Los porta agujas de coser antiguos

En tiempos en que prima la tecnología, una gran industria que mueve millones como la “haute couture” o alta costura aún depende en gran medida de algo que parece simple: la costura a mano.  Los grandes diseñadores  logran sofisticados y elegantes diseños gracias a las hábiles manos de sus costureras, quienes aportan esos detalles perfeccionistas que distinguen una prenda de alta costura.

Coser a mano ha sido una actividad de siempre, prueba de ello es que la aguja de coser tiene una antigüedad de 40.000 años.  Las primeras agujas fueron esculpidas en hueso y más adelante en el año 5,500 a. C. , tras el descubrimiento de los metales, se hicieron de cobre, bronce y hierro.  Se cree que durante la Edad Media los chinos fueron los primeros en utilizar agujas de acero para coser a mano.  Las primeras agujas de metal con ojo fabricadas en serie salieron al mercado en 1826.

Para coser a mano se utilizan diversas agujas de diferente  tamaño, grosor y forma dependiendo de la labor a realizar.  Por ejemplo, para hilvanar se usan agujas largas, las agujas finas de ojo pequeñito se utilizan para coser aplicaciones de lentejuelas o pedrería, para coser las texturas gruesas se suele utilizar agujas de mayor grosor.  También hay agujas cortas que nos facilitan la costura de puntadas finas.  Los bordados se elaboran con agujas de ojo grande para que se pueda ensartar en ellas más de una hebra.   Cuando se cose con lana, las agujas a utilizar son más gruesas y con un ojo suficientemente grande para ensartar la lana.  En cuanto a los zurcidos, éstos se pueden  coser con unas agujas especiales que tienen la punta plana.

Para mantener todas las agujas de coser juntas, sin que se dañen ni se pierdan por ser objetos bastante pequeños, surge la necesidad de ponerlas en un estuche o porta agujas.  En este Post veremos algunos porta agujas antiguos, de diversos tamaños y formas, elaborados en distintos materiales como plata, oro, bronce, madreperla, madera, porcelana y hueso que se han convertido en verdaderas joyas para los coleccionistas.

Porta agujas de plata en forma de soldados. Alemania 1880.

Porta agujas de bronce y madre perla tallada con querubines. Francia, siglo XVIII.

Porta agujas de bronce en forma de diosa. India 1800s.

Porta agujas de oro. Francia 1809.

Porta agujas de madre perla tallada en forma de perro. Francia siglo XIX.

Antiguo porta agujas de bronce con tela bordada. Origen, Rusia.

Porta agujas de madera en forma de nino. Inglaterra 1880.

Porta agujas de bronce en forma de carretilla de minero. Inglaterra 1870.

Porta agujas de cacho. Alemania 1860.

Porta agujas de madera en forma de bailarín bávaro. Alemania 1900s.

Porta agujas de hueso. Inglaterra 1800s.

Porta agujas de porcelana y cierre de bronce. Francia 1800s.

Porta agujas de plata. Estados Unidos 1890.

Porta agujas de plata de la imagen de Juana de Arco. Alemania 1880.

Porta agujas de plata y lapis lazuli. Inglaterra 1890.

Cuál es tu preferido?  Me encantara recibir tus comentarios.  No olvides que puedes calificar y compartir este Post con tus amigos. Hasta el próximo Post.

 

Patricia

 

Coleccionando a la inolvidable Lady Di

 

El 31 de Agosto pasado se cumplieron 20 años del fallecimiento de Lady Diana Spencer, la “Princesa del Pueblo”.  Se han escrito y se siguen escribiendo ríos de tinta acerca de esta mujer que resulta para muchos tan especial e inolvidable por su belleza, elegancia y esa calidez única que la hacía tan cercana a la gente.  Ni la propia Diana ni los miembros de la Casa Real Windsor jamás imaginaron la fama y notoriedad que llegaría a alcanzar en todo el mundo.  Desde este Blog vamos a ver una serie de objetos de colección que los admiradores de Lady Di adquieren, atesoran e incrementan a través del tiempo, como una forma de seguir admirándola y de tenerla presente en sus vidas.

En los ’80s se rumoreó que Diana había tenido un romance con el cantante canadiense Bryan Adams, quien fascinado por la Princesa creó una canción especialmente para ella que incluyó en su disco de 1984.

Disco vinyl de 45 rpm de Bryan Adams que incluye la canción Diana. Canadá 1984.

 

Otros CDs que se lanzaron al mercado mundial en honor a Lady Di.

Elton John «Candle in the Wind». Inglaterra, 1997 (Diana, Princess of Wales) CD Single.

DIANA PRINCESS OF WALES TRIBUTE 1997. Es la reunión de canciones de artistas preferidos por la Princesa.

VERA MANN Diana, De Musical CD. Holanda, 2001.

 

Diana en su época fue la mujer más fotografiada del mundo y aún hoy se siguen comercializando fotografías originales de ella por internet, como éstas.

Diana Princess of Wales, a la edad de 17, con amigas del College en Suiza, 1978.

Una joven Diana corriendo por las calles de Londres vistiendo su uniforme de profesora de Kindergarten.

 

La popularidad de Diana fue tal que su imagen aparecía constantemente en las portadas de revistas de todo el mundo que hoy son material de colección.  Tras su muerte, muchas de estas revistas lanzaron una edición especial como tributo a Diana en 1997.

Diana portada de la revista Elle «Our tribute to Diana – we celebrate a style icon», 1997.

Portada de la revista People «The Diana Interviews» de octubre de 1997.

Portada de la revista Harpers Bazaar » Tributo a una Princesa» de 1997.

 

Las alhajas de Diana fueron copiadas y comercializadas e incluso hoy se puede adquirir por Ebay, por ejemplo, copia del anillo de compromiso que recibió Diana por parte del Príncipe Carlos.  El set se vende con pendientes y collar que está elaborado en oro blanco y diamantes. Su precio es 12,999 Dólares Americanos,

 

Monedas y medalla en honor a Diana y a su matrimonio con el Príncipe Carlos de Inglaterra.

Moneda de oro de £5 Libras de 1999.

Moneda de oro de £25 Libras conmemorando el quinto aniversario de la muerte de Diana.

Medalla de plata de 1981 conmemorando el matrimonio de Diana y el Príncipe Carlos.

 

A continuación diversos objetos de colección que evocan la memoria de Diana.

Muneca con cuerpo de porcelana. Diana vistiendo uno de sus vestidos más famosos. Fabricada en China.

Colección de BEANIE BEARS LADY DI.

Copia de la licencia de conducir de Diana.

Estampilla de Bután que celebra el 21 cumpleanos de la Princesa Diana.

Figura de porcelana Royal Doulton en honor a Diana. Inglaterra 1997.

Muneca con cuerpo de porcelana de Diana vestida de novia.

Muneca recortable con la imagen de Diana. Suecia en 1980.

Tarjeta de invitación firmada por la Princesa Diana.

 

Antes de convertirse en Princesa, Diana fue contratada como ninera por esta mujer quien relata esa experiencia.  Lo que cuenta en la entrevista nos permite conocer algo más acerca de Diana y su calidad como persona.

 

Los británicos recordaron a Diana mediante una exposición de sus vestidos en Londres titulada  «Diana, su vida a través de la moda».  La exposición brindó una selección de los bellos vestidos que la Princesa lució en diversas ocasiones y que demuestran su buen gusto y el por qué se le denominó ícono de estilo.

 

En definitiva Diana no ha pasado por este mundo en vano y su recuerdo perdura en los corazones de millones de personas en todo el planeta.  Unos prefieren recordarla por su belleza y estilo, mientras otros no pueden olvidar su cercanía al pueblo y a los más necesitados a través de su apoyo decidido a diversas obras humanitarias.

Espero que hayas disfrutado el Post, puedes compartirlo con tus amigos.  Hasta el próximo Post.

Patricia

Los hermosos lamparines victorianos

Siempre me han atraído los lamparines victorianos, me encantan sus diversas formas, estilos y materiales que aún hoy en día resultan decorativos.  Además estas piezas fueron muy útiles porque con ellas se iluminaron los diversos ambientes  durante el período de 1837 a 1901, es decir, en la Época Victoriana.

Hasta antes de 1860 se utilizaron lamparines que funcionaban quemando aceite de colza pero luego surgieron los lamparines de parafina, cuyo funcionamiento era mucho más simple pues requería sólo de una mecha de algodón.  La parafina (que se deriva del petróleo) se extrajo de Escocia en la década de 1840.   A partir de 1859 el precio de la parafina  se redujo  notablemente, gracias a que por ese entonces brotó abundante petróleo del suelo de Tennessee y Texas.  Este boom del petróleo  hizo más popular el uso de los lamparines de parafina en Europa y fuera de ella.

Durante la Época Victoriana se lanzaron al mercado desde simples lamparines de mano portátiles hasta enormes lámparas de suspensión de hierro fundido .  En el medio habían lamparines de mesa de todos los tamaños, lámparas estándar que se podían elevar y bajar telescópicamente, lámparas de vestíbulo como linternas colgantes, lámparas de columpios, luces de noche para el cuarto de niños,  lámparas de púlpito y pequeñas lámparas de piano.  En este Post veremos algunos modelos de lamparines de mesa fabricados durante la Época Victoriana.

Los fabricantes daban mucha importancia al cuerpo de un lámparín de mesa, al que podían dar forma de globo, de cúpula o de tulipán, ya que sus formas se reflejaban en la sombra.  Además el cuerpo por lo general estaba hecho con cristal de opalina semi-translúcido.  Los lamparines más decorativos eran de vidrio teñido, con motivos florales grabados o arenados y moldeados en forma de espirales.

Los lámparines victorianos más baratos tenían tanto el recipiente para el combustible (parafina)  como el cuerpo del lamparín del mismo material, que podía ser de vidrio, latón o hierro fundido.

Lamparín victoriano de vidrio transparente, fabricado en Inglaterra.

Lamparín victoriano con botella de vidrio transparente y base de vidrio de leche labrado, fabricado en Inglaterra.

Los lamparines  más decorativos estaban fabricados con vidrio  liso, vidrio con la decoración grabada o pintada y vidrio teñido en colores delicados.  Son muy apreciadas las piezas que tienen magníficas cubiertas de vidrio cortado sobre una columna iónica o corintia de latón, bronce o placa de plata.

Lamparín victoriano, tiene fanal de vidrio de leche, el cuerpo es de vidrio transparente y la base es una columna corintia de bronce, fabricado en Inglaterra.

Para muchos los lamparines de mesa victorianos más finos fueron los que fabricó la compañía inglesa Royal Burslain elaborados con cerámica y porcelana.  Estos lamparines se consideran obras de arte porque cada pieza tenía un estilo individualista.   Royal Worcester, la más antigua fábrica de porcelana inglesa,  creó durante ese período hermosos lamparines en pareja que eran en forma de urna, bellamente decorados al estilo de sus conocidos utensilios de mesa porque el objetivo era que los lamparines armonicen y complementen sus exquisitos servicios de cena.

Lamparín victoriano con fanal de vidrio de leche, el cuerpo es de porcelana Royal Worcester pintada a mano con camelias, la base es de bronce, fabricado en Inglaterra.

Lamparín victoriano, el fanal es de vidrio labrado, el cuerpo de cerámica Doulton Burslem, la base es de cobre, fabricado en Inglaterra.

Muchos modelos que aún están disponibles en casas de antigüedades, mercados de pulgas y venta vía internet se venden con su sistema original de encendido con mecha y otros se han equipado con rosca para que se enciendan mediante bombillas eléctricas.

Ahora disfrutemos viendo otros modelos de estos fabulosos lamparines victorianos.

Lamparín victoriano con fanal de vidrio labrado, base de bronce combinado con vidrio opalina rosado y pintado a mano con querubines y flores. Fabricado en Inglaterra.

Lamparín victoriano con fanal de vidrio labrado, como base lleva un busto de bronce de Gambetta, el 37 Primer Ministro de Francia, fabricado en Francia.

Lamparín victoriano con fanal forma de tulipán y cuerpo ambos de cristal arándano, base de cobre, Fabricado en Inglaterra.

Lamparín victoriano con fanal y cuerpo de vidrio de leche pintados a mano, la base es de hierro forjado. Fabricado en Estados Unidos.

Pareja de lamparines victorianos, tienen fanal de vidrio mate decorado y base de bronce decorada con botellas de porcelana Dresden. Fabricados en Francia.

Lamparín victoriano, tiene fanal de cristal arándano en forma de tulipán, el cuerpo también es de cristal arándano y blanco, La base es de cerámica y cobre, Fabricado en Inglaterra.

Lamparines victorianos fabricados en Estados Unidos durante la Época Victoriana.  Estos lamparines se inspiraron en los fabricados en Inglaterra pero adoptaron su propio estilo.

Lamparín publicitario de una fábrica de lamparines de parafina ubicada en Escocia. Tiene fanal de vidrio de leche pintado a mano con los detalles de la publicidad, cuerpo de bronce en forma de columna corintia y decorado con globo de vidrio transparente labrado.

 

Lamparín victoriano publicitario de una fabrica de lamparines de parafina de Escocia. Tiene base con columna corintia y adorno de globo de vidrio labrado.

