que Audrey  es recordada no sólo por su belleza de cariz angelical y elegancia innata, sino también por haber sido una excelente actriz, pues a ella le llovieron los reconocimientos a su trabajo.  Para muestra un botón, sólo en  1953 obtuvo un Oscar, un BAFTA y un Globo de Oro por la película Vacaciones en Roma, además de un Tony por la obra Ondine.  La admiración que despertó en el mundo entero la convirtió en un ícono del cine y de la moda.  Su figura alta y estilizada, sus enormes ojos almendrados y ese hermoso cuello de cisne que poseía, le dieron un aire de fragilidad e imagen etérea  que la hicieron única en Hollywood.

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Audrey nació en Bélgica, como producto de un matrimonio entre un inglés y una baronesa holandesa.  De pequeña sufrió mucho por el hecho de tener un padre que nunca le expresó cariño y que la abandonó, lo que marcó su vida y la convirtió en una persona triste y melancólica.  A ello se sumaron las privaciones y el hambre que tuvo que soportar durante la Guerra, al punto de verse obligada a comer galletas para perros. Todas estas experiencias dejaron una herida en su alma, cuando ya era famosa Audrey se negó a aceptar el papel de Anna en la película El Diario de Anna Frank, con el fin de no revivir lo que deseaba olvidar.  Quizás para mitigar su tristeza ella solía fumar  tres cajetillas de cigarillos al día, excesos que le pasaron factura luego, pues falleció a los 64 años víctima de cancer.

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Este ícono de Hollywood vivió a su manera, tuvo dos fracasos matrimoniales, de esas experiencias decía que “los esposos pasan pero los hijos quedan” y se convirtió en una madre magnífica para sus dos hijos.  Además, no dejó nunca que el éxito la hiciera olvidar aquellas carencias afectivas y el hambre que sufrió alguna vez.   Su espíritu solidario y compasivo la llevó a ser embajadora de la Unicef en los últimos años de su vida.   Su legado filantrópico sigue vigente y ahora es Sean,  su hijo mayor, quien está al frente de su fundación  Audrey Hepburn Childhood.

El mundo se resiste a olvidar a Audrey  y  los motivos sobran, sus admiradores no dejan de adquirir souvenirs y una variedad de objetos de colección que evocan  su memoria, veamos algunos de ellos:

Audrey Hepburn estampilla de souvenir Estados Unidos 2003

Estampilla souvenir de Audrey Hepburn. Estados Unidos 2003.

Audrey Hepburn inusual postal de 1965

Inusual postal de Audrey Hepburn de 1965.

Audrey Hepburn moneda de oro conmemorativa a los cien anos del cine, Inglaterra 1995

Moneda de oro con la imagen de Audrey Hepburn que conmemora los cien anos del cine, Inglaterra 1995.

Audrey Hepburn Long Play autografiado por Audrey Hepburn & George Peppard de la película Breakfast at Tiffany

Long Play autografiado por Audrey Hepburn & George Peppard, protagonistas de la película Breakfast at Tiffany’s.

Audrey Hepburn 26 pulgadas muneca de porcelana de OOAK MARGIE HERRERA Audrey con el look de la película MY FAIR LADY

Muneca de porcelana Audrey Hepburn que luce el look de la película My Fair Lady, mide 26 pulgadas de alto, fabricada por OOAK Margie Herrera.

Audrey Hepburn 1995 muneca BARBIE de ELIZA DOOLITTLE de la película My Fair Lady

Muneca Barbie Audrey Hepburn de 1995. Recuerda su personaje Eliza Doolittle de la película My Fair Lady.

 

Sombrero y aretes que lució Audrey Hepburn en la película Breakfast at Tiffany’s cuyas copias se siguen vendiendo.

Audrey Hupburn jarra de cerámica, Inglaterra 1980

Jarra de cerámica con busto de Audrey Hepburn, Inglaterra 1980.

 

Éste es uno de los muchos libros que sobre el ícono del cine y de la moda se han publicado con la autoría de diversos escritores, en distintos idiomas y que se han vendido en todo el mundo.

Audry Hepburn Una princesa en la corte de Hollywood , Juan Tejero , Espana 2010

Libro “Una princesa en la corte de Hollywood” basado en la vida de Audrey Hepburn , autor Juan Tejero , Espana 2010.

 

Durante las décadas de 1950 y 1960, Audrey Hepburn fue la imagen preferida que acaparó las carátulas de las más famosas revistas de moda y espectáculos.

Audrey Hupburn revista Harper's Bazaar, Estados Unidos, mayo 1957 foto de Richard Avedon

Revista Harper’s Bazaar, Estados Unidos, mayo 1957, con foto de Audrey Hepburn en la carátula por Richard Avedon.

Audrey Hepburn revista Vogue, Noviembre 1964 foto por Irving Penn

Revista Vogue, de noviembre de 1964 , con foto en la carátula de Audrey Hepburn por Irving Penn.

Audrey Hepburn revista Harper's Bazaar de Abril 1956 foto por Richard Avedon Very Nice

Revista Harper’s Bazaar de abril 1956 que lleva en la caratula una foto de Audrey Hepburn por Richard Avedon.

Audrey Hepburn revista COSMOPOLITAN USA Agosto 1961 foto por Richard Avedon

Revista COSMOPOLITAN USA de gosto 1961. Lleva en la carátula una foto de Audrey Hepburn por Richard Avedon.

 

Los posters originales de las películas protagonizadas por Audrey Hepburn son las piezas de colección más buscadas y mejor pagadas por los coleccionistas. Los precios oscilan entre los 5,000 y 10,000 dólares, dependiendo de su estado de conservación.

Audrey Hepburn poster original de la película Sabrina de 1954

Poster original de 1954 de la película Sabrina protagonizada por Audrey Hepburn, Humphrey Bogart y William Holden.

Audrey Hepburn poster original de la película ROMAN HOLIDAY de 1953

Poster original de 1953 de la película ROMAN HOLIDAY protagonizada por Audrey Hepburn y Gregory Peck.

Audrey Hepburn poster original de la película Breakfast at Tiffany's 1961

Poster original de la película Breakfast at Tiffany’s de 1961 protagonizada por Audrey Hepburn.

Audrey Hepburn poster original de 1957 del musical Funny Face que se vende por Ebay en 4500 dólares

Poster original de 1957 del musical Funny Face protagonizado por Audrey Hepburn y Fred Astaire.

 

El siguiente es uno de los objetos de colección más costosos del mercado.  Está a la venta por Ebay en US$9,375.

Audrey Hepburn programa de la obra teatral de Broadway GIGI protagonizada por AUDREY HEPBURN & MICHAEL EVANS en 1952 con autógrafo original

Playbill de la obra teatral de Broadway GIGI protagonizada por Audrey Hepburn y Michael Evans, con autógrafo original de Audrey, 1952.

 

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Patricia

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El Art Déco Jazz

Hola:

La generación perdida fue aquella cuyos hombres y mujeres dejaron de existir entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial.  Aún en esta época de entreguerras, es decir los veinte y los treinta, París fue el punto focal del lujo,  el estilo y la moda y es ahí donde se germinó el movimiento artístico Art Déco, que marcó un antes y un después dentro de la historia del arte.  Su influencia fue tal que en los últimos años de la década de los 20 y durante los 30, el Art Déco se extendió a los Estados Unidos y al resto del mundo.  Los años de entreguerras tuvieron su lugar en la historia como los “años Locos” y la “Belle Epoque”.

La generación de “los años locos” dejó atrás las prioridades y objetivos de sus abuelos y padres para dar paso a la época del Art Déco.   Fue la era del glamour y del jazz, música que tuvo una gran influencia en este estilo.  Se dió una amalgama entre el  Fox-Trot, el Charleston, la música negra Jazz, la crisis del 29 y el “New Deal” de los Estados Unidos .    Fue la época de grandes salas de baile donde  el “dandy” de bigote recortado, cabello engomado y esmoquin se movía como pez en el agua en los clubes nocturnos, enamorando  a las mujeres de boca menuda que estaban peinadas a la “garzón”, usando sombreros encasquetados y  vestidos cortos de telas ligeras. Las mujeres mostraban las piernas sin el menor pudor y fumaban y bebían en señal de rebeldía.   Las salas de espectáculos se iluminaban con líneas de luz geométricas que oscilaban al compás de las grandes bandas y orquestas, que tocaban nuevos ritmos rápidos y cadenciosos que empujaban a todos a la pista de baile.

Ahora veamos de qué manera el Jazz tuvo influencia en el arte, las porcelanas, las joyas, la fotografía, la moda, el mobiliario, así como una diversidad de artículos que han quedado como testimonios de aquellos años locos con sed de diversión y de una gran creatividad artística llamada “Art Déco Jazz”.

FOTOGRAFÍA:

Art Deco Jazz Art Deco Jazz calenorteamericano de 1936 Estados Unidos 1929

Fotografía de la era Art Deco Jazz. La imagen es de Helen Twelvetrees, una de las 13 Wampas Baby Flapper Stars. Estados Unidos, 1929.

JOYERÍA:

Art Deco Jazz aretes de plata 925 con vidrio Estados Unidos 1930s

Aretes de plata 925 Art Déco Jazz con vidrio color amatista. Estados Unidos 1930s.