Lamparín victoriano publicitario de una fábrica de lamparines de parafina de Escocia. Tiene fanal de vidrio de leche pintado a mano con la publicidad. cuerpo de bronce decorado con bola de vidrio transparente labrado.

 

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Patricia

El admirable artista peruano Félix Espinoza Vargas

 

“No me siento capaz de hacerlo”,  ¿quién no se ha dicho esto a sí mismo alguna vez?  La historia del peruano Félix Espinoza Vargas es muy inspiradora y es un claro ejemplo de que con constancia y espíritu de superación podemos hacer realidad todas nuestras metas.

Espinoza no cuenta con sus dos brazos desde su nacimiento y además a causa de un accidente perdió una de sus piernas.   Su situación, más allá de desalentarlo,  lo convirtió en un luchador en potencia. La falta de sus extremidades no fue impedimento para que aprenda a valerse por sí mismo.  A los cuatro años descubrió que le gustaba la pintura artística y desde ese momento recibió mucho apoyo de su madre adoptiva (de nacionalidad alemana).  Ella animó a Félix a estudiar en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú, en la que fue admitido en la especialidad de Pintura en 1974.  Gracias a su tenacidad, Félix se convirtió en un excelente acuarelista utilizando su boca y un pincel para hacer sus trazos y crear hermosas obras.  No contento con ello y empujado por su actitud emprendedora,  decidió explorar otros campos del arte, como verás más adelante.

El artista plástico peruano Félix Espinoza.

Se puede decir que Espinoza, a sus 62 años, tiene una vida plena, ha alcanzado sus metas en lo personal y en lo profesional.  Cuenta con el amor de su esposa Dina y de sus dos hijas.  Es profesor de arte, conferencista en Perú y en el extranjero y ha realizado estudios en Inglaterra, México, U.S.A., España, Cuba y Austria; en las técnicas de:  pintura, litografía, cerámica, acuarela, talla en madera y mural.  Además es un ávido nadador y practica este deporte en las aguas del Océano Pacífico.  Durante sus más de 30 años de trayectoria, ha realizado 160 exposiciones, entre colectivas e individuales.  En sus obras prefiere los temas costumbristas inspirados en paisajes serranos de Cuzco, Arequipa, Puno y Huancayo, aunque también ha explorado otros temas en sus creaciones.

Conocí a Félix Espinoza en un centro comercial de Lima hace pocos días.  Tiene montada una mini exposición de su arte afuera de una tienda de libros.  Me impresionó en cuanto lo ví porque es una persona que irradia positivismo y despierta admiración.  Creo que las imágenes pueden brindarte una mejor descripción de su arte.  Éstas son las fotografías que pude tomar durante nuestro encuentro.

Mediante este vídeo podrás apreciar más ampliamente el talento artístico de Espinoza.

 

Si te interesa contactar con Félix Espinoza, su e-mail es felixespinoza_63@hotmail.com  y su celular es 984336886.

Espero que hayas disfrutado el Post. Si deseas, puedes compartirlo con tus amigos.  Tus comentarios y/o aportes son bienvenidos.  Hasta el próximo Post.

 

Patricia

Los elegantes relojes de bolsillo para damas

El reloj de bolsillo es un objeto muy tradicional que a pesar de que fue inventado hace muchos siglos se resiste a extinguirse.  Prueba de ello, los relojeros siguen fabricándolos, con el fin de satisfacer un público que aún demanda  estos relojes que nos evocan un pasado de elegancia y glamur.  Otros, prefieren coleccionar relojes de bolsillo de los siglos XVI, XVII, XVIII y XIX como objetos para uso personal o simplemente por el placer de tenerlos.  En este Post revisaremos la historia de los relojes de bolsillo para damas.

La tradición nos dice que el reloj de bolsillo fue inventado por Peter Henlein en Nüremberg en el año 1511.  En esa ciudad,  Alemania contaba con grandes artesanos  que hábilmente fabricaban pequeñísimas piezas de hierro para los nuevos relojes portátiles.   Francia no se quedó atrás y por esa misma época creó lindos relojes de bolsillo en la ciudad de Blois y Lyon.

Los relojes de bolsillo fueron muy populares durante varios siglos hasta que fueron desplazados por los relojes de pulsera que surgieron a principios del siglo XX.  Antes de esto,  sólo los acaudalados miembros de la nobleza europea  podían acceder a comprar los costosos relojes de bolsillo.  Así, las mujeres nobles pudieron adquirir finas y hermosas piezas que se fabricaron especialmente para ellas.   Como en esas épocas la vestimenta femenina no tenía  bolsillos, los fabricantes crearon relojes colgantes, es decir, visibles.  Por este motivo  relojeros y  joyeros trabajaron en conjunto para concebir verdaderas joyas, que reflejaban el estatus y el poder económico de sus dueñas.  No es hasta el siglo XVIII que se empezaron a fabricar relojes de bolsillo en masa y se abarataron los costos.

Seguro te preguntarás cómo puedes reconocer un antiguo reloj de bolsillo para dama sin confundirlo  con uno para hombre.   Pues deberás tomar en cuenta lo siguiente:

• Cierres de cazador. Provee una capa extra de protección al cristal del reloj de bolsillo para evitar roturas.  Un cierre de medio cazador deja una pequeña parte de la cara del reloj al descubierto para que su dueña pueda ver la hora sin abrir la tapa.  En cambio, un cierre de doble cazador encierra completamente el reloj y puedeabrirse por la parte superior para ver el tiempo.  Ésta es la principal diferencia con los relojes de bolsillo para hombres que por lo general cuentan con la cara al descubierto.   
• Caras Analógicas. Estos relojes utilizan caras analógicas, en lugar de digitales, que indican la hora y minutos usando números en la esfera del reloj.  Algunos fabricantes usaban números romanos o símbolos en lugar de números reales, e incluían también un seguimiento de la fecha.
• Cubierta que es una joya. Muchos relojes de bolsillo para damas cuentan con una cubierta que es una joya, especialmente los de la época victoriana (siglo XIX) que están adornados con piedras preciosas de gran tamaño, incluyendo carísimos diamantes.
• Cadena Colgante. La principal característica de un reloj de bolsillo para dama es la cadena colgante.  El reloj en sí es colgante con una cadena que suele ser lujosa, de diseños delicados y con piedras preciosas para dotar de brillo a la pieza y así destacar su valor.

Veamos ahora algunas piezas interesantes:

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18K . Lleva bordes y querubín pintado a mano. Suiza 1880s.

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18K . Está esmaltado y tiene un querubín pintado a mano. Suiza 1880s.

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18K . Está esmaltado y tiene un querubín pintado a mano. Suiza 1880s.

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18K marca, Patek Philippe para Tiffany &Co. Estados Unidos 1890.

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18K marca Patek Philippe para Tiffany & Co. Estados Unidos 1890.

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18K marca Patek Philippe para Tiffany & Co. Estados Unidos 1890.

 

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18K . Tiene esmaltado multicolor. Fue fabricado por Theodore Melly. Suiza 1810.

 

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18K . Tiene esmaltado multicolor. Fue fabricado por Theodore Melly. Suiza 1810.

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18K . Tiene esmaltado multicolor. Fue fabricado por Theodore Melly. Suiza 1810.

 

Reloj de bolsillo para dama, elaborado en plata 925, fabricado por Spindeluhr Verge Fusee. Francia 1800.

Reloj de bolsillo para dama, elaborado en plata 925, fabricado por Spindeluhr Verge Fusee. Francia 1800.

Reloj de bolsillo para dama, elaborado en plata 925, fabricado por Spindeluhr Verge Fusee. Francia 1800.

 

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro 18 kilates. Tiene retrato esmaltado en su interior. Este modelo se hizo para que las damas tengan el retrato de su pareja en algo tan personal como su reloj. Suiza 1900.

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro 18 kilates. Tiene retrato esmaltado en su interior. Este modelo se hizo para que las damas tengan el retrato de su pareja en el reloj. Suiza 1900.

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro 18 kilates. Tiene retrato esmaltado en su interior. Este modelo se hizo para que las damas tengan el retrato de su pareja en el reloj. Suiza 1900.

 

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18k. Está esmaltado en la tapa y tiene diamantes incrustados en ella. Suiza 1896.

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18k. Está esmaltado y tiene diamantes incrustados. Suiza 1896.

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18k. Está esmaltado y tiene diamantes. Suiza 1896.

 

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18K. Tiene diamantes y una perla. La flor está esmaltada en negro y la tapa lleva flores y hojas en alto relieve de oro y esmaltado negro de fondo. Suiza 1890.

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18K. Tiene diamantes y una perla. La flor está esmaltada en negro. Suiza 1890.

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18K. El metal se ha repujado en estilo Art Nouveau. Fabricado por Lapel Watch &Matching. Suiza 1909.

 

Reloj de bolsillo para dama elaborado en oro de 18K. Está repujado en estilo Art Nouveau. Fabricado por Lapel Watch &Matching. Suiza 1909.

 

Reloj de bolsillo para dama y estuche de cristal y bronce. Este reloj victoriano es de plata 925. Francia 1890.

 

Reloj de bolsillo para dama elaborado en plata con estuche de cristal y bronce. Estilo Victoriano. Francia 1880.

Reloj de bolsillo para dama y estuche de cristal y bronce. Este reloj victoriano es de plata 925. Francia 1890.

 

De seguro que tendrás algún reloj preferido.  Espero tus comentarios y/o aportes.  Hasta el próximo Post.

 

Patricia

Los Floreros Tulipán

La última semana del mes de julio siempre es de mucho relajo y celebración en mi país (Perú) porque festejamos nuestras fiestas patrias.  Terminado todo ese jubileo, vuelvo a la realidad y a mi querido Blog para ofrecerte un Post acerca de unas piezas que fueron muy  populares en el siglo XVII: los floreros tulipán.  Sigue leyendo para saber más de ellos.

A fines del siglo XVI ingresaron bulbos de tulipanes a los Países Bajos y con ellos surgió un nuevo fenómeno cultural que influyó en el arte, la orfebrería y las porcelanas.  Estas flores se pusieron tan de moda que los precios de los tulipanes llegaron a superar al del oro.   Como parte de esta moda en los 1600s, los ceramistas holandeses  crearon valiosos floreros de un peculiar diseño , que además de ser decorativos,  servían para colocar en ellos los apreciados y bellos tulipanes por separado, de tal forma que cada flor tuviese su lugar en el florero.  La idea era producir piezas tan finas y valiosas como las flores que se exhibían en ellos. Por ese entonces , la gente presumía de sus suntuosos jarrones que competían en belleza con  los carísimos tulipanes.

La porcelana Delftware se originó en la ciudad de Delft en los Países Bajos y fue la que fabricó los primeros floreros tulipán en porcelana blanca con decorados en el azul característico de esta porcelana.  Los floreros tulipán podían ser redondos, cuadrados u ovalados y de diversos tamaños.  Los más grandes, quizás inspirados en la torre Nanjing,  solían tener  varios pisos formados por elementos apilables que podían alcanzar más de 1,5 metros de altura.   Se fabricaron por pisos ya que sus creadores no fueron capaces de trabajarlos en una sola pieza.   Todos los floreros tulipán estaban  provistos, en sus distintos niveles,  de agujeros con un ligero cuello para colocar cada flor y así exhibirlas en todo su esplendor.   En el vídeo puedes apreciar un florero tulipán de varios pisos.

China fabricó en el siglo XVII  réplicas de los floreros tulipán originales, que luego la empresa holandesa Dutch East India Company  importó para comercializarlos en Europa, tomando en consideración que las fábricas de los Países Bajos no pudieron superar la calidad de las porcelanas chinas.  Más adelante surgieron versiones de los floreros tulipán en otros países de Europa como Francia e Italia y en materiales diversos como porcelana, cerámica, plata y vidrio.

Los jarrones tulipán marcaron toda una época no sólo por ser parte del fenómeno de los tulipanes en el siglo XVII, sino también porque fueron señal de galmur y estatus para la clase social alta. Veamos ahora por qué fueron tan famosos.

Floreros fabricados en los Países Bajos

Floreros tulipán piramidal de gran tamano ,  tal como lucen con flores puestas. Holanda, siglo XVII.

 

Florero tulipán alto y para múltipkes flores. Holanda, siglo XVII.

Florero tulipán para ocho flores. Lleva decoración de aves a los lados y dibujo de querubín, flores y hojas. Delft 1687-1701.

Florero tulipán con corona en la parte superior. Holanda 1690s.

Florero tulipán para cinco flores. Holanda 1700-1720.

Florero tulipán para cinco flores firmado APK por Adriaen Pynacker. Holanda, principios XVIII.

Florero tulipán de plata para tres flores. Tiene repujado en alto relieve de flores, pájaros y escena campestre. Holanda 1861.

Floreros fabricados en otros países

Florero tulipán de porcelana para tres flores. Francia siglo XIX.

Florero tulipán de porcelana para cinco flores. Francia 1890.

Florero tulipán de porcelana y pintado a mano. Fabricado por Jules Verlingues Factory en Desvres, Francia alrededor de 1910.

Florero tulipán para cinco flores. Cerámica pintada a mano con escena pastoral. Francia fines del siglo XIX.

Floreros tulipán para cuatro flores de porcelana china, se exportaba a Europa en el siglo XVIII y principios del XIX.

Florero tulipán para tres flores. Vidrio murano opalina y vaselina. Francia, fines de 1800.

Espero hayas disfrutado el Post. Si te gustó, puedes compartirlo y dejar tus comentarios. Hasta el próximo Post.

 

Patricia

 

El aporte de Reynaldo Luza al mundo de la moda

Nuestro Mario Testino, considerado el mejor fotógrafo del mundo y gran orgullo del Perú, no es el único peruano que ha alcanzado el éxito en el elegante, competitivo y glamoroso  mundo de la moda.  Mucho antes que Testino, el polifacético artista Reynaldo Luza (Lima, 1893) logró gran notoriedad  en ciudades como París, Londres y Nueva York durante las décadas del 20, 30 y 40.

El artista peruano Reynaldo Luza

Reynaldo Luza,  al término de sus estudios secundarios, se inclinó por la arquitectura y entró a la antigua Escuela de Ingenieros de Lima.  Luego viajó a Europa con el fin de estudiar en la Universidad de Lovaina, en Bélgica, pero se vió obligado a retornar al Perú ante el inicio de la Gran Guerra.  A su regreso,  Luza poco a poco se hizo de un lugar importante en revistas peruanas como Variedades, Cultura y Monos y Monadas,  gracias a su gran talento para el dibujo.

Se dice que el éxito es de los que se atreven, así lo entendió  Reynaldo Luza porque no dudó en abrirse nuevos caminos y se mudó a Nueva York.  En norteamérica logró su objetivo porque la oportunidad que tanto buscaba vino a él.  En su camino se cruzó un publicista que buscaba desesperadamente alguien que pudiese  diseñar un aviso publicitario para la famosa revista de moda Vogue.  Encargó el trabajo a Luza y éste hizo un dibujo que le cambió la vida  porque lo convirtió en el diseñador permanente de esa famosa revista.  El éxito le sonreía y volcó todo su talento en grandes portadas para Vogue.  La competencia no tardó en reaccionar, la también famosa revista de moda Harper’s Bazaar lo contrató y Luza cooperó con ella durante 30 años, lo que le permitió llevar una vida de sofisticación inimaginable.  París, Londres y Nueva York se rindieron ante su talento como ilustrador y dibujante.

Luza se autodefinía un “artista” y no un pintor, ya que solía decir “un pintor que a los 60 años presentaba lo mismo que hacía a los 20, no desarrollaba nada; en cambio, un verdadero artista prueba diferentes aspectos dentro de las artes, va mutando, cambiando.”  Luza no sólo se dedicó a la ilustración de moda, también exploró otras facetas como caricaturas, retratos, decoración y pintura y en esto radica su gran aporte al arte.   Además, Luza llevaba a todas partes una cámara Rolleiflex con la que reunió un asombroso trabajo de documentación fotográfica que fue descubierto recién tres décadas después de su muerte, ocurrida en 1978, y que se recoge en el libro “Luza. Fotografía inédita”.  A pesar de su evidente talento,  Luza nunca se consideró un fotógrafo, sino un sobreviviente de esa evolución de imágenes de la moda parisina que de ilustraciones pasó a a fotografías.

En este Post nos centraremos en conocer algunos trabajos que muestran el gran talento de Reynaldo Luza y su aporte a la moda, como ilustraciones en revistas, afiches publicitarios y fotografías.

PORTADAS DE FAMOSAS REVISTAS

Portada de Marie Claire de 1927, ilustración de Reynaldo Luza.

Portada de la revista Vogue de 1927, lustración de Reynaldo Luza.

Portada de la revista Marie Claire de 1927, ilustración de Reynaldo Luza.

Portada de la revista Harper’s Bazaar de 1930 , ilustración de Reynaldo Luza.

Fotografía de Reynaldo Luza para portada de la revista Vogue de 1950.

 

POSTERS PUBLICITARIOS

ILUSTRACIONES DE REVISTAS DE MODA

Espero que hayas disfrutado el Post sobretodo si eres amante del arte y de la moda.  Tus comentarios son bienvenidos,  Hasta el próximo Post.

Patricia

 

Mecedora: el mueble tradicional por excelencia

 

Hay un mueble útil, confortable y que nunca pasa de moda… sí, adivinaste, me refiero a la MECEDORA.    Te preguntarás qué hay detrás de esta silla tan popular, pues mucha historia que en este Post voy a compartir contigo.

Los americanos se sienten muy orgullosos por haber inventado este fabuloso mueble que se ha convertido en una pieza de eterna vigencia.  Sin embargo, no se sabe a ciencia cierta quién fabricó la primera mecedora y en qué fecha.  Existe una leyenda americana que cuenta que en 1787 Benjamín Franklin fue el primero que tuvo una silla provista de balancines pero no hay evidencia de que esto sea cierto.  Además, la historia da cuenta que William Savery, un antiguo fabricante inglés de muebles, publicó un anuncio en 1774 en el que ofrecía colocar balancines a las sillas por un chelín y seis peniques.

En la década de los 60s las mecedoras tuvieron un resurgimiento y se pusieron de moda nuevamente.  Fueron muy populares por aquella época las mecedoras del tipo presidente Kennedy.  Sin embargo, desde el siglo XVIII los fabricantes de muebles ya habían empezado a colocar excelentes balancines debajo de las sillas para hacerlas mas cómodas y relajantes.

El estilo Windsor que surgió en 1830 fue muy popular, también el estilo de respaldo de listones, así como el de balaustre.  Los balancines se ponían haciendo unas muescas en las patas de la silla, donde después se fijaban los balancines.  La mayoría de las mecedoras tenían brazos pero también las hubo sin éstos. Posteriormente se fabricaron mecedoras con tapiz sólo en el respaldo y otras que estaban tapizadas en el respaldo y asiento.  Se diseñaron también mecedoras de madera con esterilla, de bambú, de metal y de mimbre.   Vamos a hacer ahora un recorrido por los distintos estilos de mecedoras que han ido surgiendo a través del tiempo.

Mecedoras de los 1700s

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Mecedora para infante, fabricada en 1770s aproximadamente, durante el periodo de George II de Inglaterra. Elaborada en madera roble.

Mecedora estilo Nueva Inglaterra fabricada en estados Unidos a fines de 1700, está elaborada totalmente en madera.

Mecedora que se fabricaba en Inglaterra entre finales de 1700 e inicios de 1800. Está elaborada en madera pino, estilo campestre, con tapiz de terciopelo en el respaldo y asiento.

 

Mecedoras de los 1800s

Mecedora de bronce estilo Windsor, data de de 1850, fabricada en Estados Unidos.

Mecedora para infante que se fabricó entre 1800 y 1899 en los Estados Unidos, tiene respaldo y brazos de ratán, asiento de madera y mimbre y base de madera, esta pieza la fabricó Wakefield Rattan Co.

Mecedora fabricada entre 1800 y 1899 en los Estados Unidos, tiene estructura de madera roble tigre con talla en la cabecera, hermoso capitoné de cuero en el respaldo y tela en el asiento.

Mecedora que se fabricó entre 1800 y 1899 en los Estados Unidos, en madera ébano, fabricada por American Empire.

Mecedora fabricada entre 1800 y 1899 en los Estados Unidos, tiene estructura de madera nuez, con talla en la cabecera y tapiz de tela.

 

Mecedoras de 1900 a 1950

Mecedora fabricada entre 1900 y 1930 en los Estados Unidos, material mimbre, fabricada por HEYWOOD BROS.

Mecedora Eduardina fabricada en Inglaterra entre 1900 y 1950, está elaborada en madera caoba con adornos torneados y tapiz en respaldo, asiento y brazos.

Mecedora fabricada en Estados Unidos entre 1900 y 1950, elaborada en madera roble, con talla y torneado.

Mecedora estilo Art Decó, fue fabricada en Estados Unidos en 1930. Está elaborada en madera roble y tapizada en Tweed Harris amarillo.

Mecedora fabricada entre 1930 y 1940 en Dinamarca, elaborada en madera cerezo, fue disenada por Axel O Larsen.

Mecedora de bronce fabricada en Estados Unidos en 1950, para usar en el jardín, tiene tejido de vinyl en respaldo y asiento, este modelo lo disenó Walter Lamb.

Mecedora fabricada en 1950 en Francia, la estructura es de madera pintada en color hueso y tiene algo de talla. El tapiz del asiento y respaldo es en terciopelo.

Mecedora para infante fabricada en Estados Unidos en 1950, tiene estructura de madera y tapiz vinyl color naranja en el asiento y el respaldo. Los lados de madera llevan un hueco para poner las manos y ayudar a que la silla se mueva.

 

Mecedora escandinava fabricada en Dinamarca en 1950, tiene estructura de madera, asiento forrado de vinyl y base de fierro y madera.

Mecedoras de los 60s

Mecedora de bambú y ratán fabricada en Estados Unidos en los 60s.

Mecedora estilo Windsor fabricada en Inglaterra en los 60s. Fue disenada por Lena Larsson.

 

Parece que las mecedoras es uno de esos inventos en los que más de uno se atribuye haberlos creado, en todo caso se trata de un mueble que nos sigue aportando comodidad y decoración en casa.   De las vistas, ¿cuál es tu favorita?

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Patricia

Las mesitas Pop Art

Durante los últimos años de la década de 1950 surge un movimiento en Inglaterra y en los Estados Unidos que protestó de alguna manera en contra del Expresionismo Abstracto  por considerarlo vacío y elitista.  Nace así el Pop Art  (o Arte Popular) que se expresaba mediante imágenes tomadas de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas, con el fin de mostrar una postura estética o quizás una crítica de la sociedad de consumo, de ahí el nombre que adoptó de Pop Art.

Para traducir el nuevo Pop Art en decoración, se utilizó en los ambientes mucho colorido y un elemento de color neutro para lograr el  contraste.  También se usaron  piezas y detalles llamativos que dieran un efecto de  luz y vida a los ambientes.  El estilo optó por pintar las paredes  en colores nunca antes usados como  lila, fucsia, rosa, naranja, verde y blanco aunque también cubrió las paredes  con empapelados de figuras geométricas y rayas.   En resumen, la decoración Pop Art se distinguió por  romper  el molde de lo establecido hasta ese momento en cuanto al diseño de interiores, que venía utilizando un estilo conservador como norma para decorar los ambientes.  La decoración Pop Art alcanzó su mayor popularidad durante la década de los años 60s.

Los muebles y los cuadros llamativos fueron el sello de la decoración Pop Art, como las mesitas de madera para macetas que tenían varios niveles y cuyos tableros se revestían con fórmica de colores contrastantes o con mosaicos.  Los tableros de estas mesitas  eran de formas geométricas y llevaban bordes metálicos.  Estas piezas se fabricaron en Alemania, Austria y Dinamarca y hoy en día se siguen vendiendo estas originales mesas de los 50s en los mercados de pulgas o se pueden adquirir copias en tiendas de decoración.  Actualmente estas mesitas no solamente son usadas para poner macetas, sino para servir café y colocar adornos.  Veamos algunas piezas.

Mesita Pop Art de cuatro niveles. Los tableros de madera están forrados en fórmica multicolor. Dinamarca 50s.

Mesita Pop Art con cuatro niveles, tableros forrados en fórmica blanca y rejilla de metal. Alemania, Era Rockabilly, 50s.

Mesita Pop Art de nueve niveles, tableros de madera forrados en fórmica blanca y roja. Alemania 50s.

Mesita Pop Art trípode con tableros geométricos forrados en fórmica de colores contrastantes. Alemania 50s.

Mesita Pop Art de cinco niveles y tablero de fórmica blanca. Alemania 50s.

Mesita Pop Art de madera y tablero revestido en mosaico en forma de flor. Alemania 50s.

Mesita Pop Art con cuatro niveles, tableros forrados en fórmica de colores contrastantes y rejilla de metal. Alemania, Era Rockabilly, 50s.

Mesita Pop Art de cinco niveles con tableros forrados en fórmica de distintos colores. Alemania 50s.

Mesita Pop Art de cuatro niveles, tablero forrado en fórmica color marrón. Dinamarca 50s.

 

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Patricia

 

 

La historia de los oficios a través de las porcelanas

Me encantan las figuras de porcelana porque ellas no solamente aportan belleza y calidad, sino que son como un libro abierto que nos enseñan tantas cosas interesantes, como por ejemplo aquellas que han quedado como testimonio de la historia del vestido y que vimos en este Post anterior  https://bigbenantiguedades.wordpress.com/2015/08/04/la-historia-del-vestido-a-traves-de-las-porcelanas/

Esta vez quiero presentarte una selección de piezas de porcelana  que nos transportan a diferentes épocas para mostrarnos cómo hombres y mujeres, en su búsqueda de ganar un sustento y poner en práctica sus habilidades, se han dedicado a diversos oficios, ocupaciones o profesiones durante la historia de la humanidad.  Las figuras de porcelana que vamos a ver provienen de distintos países y fueron fabricadas en diversas épocas. Algunas de ellas se han pintadas a mano y fueron diseñadas por hábiles artesanos de cerámica y otras se fabricaron en serie.  Vamos a conocerlas.

LEñADOR

Lenador de porcelana Rusia 1910.

 

CAMPESINOS 

Campesinos arando la tierra. cerámica alemana.

Campesina de porcelana china disenada por Lin Wei Dong.

 

ORDEñADORES

Ordenadora de porcelana, Alemania 1930.