Art Deco Jazz collar de plata 925 y piedras topaz de la era Art Deco Jazz Estados Unidos 1930s

Collar de plata 925 y piedras topaz de la era Art Deco Jazz. Estados Unidos, 1930s.

MODA durante los 20s y 30s:

Art Deco Jazz sombrero de seda y lentejuelas Estados Unidos 1920s y 1930s

Sombrero de seda y lentejuelas Art Déco Jazz. Estados Unidos, 1920s y 1930s.

Art Deco Jazz sombrero flapper con plumas Estados Unidos 1920s

Sombrero flapper con plumas de la moda Art Déco Jazz. Estados Unidos, 1920s.

Art Deco Jazz Periódico de 1924 con la moda Art Deco Gatsby Jazz

Periódico de 1924 que muestra la moda Art Deco Gatsby Jazz. Francia.

Art Deco Jazz revista francesa de 1925 que muestra disenos de la moda art deco jazz

Periódico de 1925 que muestra disenos de la moda Art Déco Jazz. Francia.

PORCELANAS:

Art Deco Jazz figura de porcelana Goldscheider disenada por Stefan Dakon Austria 1929

Figura de porcelana Goldscheider de la era Art Déco Jazz disenada por Stefan Dakon. Austria 1929.

Art Deco Jazz músico de porcelana ROSENTHAL de la era Art Deco Jazz disenado por KARL HIMMELSTOSS Alemania 1930

Músico de porcelana Rosenthal de la era Art Deco Jazz disenado por Karl Himmelstoss. Alemania, 1930.

Art Deco Jazz juego de té de porcelana Royal Winton Inglaterra 1930s

Juego de té de porcelana Royal Winton de la era Art Déco Jazz. Inglaterra, 1930s.

PUBLICIDAD:

Art Deco Jazz postal publicitaria de Mexican Jazz en el Hotel Boirivent, Lyon, Francia 1930s

Postal publicitaria Art Déco Jazz de la Mexican Jazz Band en el Hotel Boirivent, Lyon, Francia 1930s.

Art Deco Jazz publicidad de la fábrica de muebles Heywood Wakefield Furniture que muestra un diseno de 1926

Publicidad de la fábrica de muebles Heywood Wakefield que muestra un diseno Art Déco Jazz. Estados Unidos, 1928.

OTROS ARTÍCULOS:

Art Deco Jazz encendedor cromado de la era Art Deco Jazz Estados Unidos 1930

Encendedor cromado de la era Art Deco Jazz. Estados Unidos, 1930.

Art Deco Jazz lámpara de vidrio lechoso con disenos geométricos del Art Deco Jazz , Inglaterra 1930s

Lámpara de vidrio lechoso con disenos geométricos del Art Déco Jazz , Inglaterra 1930s.

Art Deco Jazz figura de vidrio del grupo de jazz Black American Jazz Group Caribic de BIMINI LAUSCHA VIENNA Estados Unidos 1930s

Figura de vidrio del grupo de jazz Black American Jazz Group Caribic fabricado por BIMINI LAUSCHA VIENNA . Estados Unidos, 1930s.

Art Deco Jazz calendario norteamericano de 1936

Calendario norteamericano de 1936 de la era Art Deco Jazz.

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Patricia

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Los hermosos jarrones estilo Jugendstil

Hola:

Jugendstil  fue el nombre con el que se conoció el estilo Art Nouveau en Alemania y los países nórdicos.  Esta corriente de renovación artística que se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del XX (llamada “fin de siécle” y “belle époque”) buscó romper con el molde de los estilos dominantes de la época como el eclecticismo, historicismo, realismo e impresionismo. Esta revolución artística se caracterizó por crear un arte totalmente nuevo, joven, más libre y moderno que se manifestó en la arquitectura, artes plásticas, joyería, muebles y diversos accesorios de decoración.  Entre estos últimos destacan hermosos y artísticos jarrones que no se fabricaron en serie y que se crearon utilizando diversos materiales.  Los jarrones Jugendstil son fácilmente identificables y en este Post veremos las diversas características que los distinguen.

Las líneas curvas y la asimetría fueron detalles que distinguieron a las piezas Jugendstil como puedes apreciar en este jarrón:

Jarrón Jugendstil tulipán de porcelana Max Roesler Alemania 1890

Jarrón de estilo Jugendstil. Lleva un tulipán en alto relieve. Creado por la fábrica de porcelana Max Roesler. Alemania 1890.

Las imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles fueron predominantes en este estilo.  Se enfatizaron los cabellos ondulantes y los pliegues de las vestimentas.

Florero Jugendstil de porcelana Henkel y Rand con imagen femenina en alto relieve e interior dorado. Alemania 1900

Jarrón estilo Jugendstil de porcelana Henkel y Rand con imagen femenina en alto relieve. El jarrón tiene el interior dorado. Alemania 1900.

Fueron frecuentes los motivos que resaltaban la belleza de la naturaleza con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.

Jarrón ánfora Jugendstil en cerámica alemania 1900

Ánfora de estilo Jugendstil en cerámica alemana, fabricada en 1900.

Florero Jugendstil de porcelana color lila y flores. Alemania 1900

Florero estilo Jugendstil de porcelana . Tiene fondo color lila, flores y hojas pintadas a mano. Alemania 1900.

Florero Jugendstil de porcelana de la fábrica Pfeiffer & Löwenstein Schlackenwerth. Austria 1850

Jarrón estilo Jugendstil de porcelana. Creado por la fábrica Pfeiffer & amp; Löwenstein Schlackenwerth. Austria 1850.

Se fabricaron durante la corriente Jugendstil jarrones de vidrio combinados con metal de líneas ondulantes y sinuosas.

Jarrón Jugendstil de vidrio verde labrado y base de metal con musas. Alemania 1910

Jarrón estilo Jugendstil de vidrio verde labrado y base de musas de metal. Alemania 1910.

Jarrón Jugendstil disenado por Karel Palda. Vidrio transparente, base de murano verde y cintillo de metal. Alemania 1900

Jarrón de estilo Jugendstil disenado por Karel Palda. Es de vidrio transparente, base de murano verde y cintillo de metal. Alemania 1900.

Florero Jugendstil de vidrio color jade y adornos de bronce. Alemania 1910

Jarrón estilo Jugendstil de vidrio color jade y adornos de bronce. Alemania 1910.

Florero Jugendstil de vidrio maate amarillo y adornos hojas de plaqué y adorno de vidrio verde. Alemania 1905

Jarrón estilo Jugendstil de vidrio mate amarillo y adornos con hojas de plaqué y lágrima de vidrio verde. Alemania 1905.

Florero Jugendstil de vidrio pintado amano y con dibujos en alto relieve y base de bronce. Alemania 1890

Jarrón estilo Jugendstil de vidrio pintado a mano y dibujos en alto relieve. La base es de bronce tiene patitas con garras de león . Alemania 1890.

También se fabricaron jarrones Jugendstil totalmente de vidrio de diferentes tipos como transparente, mate, iridiscente y lechoso.  Algunos estaban pintados a mano, labrados en alto relieve o decorados con pan de oro.  Se crearon además durante esta corriente jarrones de metal que normalmente llevaban dos asas y que guardaban el estilo de líneas curvas.

jarrón Jugendstil de vidrio transparente y púrpura labrado con flores y con decoraciones de pan de oro. Alemania 1900

Jarrón estilo Jugendstil de vidrio transparente y púrpura, labrado con flores y con decoraciones en pan de oro. Alemania 1900.

Jarrón Jugendstil de vidrio transparente, pintado a mano y con pan de oro. Alemania 1910

Jarrón estilo Jugendstil de vidrio transparente, pintado a mano y con adornos de pan de oro. Alemania 1910.

jarrón Jugendstil de peltre Alemania 1910

Jarrón estilo Jugendstil de peltre.Alemania 1910.

Jarrón Jugendstil de peltre. Alemania 1900

Jarrón estilo Jugendstil de peltre. Alemania 1900.

Luego de conocer los hermosos jarrones estilo Jugendstil, de seguro tienes uno preferido.  Espero tus comentarios.  No olvides que puedes calificar este Post y/o compartirlo con tus amigos. Hasta el próximo Post.

Patricia

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Antigüedades de carey

Hola:

Esta hermosa tortuga se le conoce por el nombre de “Tortuga Carey”, vive en las aguas de Indonesia y Las Indias Orientales y hoy en día se encuentra lamentablemente en peligro de extinsión debido al uso indiscriminado de su caparazón.

Tortuga carey

Tortuga Carey

El caparazón de la Tortuga Carey mide algo menos de un metro y tiene trece láminas de proteína coloreadas.  Además esta caparazón es muy fácil de separar del cuerpo de estas especies marinas, lo que hace que muchos las cacen sin limitaciones para explotar el mundialmente apreciado carey.

pedazos de concha carey

Ahora bien, en este Post vamos a ver algo de historia acerca del maravilloso carey y su uso en la decoración de muebles y la fabricación de diversos objetos.

Los muebles de estilo Boulle tomaron el nombre de André Charles Boulle (1642-1732), quien fue un conocido y reputado ebanista vinculado a la corte francesa, arquitecto y pintor durante el reinado de Luis XIV.  Aunque no inventó este estilo, lo perfeccionó lo suficiente como para que se le bautice con su apellido.  Los muebles de estilo Boulle consistían en piezas con taraceado y marquetería que podía ser realizadas con láminas finas de carey, caoba y latón. En la siguiente foto puedes apreciar una fabulosa pieza de estilo Boulle.

Pequeno bar Boulle Napoleón III con marquetería de carey

He hecho una selección de piezas antiguas realizadas con carey que pueden darte una idea de la diversidad con la que se utilizó este maravilloso material y el artístico trabajo de quien las hicieron manualmente.

carey prendedor Victoriano de metal con carey 1898

Prendedor Victoriano de metal con carey 1898

carey abanico europeo de carey y papel 1840

Abanico europeo de carey y papel 1840.

carey anteojos georgianos hechos de carey siglo XIX

Anteojos georgianos hechos de carey. Siglo XIX.

carey antiguo juego de ganchos de cabello de carey para kimono

Antiguo juego de ganchos de cabello para kimono hechos en carey.

carey antiguos botones de carey de diferentes formas y tamanos

Antiguos botones de carey de diferentes formas y tamanos.

Carey caja Victoriana para tarjetas personales de plata carey y madreperla

Caja Victoriana para tarjetas personales de plata carey y madreperla. Inglaterra, 1910.

carey cofre de carey con incrustaciones de madre perla 1820

Cofre de carey con incrustaciones de madre perla que data de 1820.

carey espejo Georgiano con marco de carey 1700

Espejo Georgiano con marco de carey que data de 1700.

carey juego de tocador de plata y carey Londrés 1921

Juego de tocador de plata y carey. Londres 1921.

carey marco para foto de plata y carey 1918

Marco para foto de plata y carey de 1918.

carey plato tallado de carey Periodo Meiji Japon 1869

Plato tallado de carey perteneciente al Periodo Meiji. Japón 1869.

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Patricia

 

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El antiguo arte de trabajar la madreperla

Hola:

Luego de haberme ausentado varios días, regreso con alegría a mi querido Blog y con más ganas de escribir nuevos Posts.  Esta vez, vamos a ver el antiguo arte de esculpir la madreperla o concha de nácar.  En principio te diré que la madreperla es una sustancia dura, blanca, brillante y con reflejos iridiscentes que cubre el interior de las conchas marinas. Como la madreperla es blanda, se presta para tallarla o grabarla con facilidad. Es así que el hombre ha encontrado en este fabuloso recurso de la naturaleza un material ideal para tallar diversos objetos, desde maravillosos juegos de cubiertos, abanicos, joyas y cofres hasta muebles marqueteados o incrustados con madreperla.

Mesa Victoriana decorada con papel maché y marquetería de flores hechas con madreperla. Inglaterra, 1890.

En el siglo XIX se usaron mucho los colores iridiscentes de este material para adornar muebles de  papel maché, como esta mesa Victoriana de madera adornada con papel maché y marquetería de flores hechas con madreperla.

 

Caja para cigarrillos en plata con madreperla e incrustaciones de diamantes, turquesas, esmeraldas y perlas. Austria 1850.

Caja para cigarrillos en plata con madreperla e incrustaciones de diamantes, turquesas, esmeraldas y perlas. Austria 1850.

Caja de plata para naipes revestida con madreperla y avalón. Al centro mujer griega tallada. USA 1890.

Caja de plata para naipes revestida con madreperla y avalón. Al centro, una mujer griega tallada. USA 1890.

Binoculares para teatro en bronce y madreperla. Francia principios 1900.

Binoculares para teatro en bronce y madreperla. Francia principios 1900.

Botón Art Nouveau de madreperla y oro.

Botón Art Nouveau de madreperla y oro.

Juego de cuchillería de plata y madreperla. Francia 1850.

Juego de cuchillería de plata y madreperla. Francia 1850.

Abanico de madreperla, seda y encaje. Francia principios de 1800.

Abanico de madreperla, seda y encaje. Francia principios de 1800.

Lámpara europea Art Nouveau de bronce, vidrio color ámbar y madreperla.

Lámpara europea Art Nouveau de bronce, vidrio color ámbar y madreperla.

Juego de aretes y prendedor Victoriano de plata, madreperla y turquesas.

Juego de aretes y prendedor Victoriano de plata, madreperla y turquesas.

Hermosa escultura de madreperla grabada y calada. Origen China

Hermosa madreperla tallada y calada. Origen, China.

Grupo de palomas de madreperla tallada (placa para pared). China 1900.

Grupo de palomas de madreperla tallada (placa para pared). China 1900.

En museos y casas de antigüedades podemos encontrar interesantes objetos tallados con madreperla que provienen principalmente de China, India, Francia, Inglaterra y Austria.  Los artistas de todos estos lugares han desarrollado por siglos sus propias técnicas y estilos, que hacen que muchas veces podamos identificar la procedencia de una pieza tan sólo con verla.

Se puede utilizar el limpiaplata marca Silvo para limpiar los objetos de madreperla o también se puede usar trementina (o aguarrás).  Cuando un mueble marqueteado con madreperla pierde un pedazo de su decorado, éste se puede sustituir con una pieza de madreperla cortada con sierra de marquetería, afinándola con una lima de manera que encaje en el espacio vacío.  Se fija con resina epoxídica.

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Patricia

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Exhibición de orquídeas en el Jockey Plaza de Lima

Hola:

Hoy día amanecí con el deseo de relajarme y engreirme, así que pensé en la terapia perfecta:  irme de shopping.  Me puse mis zapatos más cómodos, de esos que no los sientes en el pie, y enrumbé hacia el centro comercial Jockey Plaza, que se ubica en la Av. Javier Prado, una de las más importantes arterias de Lima, Perú.  Luego de dejar el auto en el parqueo, pasé caminando por el nuevo hall del Jockey Plaza y me topé ahí con una exhibición de orquídeas, era mi día de suerte porque estas flores me encantan.  No se trataba de una extensa exhibición de orquídeas, sin embargo, todas las que pude observar fueron suficientes para que mis ojos se sientan agradecidos.  Fue un excelente inicio de terapia de relajación, que no estaba incluído y en mis planes, pero que disfruté mucho.

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La exhibición de orquídeas se titula “Mírala” y se ha puesto en marcha en homenaje a la mujer.  Reúne sólo algunas de las más de tres mil especies de orquídeas de diferente tipo con las que estas tierras ha sido bendecida.  En mi visita pude tomar estas fotos que ahora comparto contigo.

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El ingreso a esta exhibición es libre y puedes tomar todas las fotos que desees.  El evento estaba programado para que dure todo el mes de marzo pero al parecer lo han extendido un poco más.  De seguro ya quedan pocos días, no te la pierdas si eres fanática de las orquídeas.  Sólo debes dirigirte al primer nivel del Nuevo Hall del Centro Comercial Jockey Plaza.

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Patricia

 

Fuente: JC Magazine.

 

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Ya se vive Easter en “La Tiendecita Blanca”

Hola:

Desde que tengo uso de razón, cada vez que iba de paseo por el óvalo de Miraflores, “La Tiendecita Blanca” siempre estaba ahí, como parte de la historia de ese turístico distrito de Lima.  Y cómo no va a ser así  si desde 1936 es uno de los restaurantes más entrañables y tradicionales de la capital de Perú.  Cuando niña mis padres solían llevarme a La Tiendecita Blanca para saborear riquísimos chocolates mientras que ellos tomaban el café de rigor.

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Alberto Bachmann llegó por estas tierras en los años ‘20s no para inaugurar su famoso restaurante, sino para encargarse de la panadería del Hotel Country Club de  San Isidro.  Bachmann trajo a Lima sus secretos y técnicas para preparar variedad de panes suizos ganando un tiempo después mucha fama entre los comensales del Hotel.  Ahorró y ahorró porque ya tenía en mente abrir su propio local, sueño que hizo realidad hace 81 años.  En su aventura contó con la colaboración de un primo experto en pastelería  que convenció de venir a América.  A partir de los 80s, Alberto, el único hijo de Bachmann, administra el  negocio y está al frente de 50 trabajadores.

Desde que entras a “La Tiendecita Blanca” te desconectas de nuestro ambiente limeño para sentirte por un momento como si estuvieras en uno de esos cafés de la lejana Suiza.  Pisos de marmol, puertas talladas y pintadas en distintos colores, paneles y molduras en el techo, mesas con manteles de lino blanco, una surtida barra de licores, cuadros con fotografías en blanco y negro que nos transportan a la historia del restaurante, todo bajo una iluminación tenue.    La cereza del pastel es el piano cuyas melodías resultan el fondo perfecto que no nos altera la tertulia.   Además un atento personal impecablemente vestido nos atiende como si fuésemos monarcas.

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Esa mañana cuando decidí desayunar en La Tiendecita Blanca entré atraída por esta gran maceta en la terraza.  Estaba decorada con rostro y orejas de conejo y  llena de huevos de chocolate.

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Ni bien ingresé al restaurante de primera entrada me recibió esta mesa ricamente decorada con una gallina de paja rodeada de una inmensa variedad de huevos de chocolate fabricados por la Tiendecita Blanca bajo técnicas suizas.

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Acercarse a las vitrinas que muestran los postres más variados y los chocolates por doquier y no probarlos resulta una tentación casi irresistible.  La mayoría de los huevos de chocolate llevan unos coloridos lazos de lana de tejido incaico.  Así los turistas pueden llevarse a casa estos deliciosos souvenirs  peruano –suizos.