Ordenadora de porcelana estilo makkum, Alemania 1850-1899.

 

CAZADOR

Cazador de porcelana Grafenthal , Alemania mediados 1930.

 

PROFESOR DE MÚSICA

Profesor de música y su alumna en porcelana Grafenthal, Alemania 1930.

 

VENDEDOR DE PARAGUAS

Vendedor de paraguas de porcelana , Alemania 1950.

 

VENDEDOR DE CINTAS

Vendedor de cintas en porcelana francesa 1950.

 

ZAPATEROS

Zapatero de porcelana Rudolstadt Ernst Bohne Sohne, Alemania 1900.

Zapateros de porcelana bisquit, Alemania 1950.

 

MILITAR

Soldado francés de 1815 en porcelana Frankenthal Wessel , Alemania 1930.

 

BAILARINA FRANCESA DE CANCAN

Bailarina francesa de cancan en porcelana Royal Dux, República Checa.

 

BAILARINA DE BALLET

Bailarina de ballet de la companía Franz Witter, Alemania 1940.

 

COSTURERA

Costurera de porcelana de la fábrica Polonnoe PZHK , Rusia 1960.

 

ARLEQUÍN

Arlequin de porcelana Verbilki , Rusia 1950.

 

TORERO

Torero de porcelana de fábrica Leningrad Rusia 1950

 

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Patricia

 

 

La glamorosa decoración Hollywood Regency

El estilo de decoración Hollywood Regency  nació durante la era de oro del cine norteamericano, es decir, hace varias décadas.  Los grandes diseñadores de interiores del mundo, como Kelly Wearstler y Jonathan Adler, han revivido con fuerza este estilo, cada uno creando su propia versión que refleja todo el talento y el buen gusto que los ha hecho famosos.

 

Decoración Hollywood Regency creada por el famoso disenador de interiores Jonathan Adler.

http://www.jonathanadler.com

La decoración Hollywood Regency absorbió todo el estilo, el glamour y el brillo que reinó en los sets de Hollywood durante los años ‘20s y ‘30s.  Este estilo dramático, teatral y glamoroso lo entendió muy bien el actor (que se convirtió en diseñador) William Haines y sus contemporáneos Dorothy Draper y Billy Baldwin, todos ellos pioneros de este estilo de decoración.   Las personas fueron el centro de atención de la decoración Hollywood Regency.   Para lograrlo, el estilo enfatizó el uso de sillones y sofás  que no opacaran a las personas, sino más bien que las hicieran sentir confortables y las inviten a la tertulia.  Las texturas se inspiraron en el vestir de las estrellas de cine, quienes se presentaban en la pantalla con vestidos de seda, batas de raso y estolas de piel.  Para lograr un efecto similar, la decoración Hollywood Regency utilizó la gamuza, el terciopelo y la chenilla para forrar sofás y sillones, por ser texturas sumamente suaves para el tacto pero gruesas y opulentas a la vista.  Los textiles venían en colores turquesa, fucsia, mandarina y púrpura real y también con estampados de animales,  rayas anchas y figuras geométricas.

Par de sillones para ubicarlos al lado de la chimenea en un salón de decoración Hollywood Regency. Fabricados por Grosfeld House. Estados Unidos 1930.

 

Sillones art déco tallados y forrados en terciopelo con flores de seda para decoración Hollywood Regency. Francia 1920s.

Este estilo buscó un matiz dramático, utilizando muebles de inspiración art déco y neoclásica con un aire más moderno y estilizado.  Las sillas, bares, mesas y otros muebles auxiliares destacaron por su superficie brillante y por sus colores intensos como rojo tomate, azul prusiano y verde Kelly.   Fueron muy usadas las mesas de sala con estructuras de bronce.   Las paredes de los ambientes se solían cubrír con papel tapiz y los pisos tipo arlequín blanco y negro eran el sello del estilo.

Mueble de estilo chino en color verde Kelly. Decoración Hollywood Regency. Estados Unidos 1930s.

Base de mesa de café, esculpida en forma de flor en metal banado en bronce. Decoración Hollywood Regency. USA 1930s.

Hermosa mesa de metal banada en bronce en forma de racimo de hojas y flores de lavanda y tablero de vidrio. Decoración Hollywood Regency. Estados Unidos 1920s a 1950s

La decoración Hollywood Regency hizo uso del Chinoiserie (término francés que significa estilo de influencia china) y copió las escenografías de las grandes producciones que utilizaron papel tapiz, muebles y accesorios de decoración de influencia china.

Abundaron en la decoración Hollywood Regency los espejos exuberantes con marcos tallados y los muros y muebles estilo art déco cubiertos con espejos.  Lámparas de cristal voluptuosas decoraron los techos y sobre las mesas destacaban  lámparas de metal y de cerámica, éstas últimas de colores brillantes y también fueron populares las que tenían formas de animales.   El ambiente se salpicaba con adornos de cerámica de colores que no pasaban inadvertidos.

Decoración Hollywood Regency con tocador art déco.

Licoreras de cristal de burbujas color ámbar para decoracion Hollywood Regency. Estados Unidos 1940.

Lámpara de cristal y bronce para decoración Hollywood Regency. Estados Unidos, 1930.

Decoración de living al estilo Hollywood Regency.

Comedor Hollywood Regency.

El mérito de la decoración Hollywood Regency fue ser fiel a su estilo glamoroso y sofisticado inspirado en la era de oro del cine, creando ambientes refinados y de elegancia impecable  pero cuidando el balance entre el minimalismo y el exceso.  Además fue una decoración que apostó por reflejar la personalidad y el buen gusto de sus dueños.

Y tú, ¿te sientes identificado con este estilo de decoración?  ¿te atreverías a crear espacios en tu casa con decoración Hollywood Regency?

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Patricia

Conoce el arte de Guido Cacciapuoti

Hola:

En este Post conoceremos a Guido Cacciapuoti, un talentoso ceramista italiano, cuyo estilo muy propio, me encanta.  Guido nació en Nápoles en el siglo XIX (el 11 de agosto de 1892) y llegó a la cúspide de su carrera durante las décadas de 1920 y 1930.  Este artista desciende de una antigua familia italiana de excelentes ceramistas, de quienes Guido aprendió todos los secretos del arte de esculpir, pintar a mano y trabajar la cerámica.

En 1915 Cacciapuoti participó con éxito en la Exposición de Arte de Treviso y más adelante en 1920 presentó  algunas obras en la XII Bienal de Venecia.  Al año siguiente participó en la Exposición Regional de Arte de Treviso.  Entre las fábricas de cerámica donde desplegó su arte se encuentran G.J. Elcod, Lazzar y Marcon en Treviso.  Tras la nueva popularidad que estaba gozando, famosos de la época empezaron a comprar sus obras como el príncipe  Jorge de Inglaterra, Benito Mussolini, Achille Starace y el mismísimo rey de Italia.

En 1927, Guido junto con su hermano Mario y con Angelo Bignami, que se desempeñó como  director administrativo y comercial de la empresa, fundó la fábrica «Porcelana Arte Cacciapuoti Bignami & C.» en Milán, Italia, que alcanzó un éxito inmediato,  gracias a sus esculturas de animales y sus bustos de estilo Art Déco.  Luego de la muerte de su hermano Mario en 1930, se convirtió en el único propietario de la empresa.  Guido Cacciapuoti murió en 1953.

Te dejo con algunas obras de Guido Cacciapuoti que te mostrarán todo el talento, estilo y habilidad de este artista italiano.

Fabulosos bustos de estilo Art Déco

Escultura estilo Art Déco en porcelana pintada a mano, de 30 cm. de alto, creada por Guido Cacciapuoti para la fábrica Cía. G J Elcod, 1920s.  Observa el gran detalle del estampado de flores.

Gran busto de geisha de 30 cm de alto,en porcelana pintada a mano, escultura de Guido Cacciapuoti para la fábrica Cía. G J Elcod, 1930s.

Escultura de busto femenino en terracota de 19 cm. de alto, creado por Guido Cacciapuoti, 1930s.

 

Esculturas de animales

Gato de porcelana de 26 cm. de largo, escultura de Guido Cacciapuoti, 1930s.

Caballos en terracota de 26 cm. de largo, escultura de Guido Cacciapuoti, 1930s.

 

Esculturas de porcelana biscuit pintadas a mano de mujeres utilizando las faldas Victorianas llamadas «crinolinas».  Estas figuras muestran el particular estilo de Cacciapuoti que difiere de las clásicas figuras de porcelana francesa, alemana, inglesa y de otros países europeos.

Dama usando crinolina y mirándose al espejo, mide 25 cm. de alto, esculpida y pintada a mano por Guido Cacciapuoti en porcelana biscuit, 1930s.

Dama usando crinolina y mirándose al espejo, mide 20 cm. de alto, esculpida y pintada a mano por Guido Cacciapuoti en porcelana biscuit, 1930s.

Dama con crinolina y canastas de flores, de 20 cm. de alto, en porcelana biscuit, esculpida y pintada a mano por Guido Cacciapuoti, 1930s.

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Patricia

 

Los Medallones Art Nouveau

Hola:

Los medallones que crearon los joyeros para las mujeres más elegantes de fines del siglo XIX y de inicios del siglo XX, fueron fieles exponentes del estilo que caracterizó el movimiento Art Nouveau que imperó durante la llamada Bélle Epoque.  Los diseñadores crearon estas joyas utilizando diferentes metales como oro (de 10, 12, 14, 18 y 24 kilates), plata y bronce bañado en oro o plata.  Algunos se decoraron con porcelana, con camafeos de coral, marfil y otros materiales y con piedras preciosas como diamantes, rubíes y esmeraldas.

Abundaron los medallones de rostros y bustos femeninos y de diosas mitológicas con cabellera ondulante,  así como de motivos relacionados con la naturaleza como flores, hojas y pájaros característicos del Art Nouveau.   Estuvieron de moda durante la Bélle Epoque los medallones para llevar dentro una o varias fotografías, así como un mechón o rizo de cabello de la pareja o de un ser querido.  Se crearon también medallones calados, en ellos se colocaba una fotografía o una pequeñísima almohadilla para empaparla de perfume, el cual podía expandir su aroma a través del calado.  Esto debido a la escasez de agua en Europa durante la Bélle Epoque y de esa manera compensar la falta de higiene.  Te invito a ver algunas piezas que he seleccionado para tí.

Medallones con rostros y bustos femeninos

Medallón Art Nouveau de oro de 18 k. y 70 diamantes. Francia, principios de 1900.

Medallón Art Nouveau de oro amarillo de 14K decorado con un rostro de mujer aporcelanado, fabricado por Alling Co, Estados Unidos,1910

Medallón Art Nouveau de oro amarillo de 18k con incrustaciones de diamantes, disenado por el joyero L. Janvier. Francia, 1878.

Medallón Art Nouveau de oro amarillo de 18K, decorado con un perfil clásico del estilo Art Nouveau, tiene diamantes incrustados. Francia, 1890s.

Medallón Art Nouveau de oro de 14 k. y un diamante, lleva una mujer en porcelana. Estados Unidos, principios de 1900.

Medallones para llevar en ellos fotos o mechón de cabello

 Puedes hacer click en las fotos para ampliarla o leer la descripción.

Medallón Art Nouveau enchapado en oro y amatista, fabricado por Carter, Qvarnstrom & Remington of Attleboro, Estados Unidos 1910 .

Medallón Art Nouveau enchapado en oro y amatista, fabricado por Carter, Qvarnstrom & Remington of Attleboro, Estados Unidos 1910 .

Medallón Art Nouveau de bronce enchapado en oro, decorado con flor de liz y piedritas falsas. Francia, principios 1900.

Medallón Art Nouveau de bronce enchapado en oro, decorado con flor de liz y piedritas falsas. Francia, principios 1900 .

Medallón Art Nouveau de bronce enchapado en plata 925. Francia, principios de 1900.

Medallón Art Nouveau de oro amarillo de 10k. Estados Unidos, 1910 .

Medallón Art Nouveau de oro de 14 k con incrustaciones de rubíes y demantoides, San Petersburgo – Moscú, 1908.

Medallón Art Nouveau de oro de 18 k. Estados Unidos, 1910.

Medallón Art Nouveau de oro rojo de 14k y diamantes. Rusia, 1908.

Medallón Art Nouveau de plata 900 para guardar tres fotografías, Austria, principios 1900.

Medallón Art Nouveau de plata 925. Estados Unidos,1905.

Medallón calados para llevar una foto o una pequeñísima almohadilla empapada de perfume.

Medallón Art Nouveau calado en plata 925 con figura de dama de cabello largo y flores y hojas. Francia, principios 1900.

Medallón con camafeo

 

Medallón Art Nouveau de oro de 12 k. y camafeo con el busto de Diana (diosa mitológica de la caza) en coral. Estados Unidos, 1890.

Te invito a leer este Post que se publicó hace un tiempo y en el que se trató el tema de los camafeos:

Escogiendo un Camafeo Antiguo

Seguro que después de ver estos medallones Art Nouveau, tendrás algún preferido.

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Patricia

Tocando el cielo en el Restobar La Basílica 640

Hola:

Hace unos días se realizó el partido de fútbol en el que se disputó la final de la Champions League.  Por la diferencia de horario entre Perú y Europa, en Lima se vería el partido a la 1.30 de la tarde, hora propicia para almorzar disfrutando el  partido.  En este Post no hablaré de fútbol , aunque me gusta mucho, sino que les mostraré un peculiar lugar donde tuve la idea de comer un rico almuerzo, mientras veía la final de la Champions.