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La Tiendecita Blanca ofrece también almuerzos y cenas.  Para el almuerzo, el restaurante brinda dos opciones de menú que incluye entrada, segundo y postre, además de platillos a la carta y piqueos para compartir como el “antipasto suizo” que consiste en una surtida fuente de quesos, aceitunas, prosciutto y mortadela, acompañada por una canasta con panecillos diversos con sabor a queso, aceitunas y finas hierbas.  A mí me encanta la delicia de salmón que incluye cortes de ese delicioso pescado ahumado sobre hojas frescas, todo servido con ensalada waldorf, crema agria y cebolla blanca finamente picada.  También encontramos en La Tiendecita Blanca los cocteles más populares de nuestro medio  como pisco sour, mojitos y chilcanos, así como sofisticados tragos como el delicioso “purple hase” preparado con fresas, albahaca, grand manier, licor de mora, zumo de cranberry y pizca de pimienta negra.

Si visitas Lima, no dejes de engreirte y saborear las delicias de La Tiendecita Blanca, no te vas a arrepentir.  El restaurante atiende los 365 días del año desde las 7 de la mañana hasta la media noche.

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Patricia

 

 

 

 

 

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Los rostros de las damas Art Decó

Hola:

Durante el movimiento Art Decó que tuvo lugar desde 1920 hasta 1939, se pusieron de moda unos rostros de mujer fabricados en cerámica, terracota y porcelana que se colgaban en la pared para decorar el living, los dormitorios y otros ambientes.  Las compañías austriacas, checoslovacas, alemanas, italianas e inglesas que fabricaban estas piezas solían tener hábiles artistas que se encargaban de dar forma, expresión y color a cada rostro.

Estas decorativas piezas reflejaban las tendencias de la moda Art Decó en cuanto a peinados, sombreros, collares, pañuelos y maquillaje.  Aún hoy en día se venden en anticuarios y mercados de pulgas estos singulares rostros que son muy apreciados y buscados por los coleccionistas.  Los precios se elevan en función al estado de conservación de la pieza y si ésta está firmada o numerada.  Las más buscadas son aquellas que se consideran raras o difíciles de encontrar, que son únicas o de edición limitada.

Primero veremos algunos rostros Art Decó para colgar en la pared que han sido fabricados en terracota:

Rostro Art Decó de terracota fabricado por Wiener Werkstatte Austria 1930

Rostro de terracota fabricado por Wiener Werkstalte. Austria, 1930s.

Rostro Art Decó de terracota fabricado por Bordscorf Checoslovaquia 1930

Rostro de terracota fabricado por Bordscorf. Checoslovaquia, 1930s..

Rostro Art Decó de terracota fabricado por Keramia Checoslovaquia 1930

Rostro de terracota fabricado por Keramia. Checoslovaquia, 1930s.

Rostro Art Decó de cerámica posiblemente alemana o austriaca 1930

Rostro de cerámica posiblemente austriaca o alemana. 1930s.

Rostro Art Decó de cerámica fabricada por Goldscheider Austria 1930

Rostro de cerámica fabricada por Goldscheider. Austria, 1930.

 

Las siguientes son piezas fabricadas en cerámica con acabado vidriado:

Rostro Art Decó de cerámica Ars Pulchra Torino Italia 1938

Rostro de cerámica Ars Pulchra. Torino, Italia, 1938.

Rostro Art Decó de cerámica italiana firmada 20s

Rostro de cerámica italiana firmada. 1920.

 

Y ahora veremos una selección de rostros Art Decó en porcelana fabricada en distintos países:

Rostro perfil con sombrero Art Decó de porcelana Royal Dux Checoslovaquia 1930

Rostro de porcelana fabricado por Royal Dux . Checoslovaquia, 1930s.

Rostro Art Decó con sombrero de porcelana Royal Dux Checoslovaquia 1930

Rostro de porcelana fabricada por Royal Dux. Checoslovaquia, 1930s.

Rostro Art Decó de porcelana Goebel Germany 1930

Rostro de porcelana fabricada por Goebel . Alemania, 1930s.

Rostro Art Decó de porcelana Royal Belvedere Vienna Austria 1930

Rostro de porcelana fabricado por Royal Belvedere. Viena, Austria, 1930s.

Rostro Art Decó de porcelana Royal Doulton Inglaterra 1920

Rostro de porcelana fabricado por Royal Doulton. Inglaterra, 1920.

Rostro Art Decó de porcelana Royal Dux Checoslovaquia 1930

Rostro de porcelana fabricada por Royal Dux. Checoslovaquia, 1930s.

Rostro Art Decó estilo Marlene Dietrich fabricado por Beswick Ware Inglaterra 1934

Rostro inspirado en la actriz alemana Marlene Dietrich fabricado por Beswick Ware. Inglaterra, 1934.

Rostro Art Decó Eva fabricada por Goldscheider creada por Rudolf Knorlein Austria 1933

Rostro de porcelana Goldscheider firmada por Rudolf Knorlein. Austria, 1933.

Rostro Art Decó gritando de porcelana Royal Dux Checoslovaquia 1930

Rostro de porcelana fabricada por Royal Dux . Checoslovaquia, 1930s.

Rostro perfil Art Decó de porcelana Royal Dux Checoslovaquia 1930

Rostro de porcelana fabricado por Royal Dux . Checoslovaquia, 1930s.

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Patricia

 

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Los Fabulosos cofres de porcelana Capodimonte

Hola:

Éste es el primer Post en mi Blog acerca de la porcelana italiana Capodimonte, así que empezaré por el principio, es decir, por sus orígenes.

En 1743, Carlos III. Rey de España, Nápoles y Sicilia, fundó unos talleres de porcelana en los terrenos de su palacio Napolitano de Capodimonte.  Estos talleres funcionaron y fabricaron piezas hasta 1759, año en que Carlos III se llevó los moldes, los modelos y hasta los mejores obreros a Madrid, donde inauguró una factoría en los jardines del Buen Retiro.

En 1771, el rey Fernando II de Nápoles volvió a establecer los talleres napolitanos.  Inicialmente, los talleres de Villa Reale, en Portico, se pusieron bajo la dirección de Nápoles, aunque dos años más tarde volvieron a esta ciudad.  Es en 1821 que la fábrica Capodimonte deja de producir porcelana y cierra sus puertas.

Las piezas Capodimonte se identifican por tener relieves figurativos pintados a mano y porque el decorado abarca una gran variedad de temas.  Al principio la porcelana Capodimonte era de estilo Rococó, aunque después su estilo se tornó Clásico.

A continuación unos tips a tomar en cuenta para saber si una pieza es auténtica o se trata de las muchas reproducciones que circulan en el mercado de antigüedades:

  • Las piezas de Capodimonte de Gionori-Doccia van marcadas con una “N” que lleva una corona.
  • La producción propia de Capodimonte va marcada con un lirio estampado o en azul bajo el barniz.
  • Sus figuritas y otros productos esculpidos, generalmente, no van marcados.
  • La producción Española del Buen Retiro lleva además una doble “C”, que después pasó a ser una N”, normalmente debajo de una corona en azul bajo el barniz. Las piezas de la época del Portico van marcadas “RF” o “FRF”.

En este Post veremos fabulosas piezas que Capodimonte creó para guardar en ellas alhajas, cosméticos y cigarillos. Aquí algunas fotografías:

Cofre de porcelana Capodimonte decorado con escenas campestres y los tradicionales querubines que marcan el estilo de las piezas de esta porcelana italiana. El cofre ha sido pintado con líneas sencillas y ondulantes que parecen un bosquejo.

 

Cofre de porcelana Capodimonte del siglo XIX.  Puedes hacer click en cada foto para verlas ampliadas y apreciar los detalles.

 

Hermoso cofre de porcelana Capodimonte del siglo XIX.  Ha sido pintado a mano con imágenes en alto relieve de jóvenes doncellas y criaturas mitológicas.

 

Artístico cofre de porcelana Capodimonte del siglo XIX  Está pintado a mano con imágenes en alto relieve de escenas mitológicas y querubines.  Además en cada esquina lleva un busto.  El interior también está decorado, en este caso con flores.

 

Cofre ovalado de porcelana Capodimonte del siglo XIX decorado con múltiples personajes y los tradicionales querubines.

 

Cofre de porcelana Capodimonte del siglo XIX pintado a mano con escena de personajes a caballo, querubines, flores y hojas.

capodimonte cofre siglo XIX decorado con personajes a caballo y querubines

Cofre de porcelana Capodimonte de 1920.  El interior está forrado de terciopelo.

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Patricia

Fuente:  “La Enciclopedia de las Antigüedades” , Ed. LIBSA, Madrid, 2005.

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Original caja Victoriana para tabaco

Hola:

En este Post quiero mostrarte una interesante caja para tabaco que es una pieza única por su originalidad y por su notable trabajo de talla.   Se trata de una caja de madera cilíndrica cuyo cuerpo está hábilmente tallado con seis máscaras de diablo que simbolizan el ansia y la tentación por la droga.  Cada máscara representa diferentes gestos, desde el relax hasta el estrés total.  Como puedes apreciar en las siguientes fotografías, la caja tiene una tapa también de madera y que lleva tallada la Máscara de Jarra de Martin Brother.  Además la caja cuenta en su interior con un recipiente de estaño y plomo para guardar y conservar el tabaco en buen estado.

Esta inusual pieza fue fabricada en el Reino Unido en la era Victoriana y se calcula que fue creada entre 1850 y 1899.  La caja mide 23 cm de alto x 13.5 cm de diámetro.  Ahora vamos a conocer esta original pieza.

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Patricia

 

 

Fotos: Ebay

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Coleccionando “EL Padrino”

Hola:

Soy fanática de las películas dramáticas y si además éstas tratan sobre gansteres , me atraen mucho más.   “El Padrino”  es una de esas películas que  ya perdí  la cuenta cuántas veces la he visto y disfrutado , es que “El Padrino” no es cualquier película, está dentro de las mejores cintas que ha producido Hollywood en toda su historia.

Fue tal el éxito de “El Padrino”, dirigida por Francis Ford Coppola  y protagonizada por el actor Marlon Brando, que después de su estreno  en 1972 se convirtió en una trilogía, siendo las dos primeras películas laureadas con varios premios Oscar.  “ El Padrino” ganó la estatuilla a mejor película en 1972, mejor actor (Marlon Brando) y mejor guión adaptado (Mario Puzo, autor de la novela que dio origen al filme, y Francis Ford Coppola).  Sin embargo, fue superada por “El Padrino II” que en 1974 se llevó seis estatuillas de las once en las que competía:  mejor película, mejor director, mejor guión (Puzo y Coppola), mejor actor de reparto (Robert de Niro), mejor banda sonora (Nino Rota y Carmine Coppola) y mejor dirección artística. No ocurrió lo mismo con “El Padrino III” que no logró ninguna estatuilla, a pesar de que fue nominada en siete categorías.

A principios de los 90s cayó en mis manos el libro “La Mamma” escrito por Mario Puzo que trata sobre una familia de inmigrantes italianos que llega a Nueva York en los años 30.  La novela es triste, gris y deprimente.  Me causó sorpresa enterarme después que la famosa trilogía “El Padrino” se basó en el libro escrito también por Mario Puzo y que llevaba el mismo nombre, así que decidí comprarme la novela.  La historia me absorvió y la disfruté en cada página.  Inmediatamente  me interesé por ver la trilogía, ya que cuando las dos primeras películas fueron estrenadas no pude verlas en  el cine porque estaba muy pequeña.  Desde ese momento “El Padrino” y “El Padrino II” se convirtieron en mis películas favoritas.  Por supuesto que muchos pasajes del libro no se plasmaron en las películas.  Hay uno en particular que me parece interesante.   Corleone (el padrino) tenía un ahijado preferido que era un cantante llamado Johnny Fontane  (que se rumoreaba era Frank Sinatra, famoso por sus conexiones con la mafia).  Según el libro, el padrino movió sus injerencias  mafiosas para hacer que la Academia de Cine le otorgue un Oscar a Fontane y lo logró, lo que fue omitió en la trilogía por expreso pedido de Sinatra.  Pienso que si este pasaje del libro se hubiese incluído en las cintas, quizás  la Academia no hubiese otorgado las estatuillas que se merecía “El Padrino” y “El Padrino II”.

Sucede que no soy la única admiradora de las cintas “El Padrino”, sino que la trilogía ha ido acumulando seguidores en todo el mundo desde su estreno a principios de los 70s.  Muchos de sus fanáticos no sólo se han conformado con tener las películas de la trilogía en casa, sino que se han convertido en coleccionistas de una serie de objetos relacionados con el “El Padrino”.  Y es en este Post que quiero compartir contigo algunos de ellos:

Colección de DVDs por el 40 aniversario.

Colección de DVDs por el 40 aniversario de la película.

Poster original de 1972.

Poster oficial de la película.

Poster firmado y numerado.

Poster numerado y firmado.

Poster de edición limitada.

Poster de edición limitada.

Disco long play firmado por Al Pacino que contiene la música original de la película.

Disco long play con la música de la película El Padrino II firmado por Al Pacino.

Cantimplora metálica para licor.

Cantimplora metálica para licor.

Colección de naipes y revistas.

Colección de naipes y revistas.

Diario de 2004 que anuncia muerte de Marlon Brando.

Diario anunciando la muerte de marlon Brando.

Fotos de edición limitada.

Fotos de edición limitada.

Llavero oficial de la película.

Llavero oficial de la película.

Muneco de colección Don Vito Corleone.

Muneco de Don Vito Corleone.

Pines de los actores de El Padrino.

Pines de los protagonistas.

Placa para auto.

Placa para vehículo.

Postal blanco y negro de Marlon Brando.

Postal blanco y negro de Marlon Brando.

Gracias a la magia de internet podemos adquirir estos objetos de colección y muchos otros más en portales como Ebay, E-offer y Amazon.

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Patricia

 

Te puede interesar:

Protagonistas de ‘El Padrino’ se reunirán para el 45 aniversario del estreno

http://www.vanguardia.com.mx/articulo/protagonistas-de-el-padrino-se-reuniran-para-el-45-aniversario-del-estreno

El actor Marlon Brando rechaza el Oscar

https://mx.tuhistory.com/hoy-en-la-historia/el-actor-marlon-brando-rechaza-el-oscar-por-su-interpretacion-en-la-pelicula-el

Los actores de la película El Padrino en la actualidad

http://cinicosdesinope.com/cine-y-series/el-padrino-asi-estan-ahora-los-actores-de-la-pelicula/

 

 

 

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Los artísticos micromosaicos italianos

Hola:

En primer lugar tenemos que tener claro qué es un “micromosaico” para entender en qué consiste este maravilloso arte.  Los micromosaicos son imágenes figurativas que se elaboran manualmente uniendo pequeñísimas piezas oblongas  de vidrio, marmol, onix y piedras preciosas  o semipreciosas.    A estas diminutas piezas de distintos materiales se les denomina “teselas”.   Los mejores micromosaicos eran una verdadera obra de arte porque podían alcanzar de 3.000 a 5.000 teselas por pulgada cuadrada.   El impacto y perfeccionismo del micromosaico dependía exclusivamente de la habilidad artística de su creador.

Los pioneros de este maravilloso arte fueron los griegos y los italianos y éstos últimos  comenzaron a crear micromosaicos desde el Renacimiento, alcanzando gran popularidad a mediados del siglo XIX, cuando el centro de producción era Roma.

Los micromosaicos se aplicaron a muebles,  cajas de tabaco, cofres y otros objetos, así como a piezas de joyería.  Las escenas más usuales de los micromosaicos fueron paisajes romanos, temas religiosos, flores, pájaros, personajes mitológicos e imágenes que se copiaron de pinturas.  Las piezas de mosaico más pequeñas provienen de obras del período comprendido entre finales del siglo XVIII y finales del XIX.

En las siguientes fotos verás una  selección de piezas italianas antiguas que han sido decoradas con hermosos micromosaicos.

micromosaico pulsera con micromosaicos de flores 1840

Pulsera con micromosaicos de flores 1840.

micromosaico aretes de oro con micromosaico de aves 1800s

Aretes de oro con micromosaico de aves y flores, 1800s.

micromosaico broche camafeo con micromosaico 1800s

Broche camafeo con micromosaico, 1800s.

micromosaico broche de bronce con micromosaico de tres corazones 1800s

Broche de bronce con micromosaico de tres corazones, 1800s.

micromosaico broche de oro de 14k con micromosaicos de flores y pájaro 1800s

Broche de oro de 14k con micromosaicos de flores y pájaro, 1800s.

micromosaico broche de oro de 18 k con micromosaico de la imagen de María y el Nino 1800s

Broche de oro de 18 k con micromosaico de la imagen de María y el Nino, 1800s.

micromosaico cadena y pendiente de oro de 18 K adornado con micromosaico de tema pastoral

Cadena y pendiente de oro de 18 K adornados con micromosaico de tema pastoral, 1800s.

micromosaico pastillero de oro adornado con micromosaico de flores 1920

Pastillero de oro adornado con micromosaico de flores, 1920.

micromosaico portaretrato de madera decorado de micromosaicos de flores y con la imagen del Vaticano 1850

Portaretrato de madera decorado con micromosaicos de flores y la imagen del Vaticano, 1850.

micromosaico portaretrato de madera en forma de mandolina con decoración de micromosaico de flores 1800s

Portaretrato de madera en forma de mandolina con decoración de micromosaico de flores, 1800s.

Micromosaico portaretrato de mediados de 1800.

Portaretrato de madera para dos fotos decorado con micromosaicos de flores, mediados de 1800.

Si te gustaron estos antiguos y artísticos micromosaicos, te aconsejo visitar el Museo Hermitage y la colección Gilbert en Londres donde encontrarás interesantes piezas de este maravilloso arte.

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Patricia

 

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Lentejuelas: brillo con historia

Hola:

¿Sabías que las “lentejuelas”, esas pequeñas láminas redondas de plástico con acabado metálico que hoy adornan los vestidos fueron usadas por primera vez hace siglos por los antiguos egipcios?