El Restobar La Basílica 640 fue el elegido, se trata de un restaurante que está abierto desde el medio día y que también funciona en la noche, hasta las 3 de la madrugada.  La decoración de este Restobar es temática e inspirada en la famosa novela de Dante “La Divina Comedia”, la idea es que quien lo visite pueda estar en contacto con tres ambientes:  el cielo, el infierno y el purgatorio en el mismo lugar.  Desde la fachada, La Basílica 640 tiene un aire de iglesia, con vitrales, techo alto y una cúpula en la parte más alta.

Ni bien ingresas, te sientes en un lugar especial que te atrapa inmediantamente gracias a los diversos elementos que conforman la decoración, que han sido escogidos y pensados en detalle para lograr el efecto de cielo, infierno y purgatorio pero sin saturar mucho el ambiente, con el fin de que el visitante tenga una nueva experiencia sin dejar de sentirse a gusto.  El ambiente de ingreso es el “Purgatorio”, encuentras sillas y sillones cómodos de estilo clásico, mucha madera que aporta calidez al lugar, mármol, una imponente barra, paredes de ladrillos rústicos, un órgano como de iglesia suspendido en una esquina que es donde se coloca el DJ, una rockola, una escultura de ángel como saliendo de la pared cerca del techo, grandes vitrales, y otros detalles más que podemos ver en las siguientes fotos.

Vitral con la imagen de ángeles luchando con el demonio.

Rockola con el logo e imagen de La Basílica.

Detalle del bar. Escultura del ángel bueno y el malo (con cachitos).

Bar de madera tallada con las flamas del infierno.

Órgano de iglesia suspendido en una esquina donde se ubicael DJ.

Ángel saliendo de la pared y vitrales en la parte superior.

Cabeza de buey cromada.

El “Cielo” se ubica en el mezzanine.  Los techos han sido cubiertos con gigantografías de las famosas pinturas de Miguel  Ángel en la Capilla Sixtina y al centro se ha colocado una imponente lámpara de cúpula.   Además en medio de este ambiente también hay un especie de árbol que evoca el paraíso. Decoran el lugar un portón antiguo que se supone es la puerta de ingreso al cielo y unos ángeles plateados cerca de ella.  También hay una barra en este ambiente.

En el techo gigantografías de las pinturas de Miguel Ángel de la Capilla Sixtina.

En la parte posterior del primer piso se encuentra el “Infierno”.  El techo alto ha facilitado la colocación de una gran lámpara de vidrio color fuego encendido.  Se lucen grandes ventanales con vitrales donde Lucifer es el gran protagonista.  Un cuadro de la última cena llama la atención porque las caras de los apóstoles han sido cambiadas por diversos personajes que son tristemente célebres por no haber sido precisamente unos angelitos como Hitler, Fidel Castro, Sadam Husein y otros.

Quedé satisfecha con la comida, ordené fideos a la huancaína con lomo, pedí la carne con cocimiento medio y me la trajeron como la había pedido.  Lo acompañé con una copa de vino tinto. No pude terminármelo todo porque estaba pensando que debía tener espacio en mi estómago para disfrutar del Volcán de Chocolate (que viene con dos bolas de helado) que había ordenado.  Disfruté mi almuerzo mientras seguía lo que ocurría en la final de la Champions en los televisores donde normalmente se ponen vídeos de música.   En Perú tenemos nuestras preferencias, algunos apoyábamos al Real Madrid y otros, a la Juventus.  Así que los comensales que estábamos en La Basílica 640 en esos momentos nos emocionamos con los goles como si hubiésemos estado en Gales.

Por la noche se sirve cena y demás piqueos para acompañar los tragos.  Puedes elegir, por ejemplo, entre  más de doce diferentes Chilcanos de pisco macerados y muchos otros tragos con nombres relacionados con la temática del Restobar.

Te recomiendo  pasar un buen momento en pareja o con amigos en La Basílica 640 por varias razones,  este Restobar ofrece una carta variada así como tragos para todos los gustos, los precios son razonables, el  lugar es diferente y acogedor y la atención suele ser esmerada.  En los fines de semana en ocasiones se ofrece música en vivo.  La Basílica 640 se ubica en la Avenida Primavera 640, Chacarilla, Santiago de Surco, Lima- Perú.  Te dejo ahora con un vídeo para que te hagas una idea de lo que te trae este Restobar.

 

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Patricia

Audrey Hepburn: ícono del cine y de la moda

Hola:

El pasado 4 de mayo Audrey Hepburn hubiese cumplido 88 años, a pesar del tiempo transcurrido, nadie la olvida.  Y es que Audrey  es recordada no sólo por su belleza de cariz angelical y elegancia innata, sino también por haber sido una excelente actriz, pues a ella le llovieron los reconocimientos a su trabajo.  Para muestra un botón, sólo en  1953 obtuvo un Oscar, un BAFTA y un Globo de Oro por la película Vacaciones en Roma, además de un Tony por la obra Ondine.  La admiración que despertó en el mundo entero la convirtió en un ícono del cine y de la moda.  Su figura alta y estilizada, sus enormes ojos almendrados y ese hermoso cuello de cisne que poseía, le dieron un aire de fragilidad e imagen etérea  que la hicieron única en Hollywood.

Audrey nació en Bélgica, como producto de un matrimonio entre un inglés y una baronesa holandesa.  De pequeña sufrió mucho por el hecho de tener un padre que nunca le expresó cariño y que la abandonó, lo que marcó su vida y la convirtió en una persona triste y melancólica.  A ello se sumaron las privaciones y el hambre que tuvo que soportar durante la Guerra, al punto de verse obligada a comer galletas para perros. Todas estas experiencias dejaron una herida en su alma, cuando ya era famosa Audrey se negó a aceptar el papel de Anna en la película El Diario de Anna Frank, con el fin de no revivir lo que deseaba olvidar.  Quizás para mitigar su tristeza ella solía fumar  tres cajetillas de cigarillos al día, excesos que le pasaron factura luego, pues falleció a los 64 años víctima de cancer.

Este ícono de Hollywood vivió a su manera, tuvo dos fracasos matrimoniales, de esas experiencias decía que “los esposos pasan pero los hijos quedan” y se convirtió en una madre magnífica para sus dos hijos.  Además, no dejó nunca que el éxito la hiciera olvidar aquellas carencias afectivas y el hambre que sufrió alguna vez.   Su espíritu solidario y compasivo la llevó a ser embajadora de la Unicef en los últimos años de su vida.   Su legado filantrópico sigue vigente y ahora es Sean,  su hijo mayor, quien está al frente de su fundación  Audrey Hepburn Childhood.

El mundo se resiste a olvidar a Audrey  y  los motivos sobran, sus admiradores no dejan de adquirir souvenirs y una variedad de objetos de colección que evocan  su memoria, veamos algunos de ellos:

Estampilla souvenir de Audrey Hepburn. Estados Unidos 2003.

Inusual postal de Audrey Hepburn de 1965.

Moneda de oro con la imagen de Audrey Hepburn que conmemora los cien anos del cine, Inglaterra 1995.

Long Play autografiado por Audrey Hepburn & George Peppard, protagonistas de la película Breakfast at Tiffany’s.

Muneca de porcelana Audrey Hepburn que luce el look de la película My Fair Lady, mide 26 pulgadas de alto, fabricada por OOAK Margie Herrera.

Muneca Barbie Audrey Hepburn de 1995. Recuerda su personaje Eliza Doolittle de la película My Fair Lady.

 

Sombrero y aretes que lució Audrey Hepburn en la película Breakfast at Tiffany’s cuyas copias se siguen vendiendo.

Audrey Hepburn con el sombrero y aretes que lució en la película Breakfast at Tiffany’s.

Copia de los aretes.

Copia del sombrero y aretes que lució Audrey Hepburn en la película Breakfast at Tiffany’s.

Jarra de cerámica con busto de Audrey Hepburn, Inglaterra 1980.

 

Éste es uno de los muchos libros que sobre el ícono del cine y de la moda se han publicado con la autoría de diversos escritores, en distintos idiomas y que se han vendido en todo el mundo.

Libro «Una princesa en la corte de Hollywood» basado en la vida de Audrey Hepburn , autor Juan Tejero , Espana 2010.

 

Durante las décadas de 1950 y 1960, Audrey Hepburn fue la imagen preferida que acaparó las carátulas de las más famosas revistas de moda y espectáculos.

Revista Harper’s Bazaar, Estados Unidos, mayo 1957, con foto de Audrey Hepburn en la carátula por Richard Avedon.

Revista Vogue, de noviembre de 1964 , con foto en la carátula de Audrey Hepburn por Irving Penn.

Revista Harper’s Bazaar de abril 1956 que lleva en la caratula una foto de Audrey Hepburn por Richard Avedon.

Revista COSMOPOLITAN USA de gosto 1961. Lleva en la carátula una foto de Audrey Hepburn por Richard Avedon.

 

Los posters originales de las películas protagonizadas por Audrey Hepburn son las piezas de colección más buscadas y mejor pagadas por los coleccionistas. Los precios oscilan entre los 5,000 y 10,000 dólares, dependiendo de su estado de conservación.

Poster original de 1954 de la película Sabrina protagonizada por Audrey Hepburn, Humphrey Bogart y William Holden.

Poster original de 1953 de la película ROMAN HOLIDAY protagonizada por Audrey Hepburn y Gregory Peck.

Poster original de la película Breakfast at Tiffany’s de 1961 protagonizada por Audrey Hepburn.

Poster original de 1957 del musical Funny Face protagonizado por Audrey Hepburn y Fred Astaire.

 

El siguiente es uno de los objetos de colección más costosos del mercado.  Está a la venta por Ebay en US$9,375.

Playbill de la obra teatral de Broadway GIGI protagonizada por Audrey Hepburn y Michael Evans, con autógrafo original de Audrey, 1952.

 

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Patricia

El Art Déco Jazz

Hola:

La generación perdida fue aquella cuyos hombres y mujeres dejaron de existir entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial.  Aún en esta época de entreguerras, es decir los veinte y los treinta, París fue el punto focal del lujo,  el estilo y la moda y es ahí donde se germinó el movimiento artístico Art Déco, que marcó un antes y un después dentro de la historia del arte.  Su influencia fue tal que en los últimos años de la década de los 20 y durante los 30, el Art Déco se extendió a los Estados Unidos y al resto del mundo.  Los años de entreguerras tuvieron su lugar en la historia como los «años Locos» y la «Belle Epoque».

La generación de “los años locos” dejó atrás las prioridades y objetivos de sus abuelos y padres para dar paso a la época del Art Déco.   Fue la era del glamour y del jazz, música que tuvo una gran influencia en este estilo.  Se dió una amalgama entre el  Fox-Trot, el Charleston, la música negra Jazz, la crisis del 29 y el «New Deal» de los Estados Unidos .    Fue la época de grandes salas de baile donde  el «dandy» de bigote recortado, cabello engomado y esmoquin se movía como pez en el agua en los clubes nocturnos, enamorando  a las mujeres de boca menuda que estaban peinadas a la «garzón», usando sombreros encasquetados y  vestidos cortos de telas ligeras. Las mujeres mostraban las piernas sin el menor pudor y fumaban y bebían en señal de rebeldía.   Las salas de espectáculos se iluminaban con líneas de luz geométricas que oscilaban al compás de las grandes bandas y orquestas, que tocaban nuevos ritmos rápidos y cadenciosos que empujaban a todos a la pista de baile.

Ahora veamos de qué manera el Jazz tuvo influencia en el arte, las porcelanas, las joyas, la fotografía, la moda, el mobiliario, así como una diversidad de artículos que han quedado como testimonios de aquellos años locos con sed de diversión y de una gran creatividad artística llamada “Art Déco Jazz”.

FOTOGRAFÍA:

Fotografía de la era Art Deco Jazz. La imagen es de Helen Twelvetrees, una de las 13 Wampas Baby Flapper Stars. Estados Unidos, 1929.

JOYERÍA:

Aretes de plata 925 Art Déco Jazz con vidrio color amatista. Estados Unidos 1930s.

Collar de plata 925 y piedras topaz de la era Art Deco Jazz. Estados Unidos, 1930s.

MODA durante los 20s y 30s:

Sombrero de seda y lentejuelas Art Déco Jazz. Estados Unidos, 1920s y 1930s.

Sombrero flapper con plumas de la moda Art Déco Jazz. Estados Unidos, 1920s.

Periódico de 1924 que muestra la moda Art Deco Gatsby Jazz. Francia.

Periódico de 1925 que muestra disenos de la moda Art Déco Jazz. Francia.

PORCELANAS:

Figura de porcelana Goldscheider de la era Art Déco Jazz disenada por Stefan Dakon. Austria 1929.

Músico de porcelana Rosenthal de la era Art Deco Jazz disenado por Karl Himmelstoss. Alemania, 1930.

Juego de té de porcelana Royal Winton de la era Art Déco Jazz. Inglaterra, 1930s.

PUBLICIDAD:

Postal publicitaria Art Déco Jazz de la Mexican Jazz Band en el Hotel Boirivent, Lyon, Francia 1930s.

Publicidad de la fábrica de muebles Heywood Wakefield que muestra un diseno Art Déco Jazz. Estados Unidos, 1928.

OTROS ARTÍCULOS:

Encendedor cromado de la era Art Deco Jazz. Estados Unidos, 1930.

Lámpara de vidrio lechoso con disenos geométricos del Art Déco Jazz , Inglaterra 1930s.

Figura de vidrio del grupo de jazz Black American Jazz Group Caribic fabricado por BIMINI LAUSCHA VIENNA . Estados Unidos, 1930s.

Calendario norteamericano de 1936 de la era Art Deco Jazz.

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Patricia

Los hermosos jarrones estilo Jugendstil

Hola:

Jugendstil  fue el nombre con el que se conoció el estilo Art Nouveau en Alemania y los países nórdicos.  Esta corriente de renovación artística que se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del XX (llamada «fin de siécle» y «belle époque») buscó romper con el molde de los estilos dominantes de la época como el eclecticismo, historicismo, realismo e impresionismo. Esta revolución artística se caracterizó por crear un arte totalmente nuevo, joven, más libre y moderno que se manifestó en la arquitectura, artes plásticas, joyería, muebles y diversos accesorios de decoración.  Entre estos últimos destacan hermosos y artísticos jarrones que no se fabricaron en serie y que se crearon utilizando diversos materiales.  Los jarrones Jugendstil son fácilmente identificables y en este Post veremos las diversas características que los distinguen.

Las líneas curvas y la asimetría fueron detalles que distinguieron a las piezas Jugendstil como puedes apreciar en este jarrón:

Jarrón de estilo Jugendstil. Lleva un tulipán en alto relieve. Creado por la fábrica de porcelana Max Roesler. Alemania 1890.

Las imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles fueron predominantes en este estilo.  Se enfatizaron los cabellos ondulantes y los pliegues de las vestimentas.

Jarrón estilo Jugendstil de porcelana Henkel y Rand con imagen femenina en alto relieve. El jarrón tiene el interior dorado. Alemania 1900.

Fueron frecuentes los motivos que resaltaban la belleza de la naturaleza con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.

Ánfora de estilo Jugendstil en cerámica alemana, fabricada en 1900.

Florero estilo Jugendstil de porcelana . Tiene fondo color lila, flores y hojas pintadas a mano. Alemania 1900.

Jarrón estilo Jugendstil de porcelana. Creado por la fábrica Pfeiffer & amp; Löwenstein Schlackenwerth. Austria 1850.

Se fabricaron durante la corriente Jugendstil jarrones de vidrio combinados con metal de líneas ondulantes y sinuosas.

Jarrón estilo Jugendstil de vidrio verde labrado y base de musas de metal. Alemania 1910.

Jarrón de estilo Jugendstil disenado por Karel Palda. Es de vidrio transparente, base de murano verde y cintillo de metal. Alemania 1900.

Jarrón estilo Jugendstil de vidrio color jade y adornos de bronce. Alemania 1910.

Jarrón estilo Jugendstil de vidrio mate amarillo y adornos con hojas de plaqué y lágrima de vidrio verde. Alemania 1905.

Jarrón estilo Jugendstil de vidrio pintado a mano y dibujos en alto relieve. La base es de bronce tiene patitas con garras de león . Alemania 1890.

También se fabricaron jarrones Jugendstil totalmente de vidrio de diferentes tipos como transparente, mate, iridiscente y lechoso.  Algunos estaban pintados a mano, labrados en alto relieve o decorados con pan de oro.  Se crearon además durante esta corriente jarrones de metal que normalmente llevaban dos asas y que guardaban el estilo de líneas curvas.

Jarrón estilo Jugendstil de vidrio transparente y púrpura, labrado con flores y con decoraciones en pan de oro. Alemania 1900.

Jarrón estilo Jugendstil de vidrio transparente, pintado a mano y con adornos de pan de oro. Alemania 1910.

Jarrón estilo Jugendstil de peltre.Alemania 1910.

Jarrón estilo Jugendstil de peltre. Alemania 1900.

Luego de conocer los hermosos jarrones estilo Jugendstil, de seguro tienes uno preferido.  Espero tus comentarios.  No olvides que puedes calificar este Post y/o compartirlo con tus amigos. Hasta el próximo Post.

Patricia

Antigüedades de carey

Hola:

Esta hermosa tortuga se le conoce por el nombre de “Tortuga Carey”, vive en las aguas de Indonesia y Las Indias Orientales y hoy en día se encuentra lamentablemente en peligro de extinsión debido al uso indiscriminado de su caparazón.

Tortuga Carey

El caparazón de la Tortuga Carey mide algo menos de un metro y tiene trece láminas de proteína coloreadas.  Además esta caparazón es muy fácil de separar del cuerpo de estas especies marinas, lo que hace que muchos las cacen sin limitaciones para explotar el mundialmente apreciado carey.

Ahora bien, en este Post vamos a ver algo de historia acerca del maravilloso carey y su uso en la decoración de muebles y la fabricación de diversos objetos.

Los muebles de estilo Boulle tomaron el nombre de André Charles Boulle (1642-1732), quien fue un conocido y reputado ebanista vinculado a la corte francesa, arquitecto y pintor durante el reinado de Luis XIV.  Aunque no inventó este estilo, lo perfeccionó lo suficiente como para que se le bautice con su apellido.  Los muebles de estilo Boulle consistían en piezas con taraceado y marquetería que podía ser realizadas con láminas finas de carey, caoba y latón. En la siguiente foto puedes apreciar una fabulosa pieza de estilo Boulle.

He hecho una selección de piezas antiguas realizadas con carey que pueden darte una idea de la diversidad con la que se utilizó este maravilloso material y el artístico trabajo de quien las hicieron manualmente.

Prendedor Victoriano de metal con carey 1898

Abanico europeo de carey y papel 1840.

Anteojos georgianos hechos de carey. Siglo XIX.

Antiguo juego de ganchos de cabello para kimono hechos en carey.

Antiguos botones de carey de diferentes formas y tamanos.

Caja Victoriana para tarjetas personales de plata carey y madreperla. Inglaterra, 1910.

Cofre de carey con incrustaciones de madre perla que data de 1820.

Espejo Georgiano con marco de carey que data de 1700.

Juego de tocador de plata y carey. Londres 1921.

Marco para foto de plata y carey de 1918.

Plato tallado de carey perteneciente al Periodo Meiji. Japón 1869.

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Patricia

 

El antiguo arte de trabajar la madreperla

Hola:

Luego de haberme ausentado varios días, regreso con alegría a mi querido Blog y con más ganas de escribir nuevos Posts.  Esta vez, vamos a ver el antiguo arte de esculpir la madreperla o concha de nácar.  En principio te diré que la madreperla es una sustancia dura, blanca, brillante y con reflejos iridiscentes que cubre el interior de las conchas marinas. Como la madreperla es blanda, se presta para tallarla o grabarla con facilidad. Es así que el hombre ha encontrado en este fabuloso recurso de la naturaleza un material ideal para tallar diversos objetos, desde maravillosos juegos de cubiertos, abanicos, joyas y cofres hasta muebles marqueteados o incrustados con madreperla.

En el siglo XIX se usaron mucho los colores iridiscentes de este material para adornar muebles de  papel maché, como esta mesa Victoriana de madera adornada con papel maché y marquetería de flores hechas con madreperla.

 

Caja para cigarrillos en plata con madreperla e incrustaciones de diamantes, turquesas, esmeraldas y perlas. Austria 1850.

Caja de plata para naipes revestida con madreperla y avalón. Al centro, una mujer griega tallada. USA 1890.

Binoculares para teatro en bronce y madreperla. Francia principios 1900.

Botón Art Nouveau de madreperla y oro.

Juego de cuchillería de plata y madreperla. Francia 1850.

Abanico de madreperla, seda y encaje. Francia principios de 1800.

Lámpara europea Art Nouveau de bronce, vidrio color ámbar y madreperla.

Juego de aretes y prendedor Victoriano de plata, madreperla y turquesas.

Hermosa madreperla tallada y calada. Origen, China.

Grupo de palomas de madreperla tallada (placa para pared). China 1900.

En museos y casas de antigüedades podemos encontrar interesantes objetos tallados con madreperla que provienen principalmente de China, India, Francia, Inglaterra y Austria.  Los artistas de todos estos lugares han desarrollado por siglos sus propias técnicas y estilos, que hacen que muchas veces podamos identificar la procedencia de una pieza tan sólo con verla.

Se puede utilizar el limpiaplata marca Silvo para limpiar los objetos de madreperla o también se puede usar trementina (o aguarrás).  Cuando un mueble marqueteado con madreperla pierde un pedazo de su decorado, éste se puede sustituir con una pieza de madreperla cortada con sierra de marquetería, afinándola con una lima de manera que encaje en el espacio vacío.  Se fija con resina epoxídica.

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Patricia

Exhibición de orquídeas en el Jockey Plaza de Lima

Hola:

Hoy día amanecí con el deseo de relajarme y engreirme, así que pensé en la terapia perfecta:  irme de shopping.  Me puse mis zapatos más cómodos, de esos que no los sientes en el pie, y enrumbé hacia el centro comercial Jockey Plaza, que se ubica en la Av. Javier Prado, una de las más importantes arterias de Lima, Perú.  Luego de dejar el auto en el parqueo, pasé caminando por el nuevo hall del Jockey Plaza y me topé ahí con una exhibición de orquídeas, era mi día de suerte porque estas flores me encantan.  No se trataba de una extensa exhibición de orquídeas, sin embargo, todas las que pude observar fueron suficientes para que mis ojos se sientan agradecidos.  Fue un excelente inicio de terapia de relajación, que no estaba incluído y en mis planes, pero que disfruté mucho.

La exhibición de orquídeas se titula “Mírala” y se ha puesto en marcha en homenaje a la mujer.  Reúne sólo algunas de las más de tres mil especies de orquídeas de diferente tipo con las que estas tierras ha sido bendecida.  En mi visita pude tomar estas fotos que ahora comparto contigo.

El ingreso a esta exhibición es libre y puedes tomar todas las fotos que desees.  El evento estaba programado para que dure todo el mes de marzo pero al parecer lo han extendido un poco más.  De seguro ya quedan pocos días, no te la pierdas si eres fanática de las orquídeas.  Sólo debes dirigirte al primer nivel del Nuevo Hall del Centro Comercial Jockey Plaza.

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Patricia

 

Fuente: JC Magazine.

 

Ya se vive Easter en “La Tiendecita Blanca”

Hola:

Desde que tengo uso de razón, cada vez que iba de paseo por el óvalo de Miraflores, “La Tiendecita Blanca” siempre estaba ahí, como parte de la historia de ese turístico distrito de Lima.  Y cómo no va a ser así  si desde 1936 es uno de los restaurantes más entrañables y tradicionales de la capital de Perú.  Cuando niña mis padres solían llevarme a La Tiendecita Blanca para saborear riquísimos chocolates mientras que ellos tomaban el café de rigor.

Alberto Bachmann llegó por estas tierras en los años ‘20s no para inaugurar su famoso restaurante, sino para encargarse de la panadería del Hotel Country Club de  San Isidro.  Bachmann trajo a Lima sus secretos y técnicas para preparar variedad de panes suizos ganando un tiempo después mucha fama entre los comensales del Hotel.  Ahorró y ahorró porque ya tenía en mente abrir su propio local, sueño que hizo realidad hace 81 años.  En su aventura contó con la colaboración de un primo experto en pastelería  que convenció de venir a América.  A partir de los 80s, Alberto, el único hijo de Bachmann, administra el  negocio y está al frente de 50 trabajadores.

Desde que entras a “La Tiendecita Blanca” te desconectas de nuestro ambiente limeño para sentirte por un momento como si estuvieras en uno de esos cafés de la lejana Suiza.  Pisos de marmol, puertas talladas y pintadas en distintos colores, paneles y molduras en el techo, mesas con manteles de lino blanco, una surtida barra de licores, cuadros con fotografías en blanco y negro que nos transportan a la historia del restaurante, todo bajo una iluminación tenue.    La cereza del pastel es el piano cuyas melodías resultan el fondo perfecto que no nos altera la tertulia.   Además un atento personal impecablemente vestido nos atiende como si fuésemos monarcas.

Esa mañana cuando decidí desayunar en La Tiendecita Blanca entré atraída por esta gran maceta en la terraza.  Estaba decorada con rostro y orejas de conejo y  llena de huevos de chocolate.

Ni bien ingresé al restaurante de primera entrada me recibió esta mesa ricamente decorada con una gallina de paja rodeada de una inmensa variedad de huevos de chocolate fabricados por la Tiendecita Blanca bajo técnicas suizas.

Acercarse a las vitrinas que muestran los postres más variados y los chocolates por doquier y no probarlos resulta una tentación casi irresistible.  La mayoría de los huevos de chocolate llevan unos coloridos lazos de lana de tejido incaico.  Así los turistas pueden llevarse a casa estos deliciosos souvenirs  peruano –suizos.