El Imperio Nuevo fue el  periodo histórico que comienza con la reunificación de Egipto bajo Amosis I (c. 1550 a. C.) y que termina hacia el 1070 a. C. con la llegada al trono de los soberanos de origen libio.  La vestimenta cambió significativamente en Egipto durante este periodo en el que reinaron las dinastías XVIII, XIX y XX.  Quedaron atrás las simples túnicas de lino, pues los egipcios inventaron nuevos tintes para las telas, haciendo que éstas sean más coloridas.  Al vestido simple entubado añadieron una túnica plisada que se usaba sobre éste.  Las egipcias ricas decoraban sus vestidos con plumas, lentejuelas y diferentes tipos de rosetas.  Las lentejuelas estaban hechas de diversos metales como plata, oro y bronce con un agujerito para cocerlas al vestido.  Como ves, el nacimiento de las lentejuelas para decorar las vestimentas es mucho más antiguo de lo que te imaginas.

Desde ese punto tan remoto del tiempo,  las lentejuelas han ido cambiando de estilo, ya no sólo son redondas sino que han adoptado otras formas geométricas y de otro tipo como flores, estrellas, lágrimas, etc.  Las hay en colores metálicos, doradas, plateadas, cobrizas, escarchadas, así como transparentes y de diversos colores.  Las lentejuelas plásticas son las más comunes pero también las hay de metal para las prendas sofisticadas de alta costura.

Las lentejuelas han tenido varios picos de popularidad en la historia de la moda.  El primero fue durante el Movimiento Art Decó, es decir, durante los años 20s y parte de los 30s.  La moda se inundó de brillo y ese brillo lo dió las lentejuelas que sirvieron para adornar vestidos, sombreros, pines de sombreros, guantes, chales, vanités y mucho más  como puedes ver en estas fotografías.

lentejuelas de 1930

Lentejuelas de metal de 1930.

lentejuelas vestido de chifón negro con bordado de flores con lentejuelas

Vestido Flipper de chifón negro y bordado de flores con lentejuelas.

lentejuelas vestido flapper de chifón blanco bordado con lentejuelas aurora boreal y mostacillas

Vestido Flipper de chifón blanco con lentejuelas aurora boreal y mostacillas.

lentejuelas vestido estilo flapper con lentejuelas plateadas

Vestido Flipper de seda negra con lentejuelas plateadas.

lentejuelas mitones de terciopelo negro bordados con lentejuelas plateadas y piedras falsas

Mitones de terciopelo negro bordados con lentejuelas plateadas y piedras falsas.

lentejuelas chal de tul negro bordado en lentejuelas doradas

Chal de tul negro bordado con lentejuelas doradas.

lentejuelas sombrero bordado en seda y lentejuelas

Sombrero bordado en seda y lentejuelas.

lentejuelas sombrero decorado con plumas lentejuelas y cordones de seda

Sombrero decorado con plumas, lentejuelas y cordones de seda.

lentejuelas pin de sombrero revestido con lentejuelas cremas

Pin de sombrero revestido con lentejuelas cremas y doradas.

lentejuelas pin de sombrero revestido de lentejuelas y mostacillas de colores

Pin de sombrero revestido con lentejuelas y mostacillas multicolores.

lentejuelas vanité bordado de mostacillas verdes y flores blancas de lentejuelas

Vanité bordado con mostacillas verdes y flores blancas de lentejuelas

lentejuelas vanité de seda bordado de perlitas y lentejuelas blancas

Vanité de seda bordado de perlitas y lentejuelas blancas.

 

En los 70s también se usaron muchísimo las lentejuelas, era la época de la onda disco y se adornaron con lentejuelas vestidos, blusas, cinturones y bolsos.

lentejuelas vestido disco totalmente bordado de lentejuelas color fucsia de los 70s

Vestido disco de los 70s totalmente bordado de lentejuelas color fucsia.

lentejuelas cinturón strech bordado con lentejuelas de los 70s

Cinturón strech de los 70s bordado con lentejuelas doradas.

Más adelante en los ‘80s se volvieron a usar, las puso de moda nuevamente Michael Jackson, ¿te acuerdas del famoso saco de lentejuelas negras con el que bailó Billy Jean por primera vez, así como sus guantes blancos con lentejuelas  y los famosos sacos cortos estilo militar decorados con brillos de lentejuelas?  … detalles que marcaron toda una época.

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Espero que hayas disfrutado el  Post de las eternas lentejuelas que se resisten a morir y que hoy se encuentran vigentes en las grandes pasarelas del mundo.  A nivel local,  Ani Alvarez-Calderón incluyó en su última colección muchas prendas adornadas con lentejuelas hechas con láminas de bronce de diferentes formas geométricas, para lo que se inspiró en la vestimenta del Señor de Sipán.

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Patricia

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Frase del gran Woody Allen

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Estatua de la Libertad, Nueva York, Estados Unidos, Postal de 1907.

 

“La última vez que estuve dentro de una mujer fue visitando la Estatua de la libertad.”

 

De la película “Delitos y faltas”,  que en 1989 llevó a la pantalla al gran Woody Allen, Mía Farrow, Alan Alda, Martin Landau y Anjelica Huston.  Además este drama-comedia fue escrito y dirigido por Allen.

Puedes leer la crítica de esta película en la web:

http://cinemaesencial.com/peliculas/delitos-y-faltas

 

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Patricia

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Coleccionando a Jackie Kennedy Onasis

Hola:

Jackeline Bouvier o simplemente “Jackie” se convirtió en Primera Dama de los Estados Unidos en 1961 y su estadía en la Casa Blanca sólo duró hasta el 22 de noviembre de 1963, fecha en la que su esposo, el  Presidente John F. Kennedy,  fue asesinado en Dallas, Texas.  A sus 31 años , fue notable su valentía durante y después de ese lamentable incidente.  Ese hecho así como su posterior matrimonio con el hombre más rico del mundo, el griego Aristóteles Onasis, la convirtió en un mito y en una figura famosa en todo el mundo.   Lo que Jackie significa para los norteamericanos y esa admiración que también despierta en otras latitudes aún después de su muerte (en 1994), ha llevado a muchas personas a coleccionar todo lo concerniente a ella.

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La excitante vida de lujos y glamur de la Exprimera Dama norteamericana ha hecho correr ríos de tinta en revistas y diarios en todo el mundo durante décadas.  Jackie ha sido admirada por sus aciertos pero también muy criticada por sus excesos.

Desde la década de 1960 hasta la fecha se siguen publicando libros acerca de Jackie pero sólo el titulado “One Special Summer” (o un Verano Especial) es autobiográfico y lo escribió Jackie conjuntamente con su hermana Lee.  La obra trata del viaje que ambas hicieron a Europa en 1951, tras graduarse Jackie de bachiller en Literatura Francesa en la Universidad de Washington y que coincidió con la graduación de secundaria de su hermana Lee. (Puedes hacer click para agrandar las fotos). Aquí sólo algunos libros acerca de esta legendaria mujer.

Jack y Jackie se casaron el 12 de septiembre de 1953 en una boda católica que fue considerada “el evento social”  de la temporada.  El vestido de novia de Jackie diseñado por Ann Lowe de Nueva York aún se conserva en la Biblioteca y Museo Presidencial de John F. Kennedy.  Por internet se pueden adquirir muñecas que llevan su famoso vestido de novia.

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Jackie fue un símbolo de estilo, elegancia y exquisito gusto tanto en el vestir como en la decoración que dejó en la Casa Blanca.  Tenía preferencia por los diseñadores franceses y por ello le llovieron críticas por parte de los diseñadores estadounidenses.  Como te imaginarás, todo lo que vestía Jackie marcaba tendencia, las mujeres en todo el mundo seguían sus preferencias en sombreros, carteras, zapatos y joyas.  Aún hoy en día se pueden adquirir réplicas de sus famosas joyas y relojes.

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Cuarto de vestir de Jackie en la Casa Blanca.

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Muneca de 21 pulgadas de alto. Lleva el clásico vestido y sombrero color rosa que identificaba a Jackie.

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Muneca de una Jackie cuando era nina.

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Réplica certificada de los broches de Jackie.

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Réplica certificada del famoso collar de perlas de tres vueltas que solía usar Jackie.

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Réplica certificada de uno de los relojes de la colección de Jackie.

 

Cuando su esposo Jack llegó a la Presidencia de los Estados Unidos, se lanzaron al mercado diversos objetos y recuerdos con la imagen de Jackie.

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También se puede adquirir por internet monedas, fotos, postales y estampillas con el famoso rostro de la más querida y admirada Primera Dama que ha tenido los Estados Unidos.

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Postal de retrato de Jackie pintado por Charles J. Mccartlhy.

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Estampilladas de Jackie en distintas épocas de su vida.

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Estampilla de Jackie cuando tenía 5 anos montando a caballlo.

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Moneda de oro con el rostro de Jackie, 2015.

 

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Patricia

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Los floreros “cabeza de dama” que marcaron toda una época

Hola:

Debo disculparme por mi ausencia en WordPress en  los últimos días.  La verdad es que el calor en Lima se ha intensificado muchísimo a causa del Fenómeno del Niño, lo que me ha alejado de mi ordenador  y, en consecuencia, de mi querido Blog.

Esta vez vamos a conocer los “floreros cabeza de dama” que fueron populares en la década de los ‘40s y ‘50s, con mayor énfasis en esta última década.    Los floreros consistían en una cabeza o busto de mujer  con cavidad hueca para colocar las flores o plantas.  En un inicio, las compañías norteamericanas de flores encargaron la fabricación de estos floreros, con el fin de vender sus arreglos de flores luciéndonos en ellos.  Más adelante surgieron nuevos fabricantes de floreros cabeza de dama en Japón cuya producción se vendía en ese país y además se exportaba a otros mercados.

En este Post vamos a ver los simpáticos floreros cabeza de dama fabricados por diversas compañías japonesas como Lefton, Nepco, Rubens, Replo y otras.  Estas piezas normalmente medían entre 5 ó 7 pulgadas de alto y representaban mujeres elegantes que vestían sombreros y vestidos de moda y algunas incluso llevaban pestañas postizas y aretes.  También algunas piezas estaban decoradas con piedras falsas, plumas, flores de seda y encajes.  Todos los floreros eran pintados a mano y en ello radicaba principalmente la diferencia entre una fábrica y otra, es decir, en la habilidad de sus artistas.

Los floreros cabeza de dama son un excelente testimonio de cómo evolucionó la moda de la mujer en cuanto a peinado, maquillaje, vestido y accesorios que estuvieron de última en las décadas de 1940 y 1950.  Además se fabricaron piezas en honor a famosas estrellas de cine y TV que fueron muy populares en esas décadas.  Veamos ahora algunos ejemplos:

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Florero de cerámica japonesa pintado a mano y con decoraciones de pan de oro. ’50s.

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Florero de cerámica japonesa de los ’50s.

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Florero pintado a mano y decoraciones en pan de oro. Lleva pestanas postizas. Fabricado por Rubens, Japón ’50s.

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Florero de dama de negro con collar de perlas. Fabricado por Rubens, Japón ’50s.

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Florero decorado con plumas. La dama lleva aretes y collar de perlas. Fabricado por Napco, Japón, en los ’50s.

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Florero fabricado por Napco, Japón, en los ’50s. La dama lleva collar y aretes de piedras.

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Florero fabricado en Japón por Napco en los ’50s. La dama lleva pestanas postizas.

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Florero fabricado por Napco, Japón, en los ’50s.

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Florero japonés fabricado en los ’40s por Royal Sealy.

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Florero fabricado en Japón por Lefton en los ’50s. Esta pintado a mano y lleva pan de oro.

 

Floreros decorados con piedras falsas, plumas y flores y lazos de seda:

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Florero decorado con piedras falsas, flores de seda y plumas. El rostro lleva pestanas postizas. Pieza fabricada por Felton, Japón 1950.

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Florero fabricado en Japón por Lefton en los ’50s. Lleva decoraciones de piedras falsas, listones de seda y plumas.

 

Floreros fabricados en honor a estrellas de cine y TV famosas en las décadas de los ’40s y ’50s.

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Florero en honor a la estrella de TV norteamericana Lucille Ball, ’50s.

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Florero fabricado por Replo, Japón, en los ’50s en honor a la actriz norteamericana Rita Heyworth.

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Florero japonés fabricado en honor a la estrella de cine Scarlet O’Hara en los ’40s.

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Florero de cerámica japonesa en honor a Carmen Miranda y que se fabricó en los ’40s.

 

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Patricia

 

 

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Un paseo por el Mercado Artesanal de Monsefú

Hola:

Aprovechando la temporada de verano, un grupo de amigas y yo nos animamos a viajar a la ciudad de Chiclayo, capital del departamento de Lambayeque,  ubicada al norte de Perú.  El vuelo tardó sólo una hora que parecieron cinco minutos porque no paramos de  hablar en todo el viaje, supongo que es así cuando siete mujeres se juntan.  No fue la primera vez que viajaba a Chiclayo, es más, suelo hacerlo con cierta frecuencia,  mi madre nació por esas tierras y es un lugar que le tengo un especial cariño.

Como parte de nuestro circuito, después de pasar la mañana dándonos chapuzones en el mar y tostándonos bajo el brillante y caluroso sol de Eten, decidimos visitar por la tarde Monsefú, ciudad  que se encuentra a 15 km al sur este de Chiclayo.   Ahí  llegamos atraídas por recorrer el mercado artesanal de Monsefú, lugar famoso no sólo por sus rica gastronomía,  sino también por sus artesanías, destacan los fabulosos  tejidos de paja como sombreros, cestas, carteras y alforjas,  así como prendas de algodón bordadas a mano y juguetes y otros artículos de madera, todo elaborado bajo técnicas artesanales que han pasado de generación en generación.  Disfrutamos mucho nuestro shopping y cada una no dejó de llevarse varios souvenirs a casa.

Ahora te invito a que conozcas los trabajos que puedes encontrar en el Mercado Artesanal de Monsefú.

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También pudimos comprarnos los dulces tradicionales como tejas, manjarblancos, cuñas de maní, alfajores  y mucho más.

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Ya sabes, si caes por Chiclayo, no dejes de visitar Monsefú y su Feria Artesanal…  Espero que hayas disfrutado el  Post.  No te olvides que puedes calificarlo o comentar su contenido.  Hasta el próximo Post.

 

 

Patricia

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Los artísticos botones Art Nouveau

Hola:

Ya hemos hablado del arte de esmaltar metal en el Post  https://bigbenantiguedades.wordpress.com/2016/07/12/el-antiguo-arte-de-esmaltar-metal/

que publiqué hace un tiempo en mi Blog.  Este maravilloso arte se plasmó en diversos objetos como lámparas, cofres, espejos, relojes, floreros, platos, carteles publicitarios y hasta en piezas que parecerían insignificantes, como los botones para prendas de vestir de hombres y mujeres .   Quiero mostrarte en este Post algunos de esos botones porque considero que a los artistas de seguro no les fue nada fácil volcar su talento en un espacio tan reducido.  Los botones por lo general eran de bronce y plata que se labraban y calaban manualmente.  Se hicieron botones redondos, cuadrados y ovalados  y los artistas solían esmaltarlos con bellos diseños de flores, animales, retratos y paisajes.  Los antiguos botones esmaltados que más destacan son los de estilo Art Nouveau que se crearon en Francia (capital de la moda), en Checoslovaquia y en Inglaterra durante el siglo XIX.  Veamos algunos:

Botones decorados con retratos

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Botón de bronce esmaltado Victoriano. Lleva retrato de dama. Inglaterra.

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Botón de plata esmaltada. Lleva retrato estilo Art Nouveau. Francia.

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Botón de bronce esmaltado. Lleva retrato de un joven escudero. Francia, 1860.

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Botón de bronce esmaltado. Retrato de mujer de Checoslovaquia, siglo XIX.

Botones decorados con flores y hojas

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Botón de bronce labrado y esmaltado. Victoriano. Francia.

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Botón de plata esmaltada decorada con flores y mariposa. Victoriano., Inglaterra.

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Botón de plata esmaltada y decorada con una bella flor. Victoriano.

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Botón Victoriano en plata esmaltada y decorada con flores. República Checa.

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Set de botones de bronce labrado y esmaltado con flores. Francia, 1880.

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Diversos botones de bronce y plata esmaltada , estilo Art Nouveau. Siglo XIX.

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Botón de bronce labrado y calado., esmaltado y con piedras falsas incrustadas. Estilo Art Nouveau, Francia.

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Botón de bronce esmaltado, labrado y calado. Esmaltado con flores y hojas estilo Art Nouveau.

Botón decorado con querubín

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Botón de bronce esmaltado, querubín. 1890.

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Patricia

 

 

 

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El teléfono “skeletal” Torre de Eiffel

Hola:

Espero que hayas tenido un reparador y relajante fin de semana hacienda lo que más te guste.   Para variar, aquí en el Blog vamos a hablar de antigüedades, esta vez acerca de una que la he considerado en  la categoría “antigüedades y objetos de colección poco comunes”.  Te presento este fabuloso y original teléfono esquelético modelo “torre de Eiffel” de L.M. Ericsson, quien lo introdujo  al mercado sueco en 1890.  L.M. Ericsson fue  el predecesor de la empresa Ericsson que en 1990 se convirtió en la líder en la fabricación de teléfonos celulares.  El “Skeletal” (término de colección nunca utilizado por Ericsson) se caracterizó por tener todo su mecanismo al descubierto y además por contar con manivela. Al realizar una llamada con este tipo de teléfono a manivela, primero contestaba una central y luego ésta nos comunicaba con el número requerido.   Este modelo fue el primer teléfono de escritorio que se produjo en Suecia y que luego fue adoptado por otras empresas telefónicas en todo el mundo.   Esta pieza está numerada con el No # 2111877. Vamos a ver ahora varias fotografías de este original teléfono que es muy codiciado por los coleccionistas.

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Puedes obtener más información sobre L.M. Ericsson y la historia de la compañía que lleva su apellido visitando el link:

https://es.wikipedia.org/wiki/Ericsson

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Patricia

 

Fotos:  Ebay

 

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Las tradicionales muñecas Kokeshi

Hola:

Debo pedirte disculpas porque desde que ha empezado la temporada de verano en mi ciudad (Lima – Perú) no he producido Posts con la continuidad de antes.   Además te confieso que en estos días sólo deseo estar en la playa lo más posible y disfrutar del verano que aquí dura sólo tres meses.  De todos modos, mi Blog es ya parte de mi vida y por eso no quiero hacerlo a un lado totalmente ni tampoco a tí, mi querido lector.