La Tiendecita Blanca ofrece también almuerzos y cenas.  Para el almuerzo, el restaurante brinda dos opciones de menú que incluye entrada, segundo y postre, además de platillos a la carta y piqueos para compartir como el «antipasto suizo» que consiste en una surtida fuente de quesos, aceitunas, prosciutto y mortadela, acompañada por una canasta con panecillos diversos con sabor a queso, aceitunas y finas hierbas.  A mí me encanta la delicia de salmón que incluye cortes de ese delicioso pescado ahumado sobre hojas frescas, todo servido con ensalada waldorf, crema agria y cebolla blanca finamente picada.  También encontramos en La Tiendecita Blanca los cocteles más populares de nuestro medio  como pisco sour, mojitos y chilcanos, así como sofisticados tragos como el delicioso “purple hase” preparado con fresas, albahaca, grand manier, licor de mora, zumo de cranberry y pizca de pimienta negra.

Si visitas Lima, no dejes de engreirte y saborear las delicias de La Tiendecita Blanca, no te vas a arrepentir.  El restaurante atiende los 365 días del año desde las 7 de la mañana hasta la media noche.

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Patricia

 

 

 

 

 

Los rostros de las damas Art Decó

Hola:

Durante el movimiento Art Decó que tuvo lugar desde 1920 hasta 1939, se pusieron de moda unos rostros de mujer fabricados en cerámica, terracota y porcelana que se colgaban en la pared para decorar el living, los dormitorios y otros ambientes.  Las compañías austriacas, checoslovacas, alemanas, italianas e inglesas que fabricaban estas piezas solían tener hábiles artistas que se encargaban de dar forma, expresión y color a cada rostro.

Estas decorativas piezas reflejaban las tendencias de la moda Art Decó en cuanto a peinados, sombreros, collares, pañuelos y maquillaje.  Aún hoy en día se venden en anticuarios y mercados de pulgas estos singulares rostros que son muy apreciados y buscados por los coleccionistas.  Los precios se elevan en función al estado de conservación de la pieza y si ésta está firmada o numerada.  Las más buscadas son aquellas que se consideran raras o difíciles de encontrar, que son únicas o de edición limitada.

Primero veremos algunos rostros Art Decó para colgar en la pared que han sido fabricados en terracota:

Rostro de terracota fabricado por Wiener Werkstalte. Austria, 1930s.

Rostro de terracota fabricado por Bordscorf. Checoslovaquia, 1930s..

Rostro de terracota fabricado por Keramia. Checoslovaquia, 1930s.

Rostro de cerámica posiblemente austriaca o alemana. 1930s.

Rostro de cerámica fabricada por Goldscheider. Austria, 1930.

 

Las siguientes son piezas fabricadas en cerámica con acabado vidriado:

Rostro de cerámica Ars Pulchra. Torino, Italia, 1938.

Rostro de cerámica italiana firmada. 1920.

 

Y ahora veremos una selección de rostros Art Decó en porcelana fabricada en distintos países:

Rostro de porcelana fabricado por Royal Dux . Checoslovaquia, 1930s.

Rostro de porcelana fabricada por Royal Dux. Checoslovaquia, 1930s.

Rostro de porcelana fabricada por Goebel . Alemania, 1930s.

Rostro de porcelana fabricado por Royal Belvedere. Viena, Austria, 1930s.

Rostro de porcelana fabricado por Royal Doulton. Inglaterra, 1920.

Rostro de porcelana fabricada por Royal Dux. Checoslovaquia, 1930s.

Rostro inspirado en la actriz alemana Marlene Dietrich fabricado por Beswick Ware. Inglaterra, 1934.

Rostro de porcelana Goldscheider firmada por Rudolf Knorlein. Austria, 1933.

Rostro de porcelana fabricada por Royal Dux . Checoslovaquia, 1930s.

Rostro de porcelana fabricado por Royal Dux . Checoslovaquia, 1930s.

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Patricia

 

Los Fabulosos cofres de porcelana Capodimonte

Hola:

Éste es el primer Post en mi Blog acerca de la porcelana italiana Capodimonte, así que empezaré por el principio, es decir, por sus orígenes.

En 1743, Carlos III. Rey de España, Nápoles y Sicilia, fundó unos talleres de porcelana en los terrenos de su palacio Napolitano de Capodimonte.  Estos talleres funcionaron y fabricaron piezas hasta 1759, año en que Carlos III se llevó los moldes, los modelos y hasta los mejores obreros a Madrid, donde inauguró una factoría en los jardines del Buen Retiro.

En 1771, el rey Fernando II de Nápoles volvió a establecer los talleres napolitanos.  Inicialmente, los talleres de Villa Reale, en Portico, se pusieron bajo la dirección de Nápoles, aunque dos años más tarde volvieron a esta ciudad.  Es en 1821 que la fábrica Capodimonte deja de producir porcelana y cierra sus puertas.

Las piezas Capodimonte se identifican por tener relieves figurativos pintados a mano y porque el decorado abarca una gran variedad de temas.  Al principio la porcelana Capodimonte era de estilo Rococó, aunque después su estilo se tornó Clásico.

A continuación unos tips a tomar en cuenta para saber si una pieza es auténtica o se trata de las muchas reproducciones que circulan en el mercado de antigüedades:

• Las piezas de Capodimonte de Gionori-Doccia van marcadas con una “N” que lleva una corona.
• La producción propia de Capodimonte va marcada con un lirio estampado o en azul bajo el barniz.
• Sus figuritas y otros productos esculpidos, generalmente, no van marcados.
• La producción Española del Buen Retiro lleva además una doble “C”, que después pasó a ser una N”, normalmente debajo de una corona en azul bajo el barniz. Las piezas de la época del Portico van marcadas “RF” o “FRF”.

En este Post veremos fabulosas piezas que Capodimonte creó para guardar en ellas alhajas, cosméticos y cigarillos. Aquí algunas fotografías:

Cofre de porcelana Capodimonte decorado con escenas campestres y los tradicionales querubines que marcan el estilo de las piezas de esta porcelana italiana. El cofre ha sido pintado con líneas sencillas y ondulantes que parecen un bosquejo.

 

Cofre de porcelana Capodimonte del siglo XIX.  Puedes hacer click en cada foto para verlas ampliadas y apreciar los detalles.

 

Hermoso cofre de porcelana Capodimonte del siglo XIX.  Ha sido pintado a mano con imágenes en alto relieve de jóvenes doncellas y criaturas mitológicas.

 

Artístico cofre de porcelana Capodimonte del siglo XIX  Está pintado a mano con imágenes en alto relieve de escenas mitológicas y querubines.  Además en cada esquina lleva un busto.  El interior también está decorado, en este caso con flores.

 

Cofre ovalado de porcelana Capodimonte del siglo XIX decorado con múltiples personajes y los tradicionales querubines.

 

Cofre de porcelana Capodimonte del siglo XIX pintado a mano con escena de personajes a caballo, querubines, flores y hojas.

Cofre de porcelana Capodimonte de 1920.  El interior está forrado de terciopelo.

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Patricia

Fuente:  «La Enciclopedia de las Antigüedades» , Ed. LIBSA, Madrid, 2005.

Original caja Victoriana para tabaco

Hola:

En este Post quiero mostrarte una interesante caja para tabaco que es una pieza única por su originalidad y por su notable trabajo de talla.   Se trata de una caja de madera cilíndrica cuyo cuerpo está hábilmente tallado con seis máscaras de diablo que simbolizan el ansia y la tentación por la droga.  Cada máscara representa diferentes gestos, desde el relax hasta el estrés total.  Como puedes apreciar en las siguientes fotografías, la caja tiene una tapa también de madera y que lleva tallada la Máscara de Jarra de Martin Brother.  Además la caja cuenta en su interior con un recipiente de estaño y plomo para guardar y conservar el tabaco en buen estado.

Esta inusual pieza fue fabricada en el Reino Unido en la era Victoriana y se calcula que fue creada entre 1850 y 1899.  La caja mide 23 cm de alto x 13.5 cm de diámetro.  Ahora vamos a conocer esta original pieza.

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Patricia

 

 

Fotos: Ebay

Coleccionando «EL Padrino»

Hola:

Soy fanática de las películas dramáticas y si además éstas tratan sobre gansteres , me atraen mucho más.   “El Padrino”  es una de esas películas que  ya perdí  la cuenta cuántas veces la he visto y disfrutado , es que “El Padrino” no es cualquier película, está dentro de las mejores cintas que ha producido Hollywood en toda su historia.

Fue tal el éxito de “El Padrino”, dirigida por Francis Ford Coppola  y protagonizada por el actor Marlon Brando, que después de su estreno  en 1972 se convirtió en una trilogía, siendo las dos primeras películas laureadas con varios premios Oscar.  “ El Padrino” ganó la estatuilla a mejor película en 1972, mejor actor (Marlon Brando) y mejor guión adaptado (Mario Puzo, autor de la novela que dio origen al filme, y Francis Ford Coppola).  Sin embargo, fue superada por “El Padrino II” que en 1974 se llevó seis estatuillas de las once en las que competía:  mejor película, mejor director, mejor guión (Puzo y Coppola), mejor actor de reparto (Robert de Niro), mejor banda sonora (Nino Rota y Carmine Coppola) y mejor dirección artística. No ocurrió lo mismo con “El Padrino III” que no logró ninguna estatuilla, a pesar de que fue nominada en siete categorías.

A principios de los 90s cayó en mis manos el libro “La Mamma” escrito por Mario Puzo que trata sobre una familia de inmigrantes italianos que llega a Nueva York en los años 30.  La novela es triste, gris y deprimente.  Me causó sorpresa enterarme después que la famosa trilogía “El Padrino” se basó en el libro escrito también por Mario Puzo y que llevaba el mismo nombre, así que decidí comprarme la novela.  La historia me absorvió y la disfruté en cada página.  Inmediatamente  me interesé por ver la trilogía, ya que cuando las dos primeras películas fueron estrenadas no pude verlas en  el cine porque estaba muy pequeña.  Desde ese momento “El Padrino” y “El Padrino II” se convirtieron en mis películas favoritas.  Por supuesto que muchos pasajes del libro no se plasmaron en las películas.  Hay uno en particular que me parece interesante.   Corleone (el padrino) tenía un ahijado preferido que era un cantante llamado Johnny Fontane  (que se rumoreaba era Frank Sinatra, famoso por sus conexiones con la mafia).  Según el libro, el padrino movió sus injerencias  mafiosas para hacer que la Academia de Cine le otorgue un Oscar a Fontane y lo logró, lo que fue omitió en la trilogía por expreso pedido de Sinatra.  Pienso que si este pasaje del libro se hubiese incluído en las cintas, quizás  la Academia no hubiese otorgado las estatuillas que se merecía “El Padrino” y “El Padrino II”.

Sucede que no soy la única admiradora de las cintas “El Padrino”, sino que la trilogía ha ido acumulando seguidores en todo el mundo desde su estreno a principios de los 70s.  Muchos de sus fanáticos no sólo se han conformado con tener las películas de la trilogía en casa, sino que se han convertido en coleccionistas de una serie de objetos relacionados con el “El Padrino”.  Y es en este Post que quiero compartir contigo algunos de ellos:

Colección de DVDs por el 40 aniversario de la película.

Poster oficial de la película.

Poster numerado y firmado.

Poster de edición limitada.

Disco long play con la música de la película El Padrino II firmado por Al Pacino.

Cantimplora metálica para licor.

Colección de naipes y revistas.

Diario anunciando la muerte de marlon Brando.

Fotos de edición limitada.

Llavero oficial de la película.

Muneco de Don Vito Corleone.

Pines de los protagonistas.

Placa para vehículo.

Postal blanco y negro de Marlon Brando.

Gracias a la magia de internet podemos adquirir estos objetos de colección y muchos otros más en portales como Ebay, E-offer y Amazon.

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Patricia

 

Te puede interesar:

Protagonistas de ‘El Padrino’ se reunirán para el 45 aniversario del estreno

http://www.vanguardia.com.mx/articulo/protagonistas-de-el-padrino-se-reuniran-para-el-45-aniversario-del-estreno

El actor Marlon Brando rechaza el Oscar

https://mx.tuhistory.com/hoy-en-la-historia/el-actor-marlon-brando-rechaza-el-oscar-por-su-interpretacion-en-la-pelicula-el

Los actores de la película El Padrino en la actualidad

http://cinicosdesinope.com/cine-y-series/el-padrino-asi-estan-ahora-los-actores-de-la-pelicula/

 

 

 

Los artísticos micromosaicos italianos

Hola:

En primer lugar tenemos que tener claro qué es un “micromosaico” para entender en qué consiste este maravilloso arte.  Los micromosaicos son imágenes figurativas que se elaboran manualmente uniendo pequeñísimas piezas oblongas  de vidrio, marmol, onix y piedras preciosas  o semipreciosas.    A estas diminutas piezas de distintos materiales se les denomina “teselas”.   Los mejores micromosaicos eran una verdadera obra de arte porque podían alcanzar de 3.000 a 5.000 teselas por pulgada cuadrada.   El impacto y perfeccionismo del micromosaico dependía exclusivamente de la habilidad artística de su creador.

Los pioneros de este maravilloso arte fueron los griegos y los italianos y éstos últimos  comenzaron a crear micromosaicos desde el Renacimiento, alcanzando gran popularidad a mediados del siglo XIX, cuando el centro de producción era Roma.