De seguro que debes haber escuchado o visto alguna vez unas muñequitas japonesa de madera que son conocidas con el nombre de Kokeshi (pequeño fruto de amapola en japonés).  Estas tradicionales muñecas japonesas nacieron en la región Tohuko, en Japón, a finales del período Edo (1600 a 1868). En un principio artesanos japoneses trabajaron manualmente  la madera de cerezo para crear estas muñecas, con el fin de venderlas a quienes visitaban los baños de aguas termales de Tohuko durante la primavera.  De esta manera los artesanos podían mantenerse ocupados y a la vez ganar dinero  durante los meses de crudo invierno que les impedía explotar sus campos.

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Kokeshi de 24.2cm de alto, del artista Kobayashi-Seijiro(1918-2015). Japón, 1920.

Desde un inicio las muñecas Kokeshi se crearon para ser más que un souvenir para las niñas.  Las opiniones acerca del significado espiritual de estas muñecas varía.  Muchos coinciden que las Kokeshis representan el deseo de un niño sano, otros opinan que son una forma de acercar a los niños a los espíritus de la montaña.   Hay versiones que afirman que las Kokeshis se solían intercambiar como un detalle de amistad porque llevaban  un mensajes oculto en su interior.

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Kokeshi de un nino símbolo de la juventud y la prosperidad. Japón, 1930.

 

 

Las primeras muñecas Kokeshi se caracterizaron por tener un cuerpo recto hecho con un simple pedazo de madera de cerezo  pintada a mano con trazos sencillos.  Además tenían una cabeza significativamente más grande que el cuerpo.  Desde estas primeras muñecas, las Kokeshis han pasado por una gran transformación en cuanto al diseño que fue tornándose cada vez más detallista, diverso y más fiel a la figura humana hasta llegar a lo que son las nuevas Kokeshis que puedes encontrar en tiendas de Japón y de diversos países del mundo.  Sin embargo, no han perdido su esencia, es decir, siguen siendo hechas a mano usando métodos y materiales tradicionales y no tienen brazos ni piernas, como las pioneras.  Puedes encontrar incluso Kokeshis temáticas para celebrar diversas ocasiones , Kokeshis que representan diversas actividades y profesiones y Kokeshis convertidas en algún personaje de ficción.  En definitiva, las Kokeshis actuales son el regalo perfecto para toda ocasión,

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Kokeshi del artista japonés Ogura Shogo (1934-1992). Japón 1930.

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Kokeshi que representa a un nino. Japón, 1930.

Selección de Kokeshis fabricadas entre 1960 a 1990:

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Kokeshi ballerina y caballero.

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Grupo de Kokeshis de variados modelos.

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Miniaturas Kokeshi de 4 cm. de alto.

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Miniaturas Kokeshi de sólo 2 cm. de alto.

Aunque desde un inicio la Kokeshi fue creada para las niñas, es reconocida hoy en dia en la pieza de arte folclórico más popular de Japón y es sumamente apreciada por los coleccionistas.  Cada septiembre, se lleva a cabo en Naruko, Japón, un festival de la muñeca Kokeshi.  Como parte de esta festividad se quema la  Kokeshi no deseada  en una pira.

Te invito a ver este interesante video:

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Patricia

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Te puede interesar esta feria de anticuarios

Si lo tuyo son los objetos con historia, libros usados y todo tipo de antigüedades, no te puedes perder la Feria de Antucuarios de Providencia. En esta ocasión se instalarán 33 locatarios provenientes de la calle Caupolicán (Barrio Italia), cuatro libreros de la Av. Providencia, un distribuidor de vinilos, y por primera vez estarán […]

a través de En enero los anticuarios se toman Providencia —

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Porcelanas que nos muestran el folclore de los pueblos

Hola:

Después de haber abandonado una semana mi Blog por la playa y las fiestas de fin de año, regreso a él para mostrarte una de las facetas de las porcelanas antiguas.  En este Blog ya hemos visto algunas de ellas, como la sensualidad de las porcelanas Art Decó, o las que nos enseñan la historia del vestido o aquellas que nos muestran el estilo de vida de otras épocas.  Esta vez veremos piezas  que fueron hábilmente creadas en distintas décadas y que representan bailes y danzas folclóricas de diversos pueblos.  Estas interesantes piezas se distinguen por su gran movimiento, gracia y colorido.  Vamos a conocerlas.

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Porcelana iridiscente que representa la danza húngara Csardas. Fábrica de porcelana húngara Zsolnay, 1930.

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Porcelana que representa una danza búlgara fabricada en Bulgaria en 1940.

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Danza húngara. Pieza creada por el artista Lux Elek para la fábrica húngara Herend  en 1940.

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Bailarina de danza clásica. Nota el encaje de porcelana del vestido. Fabricada por la Cía. alemana Dresden Volckstedt y creada por el artista Ackermann Fritze entre 1900 y 1940.

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Danza victoriana. Pieza de porcelana alemana Dresden Volkstedt de 1940.

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Danza china Uigur. Pieza de porcelana china de 1950.

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Danza de Indonesia. Pieza de porcelana soviética creada por el artista Kiselev en 1950.

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Danza mejicana creada por la escultora rusa Bogdanova O.M. para la fábrica soviética Dulevo en 1950.

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Danza ucraniana fabricada por la Cía. soviética Kiev en 1950.

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Danza húngara. Pieza de la fábrica húngara Hollohaza en 1960.

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Danza rusa. Pieza de la fábrica soviética Pzhk en 1970.

 

Espero que hayas disfrutado el  Post.  No te olvides que puedes calificarlo o comentar su contenido.  Aprovecho para desearte un año 2017 positivo en todo sentido y en el que veas cristalizados todos tus proyectos.

Patricia

 

 

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Cascanueces: de herramienta utilitaria a personaje navideño

Hola:

Los cascanueces se crearon, como muchos otros inventos, para satisfacer una necesidad del hombre.  En este caso, contar con una herramienta que le facilite abrir las duras cáscaras de las nueces y avellanas y así alimentarse de su contenido.  Esta búsqueda del instrumento adecuado para este fín, hizo que el hombre desde tiempos muy remotos utilizara piedras con formas que le permitan abrir los frutos secos.  Los antropólogos han encontrado en Estados Unidos y Europa piezas de piedra de 8,000 años de antigüedad que, según parece, se usaron para abrir nueces.

Poco a poco se perfeccionaron los cascanueces y se fueron creando piezas con distintas formas y materiales como madera, bronce y otros metales, y se les dió forma de pinzas y tenazas.  El cascanueces de metal más antiguo lo encuentras en  el Museo de Cascanueces de Taranto, Italia, que data del 200 aC y que fue encontrado en Roma.

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Cascanueces de bronce en forma de lagarto. USA, 1800.

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Cascanueces de bronce en forma de dragón Naga, China 1850.

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Cascanueces de bronce en forma de dragón Naga, China 1850.

 

Durante el periodo 1700 y 1800, artesanos austriacos, suizos y del norte de Italia empezaron a tallar la madera para crear cascanueces en forma de personajes y animales.

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Cascanueces de madera y hierro. Francia, 1850.

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Cascanueces de madera tallada . Austria, 1930.

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Cascanueces de madera tallada. Suiza, 1930.

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Cascanueces de madera tallada. Suiza, 19330.

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Cascanueces Art Decó en forma de elefante, material ,madera tallada. USA, 1930.

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Cascanueces Art Decó en forma de elefante, material ,madera tallada. USA, 1930.

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Cascanueces de madera en forma de mujer. Polinesia, 1950.

Alrededor de 1800 se lanzaron al mercado en Alemania los cascanueces en forma de soldados y reyes como los conocemos hoy en día y que tienen una función más que nada decorativa para tiempo de Navidad.  No se sabe a ciencia cierta cuál es la relación que vincula a los cascanueces con esta importante fiesta de la cristiandad.

Para ponernos a tono con la Navidad, te dejo con este video que muestra una fabulosa colección privada de 500 cascanueces.

 

Espero que te haya gustado el Post.  Puedes calificarlo, compartirlo con tus amigos y hacer comentarios. Que tengas una Noche Buena con mucha salud, en paz y en armonía y unidad familiar.

 

Patricia

Galería

Los Floreros Abanico

Hola:

A mediados del siglo XIX surge un nuevo estilo de floreros de porcelana inspirados en los abanicos y que se fabricaron en Europa , principalmente en Francia, Alemania, Inglaterra y Austria.  Algunos llevaban flores y hojas en alto relieve, otros estaban decorados a mano con diversos diseños y llevaban además adornos de pan de oro, como estos floreros:

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Floreros abanico de porcelana con flores y hojas en alto relieve. Francia, 1850.

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Duo de floreros abanico en porcelana Vieux Paris con decoraciones en pan de oro. Francia, 1850.

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Florero abanico Victoriano de porcelana pintada a mano y bordes en pan de oro.

Durante el movimiento Art Nouveau (1890-1910) se lanzaron al mercado floreros abanico fabricados en plata 925 finamente labrada y calada.

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Florero abanico estilo Art Nouveau en plata labrada y calada..

Más adelante los artistas del  movimiento Art Decó (’20-’30) empezaron a crear floreros abanico de vidrio transparente, lechoso e iridiscente.  En los ’50s estos floreros de vidrio alcanzaron gran popularidad en Estados Unidos, gracias a las piezas fabricadas por la compañía Fenton Glass Co.