Los micromosaicos se aplicaron a muebles,  cajas de tabaco, cofres y otros objetos, así como a piezas de joyería.  Las escenas más usuales de los micromosaicos fueron paisajes romanos, temas religiosos, flores, pájaros, personajes mitológicos e imágenes que se copiaron de pinturas.  Las piezas de mosaico más pequeñas provienen de obras del período comprendido entre finales del siglo XVIII y finales del XIX.

En las siguientes fotos verás una  selección de piezas italianas antiguas que han sido decoradas con hermosos micromosaicos.

Pastillero de oro con micromosaico de ave, 1800s.

Detalle del micromosaico..

Pulsera con micromosaicos de flores 1840.

Aretes de oro con micromosaico de aves y flores, 1800s.

Broche camafeo con micromosaico, 1800s.

Broche de bronce con micromosaico de tres corazones, 1800s.

Broche de oro de 14k con micromosaicos de flores y pájaro, 1800s.

Broche de oro de 18 k con micromosaico de la imagen de María y el Nino, 1800s.

Cadena y pendiente de oro de 18 K adornados con micromosaico de tema pastoral, 1800s.

Pastillero de oro adornado con micromosaico de flores, 1920.

Portaretrato de madera decorado con micromosaicos de flores y la imagen del Vaticano, 1850.

Portaretrato de madera en forma de mandolina con decoración de micromosaico de flores, 1800s.

Portaretrato de madera para dos fotos decorado con micromosaicos de flores, mediados de 1800.

Si te gustaron estos antiguos y artísticos micromosaicos, te aconsejo visitar el Museo Hermitage y la colección Gilbert en Londres donde encontrarás interesantes piezas de este maravilloso arte.

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Patricia

 

Lentejuelas: brillo con historia

Hola:

¿Sabías que las “lentejuelas”, esas pequeñas láminas redondas de plástico con acabado metálico que hoy adornan los vestidos fueron usadas por primera vez hace siglos por los antiguos egipcios?

El Imperio Nuevo fue el  periodo histórico que comienza con la reunificación de Egipto bajo Amosis I (c. 1550 a. C.) y que termina hacia el 1070 a. C. con la llegada al trono de los soberanos de origen libio.  La vestimenta cambió significativamente en Egipto durante este periodo en el que reinaron las dinastías XVIII, XIX y XX.  Quedaron atrás las simples túnicas de lino, pues los egipcios inventaron nuevos tintes para las telas, haciendo que éstas sean más coloridas.  Al vestido simple entubado añadieron una túnica plisada que se usaba sobre éste.  Las egipcias ricas decoraban sus vestidos con plumas, lentejuelas y diferentes tipos de rosetas.  Las lentejuelas estaban hechas de diversos metales como plata, oro y bronce con un agujerito para cocerlas al vestido.  Como ves, el nacimiento de las lentejuelas para decorar las vestimentas es mucho más antiguo de lo que te imaginas.

Desde ese punto tan remoto del tiempo,  las lentejuelas han ido cambiando de estilo, ya no sólo son redondas sino que han adoptado otras formas geométricas y de otro tipo como flores, estrellas, lágrimas, etc.  Las hay en colores metálicos, doradas, plateadas, cobrizas, escarchadas, así como transparentes y de diversos colores.  Las lentejuelas plásticas son las más comunes pero también las hay de metal para las prendas sofisticadas de alta costura.

Las lentejuelas han tenido varios picos de popularidad en la historia de la moda.  El primero fue durante el Movimiento Art Decó, es decir, durante los años 20s y parte de los 30s.  La moda se inundó de brillo y ese brillo lo dió las lentejuelas que sirvieron para adornar vestidos, sombreros, pines de sombreros, guantes, chales, vanités y mucho más  como puedes ver en estas fotografías.

Lentejuelas de metal de 1930.

Caja delentejuelas de metal de 1930.

Lentejuelas de metal de 1930.

Vestido Flipper de chifón negro y bordado de flores con lentejuelas.

Vestido Flipper de chifón blanco con lentejuelas aurora boreal y mostacillas.

Vestido Flipper de seda negra con lentejuelas plateadas.

Mitones de terciopelo negro bordados con lentejuelas plateadas y piedras falsas.

Chal de tul negro bordado con lentejuelas doradas.

Sombrero bordado en seda y lentejuelas.

Sombrero decorado con plumas, lentejuelas y cordones de seda.

Pin de sombrero revestido con lentejuelas cremas y doradas.

Pin de sombrero revestido con lentejuelas y mostacillas multicolores.

Vanité bordado con mostacillas verdes y flores blancas de lentejuelas

Vanité de seda bordado de perlitas y lentejuelas blancas.

 

En los 70s también se usaron muchísimo las lentejuelas, era la época de la onda disco y se adornaron con lentejuelas vestidos, blusas, cinturones y bolsos.

Vestido disco de los 70s totalmente bordado de lentejuelas color fucsia.

Cinturón strech de los 70s bordado con lentejuelas doradas.

Más adelante en los ‘80s se volvieron a usar, las puso de moda nuevamente Michael Jackson, ¿te acuerdas del famoso saco de lentejuelas negras con el que bailó Billy Jean por primera vez, así como sus guantes blancos con lentejuelas  y los famosos sacos cortos estilo militar decorados con brillos de lentejuelas?  … detalles que marcaron toda una época.

Espero que hayas disfrutado el  Post de las eternas lentejuelas que se resisten a morir y que hoy se encuentran vigentes en las grandes pasarelas del mundo.  A nivel local,  Ani Alvarez-Calderón incluyó en su última colección muchas prendas adornadas con lentejuelas hechas con láminas de bronce de diferentes formas geométricas, para lo que se inspiró en la vestimenta del Señor de Sipán.

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Patricia

Frase del gran Woody Allen

Estatua de la Libertad, Nueva York, Estados Unidos, Postal de 1907.

 

“La última vez que estuve dentro de una mujer fue visitando la Estatua de la libertad.”

 

De la película “Delitos y faltas”,  que en 1989 llevó a la pantalla al gran Woody Allen, Mía Farrow, Alan Alda, Martin Landau y Anjelica Huston.  Además este drama-comedia fue escrito y dirigido por Allen.

Puedes leer la crítica de esta película en la web:

http://cinemaesencial.com/peliculas/delitos-y-faltas

 

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Patricia

Coleccionando a Jackie Kennedy Onasis

Hola:

Jackeline Bouvier o simplemente “Jackie” se convirtió en Primera Dama de los Estados Unidos en 1961 y su estadía en la Casa Blanca sólo duró hasta el 22 de noviembre de 1963, fecha en la que su esposo, el  Presidente John F. Kennedy,  fue asesinado en Dallas, Texas.  A sus 31 años , fue notable su valentía durante y después de ese lamentable incidente.  Ese hecho así como su posterior matrimonio con el hombre más rico del mundo, el griego Aristóteles Onasis, la convirtió en un mito y en una figura famosa en todo el mundo.   Lo que Jackie significa para los norteamericanos y esa admiración que también despierta en otras latitudes aún después de su muerte (en 1994), ha llevado a muchas personas a coleccionar todo lo concerniente a ella.

La excitante vida de lujos y glamur de la Exprimera Dama norteamericana ha hecho correr ríos de tinta en revistas y diarios en todo el mundo durante décadas.  Jackie ha sido admirada por sus aciertos pero también muy criticada por sus excesos.

Desde la década de 1960 hasta la fecha se siguen publicando libros acerca de Jackie pero sólo el titulado “One Special Summer” (o un Verano Especial) es autobiográfico y lo escribió Jackie conjuntamente con su hermana Lee.  La obra trata del viaje que ambas hicieron a Europa en 1951, tras graduarse Jackie de bachiller en Literatura Francesa en la Universidad de Washington y que coincidió con la graduación de secundaria de su hermana Lee. (Puedes hacer click para agrandar las fotos). Aquí sólo algunos libros acerca de esta legendaria mujer.

Jack y Jackie se casaron el 12 de septiembre de 1953 en una boda católica que fue considerada “el evento social”  de la temporada.  El vestido de novia de Jackie diseñado por Ann Lowe de Nueva York aún se conserva en la Biblioteca y Museo Presidencial de John F. Kennedy.  Por internet se pueden adquirir muñecas que llevan su famoso vestido de novia.

Jackie fue un símbolo de estilo, elegancia y exquisito gusto tanto en el vestir como en la decoración que dejó en la Casa Blanca.  Tenía preferencia por los diseñadores franceses y por ello le llovieron críticas por parte de los diseñadores estadounidenses.  Como te imaginarás, todo lo que vestía Jackie marcaba tendencia, las mujeres en todo el mundo seguían sus preferencias en sombreros, carteras, zapatos y joyas.  Aún hoy en día se pueden adquirir réplicas de sus famosas joyas y relojes.

Cuarto de vestir de Jackie en la Casa Blanca.

Muneca de 21 pulgadas de alto. Lleva el clásico vestido y sombrero color rosa que identificaba a Jackie.

Muneca de una Jackie cuando era nina.

Réplica certificada de los broches de Jackie.

Réplica certificada del famoso collar de perlas de tres vueltas que solía usar Jackie.

Réplica certificada de uno de los relojes de la colección de Jackie.

 

Cuando su esposo Jack llegó a la Presidencia de los Estados Unidos, se lanzaron al mercado diversos objetos y recuerdos con la imagen de Jackie.

También se puede adquirir por internet monedas, fotos, postales y estampillas con el famoso rostro de la más querida y admirada Primera Dama que ha tenido los Estados Unidos.

Postal de retrato de Jackie pintado por Charles J. Mccartlhy.

Estampilladas de Jackie en distintas épocas de su vida.

Estampilla de Jackie cuando tenía 5 anos montando a caballlo.

Moneda de oro con el rostro de Jackie, 2015.

 

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Patricia

Los floreros “cabeza de dama” que marcaron toda una época

Hola:

Debo disculparme por mi ausencia en WordPress en  los últimos días.  La verdad es que el calor en Lima se ha intensificado muchísimo a causa del Fenómeno del Niño, lo que me ha alejado de mi ordenador  y, en consecuencia, de mi querido Blog.

Esta vez vamos a conocer los “floreros cabeza de dama” que fueron populares en la década de los ‘40s y ‘50s, con mayor énfasis en esta última década.    Los floreros consistían en una cabeza o busto de mujer  con cavidad hueca para colocar las flores o plantas.  En un inicio, las compañías norteamericanas de flores encargaron la fabricación de estos floreros, con el fin de vender sus arreglos de flores luciéndonos en ellos.  Más adelante surgieron nuevos fabricantes de floreros cabeza de dama en Japón cuya producción se vendía en ese país y además se exportaba a otros mercados.

En este Post vamos a ver los simpáticos floreros cabeza de dama fabricados por diversas compañías japonesas como Lefton, Nepco, Rubens, Replo y otras.  Estas piezas normalmente medían entre 5 ó 7 pulgadas de alto y representaban mujeres elegantes que vestían sombreros y vestidos de moda y algunas incluso llevaban pestañas postizas y aretes.  También algunas piezas estaban decoradas con piedras falsas, plumas, flores de seda y encajes.  Todos los floreros eran pintados a mano y en ello radicaba principalmente la diferencia entre una fábrica y otra, es decir, en la habilidad de sus artistas.

Los floreros cabeza de dama son un excelente testimonio de cómo evolucionó la moda de la mujer en cuanto a peinado, maquillaje, vestido y accesorios que estuvieron de última en las décadas de 1940 y 1950.  Además se fabricaron piezas en honor a famosas estrellas de cine y TV que fueron muy populares en esas décadas.  Veamos ahora algunos ejemplos:

Florero de cerámica japonesa pintado a mano y con decoraciones de pan de oro. ’50s.

Florero de cerámica japonesa de los ’50s.

Florero pintado a mano y decoraciones en pan de oro. Lleva pestanas postizas. Fabricado por Rubens, Japón ’50s.

Florero de dama de negro con collar de perlas. Fabricado por Rubens, Japón ’50s.

Florero decorado con plumas. La dama lleva aretes y collar de perlas. Fabricado por Napco, Japón, en los ’50s.

Florero fabricado por Napco, Japón, en los ’50s. La dama lleva collar y aretes de piedras.

Florero fabricado en Japón por Napco en los ’50s. La dama lleva pestanas postizas.

Florero fabricado por Napco, Japón, en los ’50s.

Florero japonés fabricado en los ’40s por Royal Sealy.

Florero fabricado en Japón por Lefton en los ’50s. Esta pintado a mano y lleva pan de oro.

 

Floreros decorados con piedras falsas, plumas y flores y lazos de seda:

Florero decorado con piedras falsas, flores de seda y plumas. El rostro lleva pestanas postizas. Pieza fabricada por Felton, Japón 1950.

Florero fabricado en Japón por Lefton en los ’50s. Lleva decoraciones de piedras falsas, listones de seda y plumas.

 

Floreros fabricados en honor a estrellas de cine y TV famosas en las décadas de los ’40s y ’50s.

Florero en honor a la estrella de TV norteamericana Lucille Ball, ’50s.

Florero fabricado por Replo, Japón, en los ’50s en honor a la actriz norteamericana Rita Heyworth.

Florero japonés fabricado en honor a la estrella de cine Scarlet O’Hara en los ’40s.

Florero de cerámica japonesa en honor a Carmen Miranda y que se fabricó en los ’40s.

 

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Patricia